Архив метки: учиться дизайну удалённо

Классификация заказчиков

Так случилось, что за долгие годы, общаясь с заказчиками, я прошёл, наверное, через все возможные ситуации от комедийных до рискованных для жизни. В результате своих не до конца осмысленных действий, я потерял количество денег, равное стоимости… затрудняюсь сказать… но купить приличный немецкий, или японский внедорожник — вполне бы хватило.

Хочу начать с того, что заказчик — это в первую очередь бизнесмен, человек жёсткий, умеющий настоять на своём, по поведенческой модели он — охотник, или хищник.

Дизайнер — рефлексирующее существо, не склонное к агрессии. Он в большинстве случаев мягок и податлив, по поведенческой модели он в большинстве случаев — добыча хищника. Это в теории. Однако, если бы бизнесмены, подталкиваемые инстинктом хищника, всякий раз бы «съедали» дизайнеров, то рынок бы попросту опустел и встал, потому что бизнес не способен создавать никаких ценностей, кроме добавленной стоимости, бизнес вынужден покупать продукт, создаваемый дизайнером.

Как я уже говорил, за долгие годы работы в дизайне, мне пришлось встречаться с клиентами, наверное, всех типов, цветов и размеров. Моя “Классификация заказчиков”, это попытка систематизировать поведенческие модели клиентов, а также дать простые советы, как вести себя в сложных ситуациях.

Итак, первый тип — «ЗАХОЧУ — ОЗОЛОЧУ»

Если заказчик начинает вам напевать, что, если ему понравится ваша работа, он не поскупиться и выдаст щедрые премиальные — это означает только одно, он хочет подстраховаться от рисков и не давать вам аванс.

Откажитесь от обещанных премиальных, сказав например, что аванс — это ваш главный стимул, и что вдохновение у вас рождается только после получения аванса, а до этого — ну ни как. Изобразите человека, бескорыстно любящего деньги. Бизнесмен вам скорее всего поверит, потому что сам такой.

Каков размер аванса должен быть? Это зависит от вашей “мышечной массы”. Если вы востребованы рынком и клиенты выстраиваются к вам в очередь, то можете договариваться хоть на все 100%. Если вы в начале творческого пути, то 25% будет достаточно. Для меня на протяжении долгих лет привычным является аванс 50%. Помните, что и вы и ваш клиент рискуете в равной степени, только он своими деньгами, а вы своим рабочим временем.

Второй тип я назвал «ЕЩЁ, ЕЩЁ и ЕЩЁ»

Если заказчик настаивает на бесконечном количестве вариантов, знакомый случай? это верный признак, что у него проблемы с принятием решения и что высока вероятность того, что он выжмет вас досуха и расторгнет договор.

Обязательно перед началом проекта договаривайтесь на определённое количество эскизов, которое вы готовы ему предоставить. Обычно это — 3. Это не так много, чтобы ваш заказчик запутался в вариантах и не так мало, чтобы у него возникло ощущение, что ему чего-то не доложили. Если заказчик не унимается и продолжает требовать от вас “ещё и ещё”, просите пересмотра суммы договора исходя из увеличения объёма работ. Ничего не делайте бесплатно, этим вы просто обесцениваете свой труд.

Третий тип «САМ СЕБЕ ДИЗАЙНЕР»

Заказчик, который пытается залезть в ваш творческий процесс и начать собственными руками исправлять или улучшать вашу работу — тяжёлый случай…

Постарайтесь максимально деликатно объяснить ему, что его творческие компетенции заканчиваются на брифе. Если ему что-то не нравится в вашей работе, ему необходимо сформулировать претензии как можно чётче и желательно в письменном виде. Насколько глубоко можно запустить заказчика в проектный процесс — решать вам. Однако помните, что за результат несёте ответственность всё равно вы.

Четвёртый тип «БЫСТРЫЙ КОВБОЙ»

Наверное, самый распространённый тип заказчика, тот, которому «всё нужно вчера». Помните, у вас свой привычный темп и стиль работы. Не дайте ему «разогнать» себя, если на то нет объективной причины, но сами будьте аккуратны с дедлайном, если вы затянете проект — это повод для конфликта. Помните, любое «срочно» стоит как минимум + 30% к обычному прайсу. Предложите это заказчику, и он успокоится и не будет вас гнать. В идеале, календарный план работ должен быть частью вашего договору и подписан заказчиком.

Пятый, довольно редкий тип «СПЯЩАЯ КРАСАВИЦА»

Есть клиенты, которые неожиданно теряют интерес к проекту и «засыпают». Иногда — на неделю, иногда — на полгода. Не напоминайте о себе по нескольку раз, спокойно проедайте полученный аванс и занимайтесь другими проектами. Бизнесмен никогда не расстанется с деньгами, которые авансировал, рано или поздно, он позвонит вам и попросит продолжения банкета.

Меня часто спрашивают, как я отношусь к распространенной сентенции, что заказчик всегда прав… Да, отвечаю я, заказчик всегда прав, но за исключением тех случаев, когда он совершенно не прав. И воспитывать такого заказчика — священный долг и почётная обязанность дизайнера в России.

Культовый британский дизайнер Невил Броуди как-то сказал:

“Иногда своих заказчиков приходится увольнять, при этом вы должны быть готовы немного поголодать”.

И ещё одна чудесная цитата от американского дизайнера с итальянскими корнями Массимо Виньелли:

“ Первая вещь, которую нужно прояснить клиенту — что вы здесь не для того, чтобы удовлетворять его желания, а для того, чтобы удовлетворять его потребности”.

А на сегодня у меня всё, желаю вам вменяемых заказчиков. Всех, кто ещё не подписан на Мой канал в Ютубе — приглашаю подписаться. Всем добра и Just Do It!

3 БОМБИЧЕСКИХ УПРАЖНЕНИЯ ДЛЯ РАЗВИТИЯ КРЕАТИВНОСТИ

Добавить комментарий

Всем большой привет, большой, как кальмар у Жюля Верна! Сегодняшний разговор касается проблемы всех занимающихся креативным дизайном, проблеме — как заставить свой мозг генерировать яркие, способные волновать идеи, идеи, за которые клиент будет готов платить вам и всячески вами восхищаться.

Под креативностью я понимаю в первую очередь навык дизайнера работать в условиях неопределенности, выполняя сложные задачи, требующие творческой импровизации и драйва. Благодаря ему мы создаём дополнительную ценности товара для того, чтобы бизнес мог его дороже продать. Нестандартный взгляд на стандартную проблему порождает в сознании потребителя эмоцию, а эмоция превращается в транзакцию. Такая вот история.

Дизайнер с минусовой креативностью, постепенно становится «водителем мыши», превращаясь в безынициативного персонажа, механически исполняющего команды заказчика. Психологи используют термин «выученная беспомощность». Постепенно, процесс проектирования, который должен приносить инджой, начинает вымораживать. Вариантов нет, либо ты креативен и светишься всеми огоньками, как ночной Лас-Вегас, либо ты — тусклая лампочка в подъезде, еле-еле освещающая площадку перед мусоропроводом. Тебе ничего не остаётся, как медленно выгорать, делая унылую, однотипную работу, растягивая деньги от аванса до подсчёта.

Замечу, что креативность в коммуникативном дизайне, это не столько талант, сколько технология. Навык управления креативностью принадлежит к высокопрофессиональным навыкам и, как любой высокопрофессиональный навык, он тренируем.

Технологий управления креативностью несколько. Я знаю восемь, в проектировании пользуюсь — тремя. Это brainstorming, или мозговой штурм, это интеллект-карта, она же технология Тони Бьюзена, и моя собственная — “принудительного связывания”. В своей онлайн школе Айдентика, кроме всего прочего, я обучаю и этой методике. Как это работает в визуальном брендинге будет понятнее, если посмотреть работы моих учеников. Заходите на страничку школы https://school.romashin-design.com/

Прошу бывалых дизайнеров не судить строго, для большинства проходивших обучение – это первая работа в области айдентики, будьте добрее)

А сегодня я хочу предложить вам самим немного вспахать свой мозг, выполнив три упражнения на развитие креативности, они помогут нащупать ту грань в воображении, где заканчивается банальное и начинается по-настоящему креативное.

Ну что, готовы? Разминочка:

Выберите любой предмет, визуализируйте его в своем воображении, к примеру «кроссовки». Найдите 10 описательных прилагательных, сообразных этому предмету: модные, дышащие, для бега, детские и т. д. Готово? Теперь придумайте еще 10 прилагательных, которые абсолютно не подходят для описания «кроссовок». Например: «меланхоличные», или «застенчивые» … Попробуйте. Обнаружите, что выполнить это задание не так уж и легко. Покопайтесь в своём восприятии и найдите нужные слова. Всё пришедшее в голову запишите.

Теперь немного порисуем. Расчертите лист на три столбца. В первый запишите название предметов для офиса (скрепки, кнопки), в другой для кухни (миксеры, чайники), в третий – предметы из гаража или мастерской (клещи, молотки).

Посмотрите внимательно на созданный вами список и попытайтесь «принудительно связать» 2 предмета из разных групп, так, чтобы проявилась новая несуществующая, желательно прикольная функция. Пример: автомобильные колёса, приделанные к офисному креслу для быстрого карьерного подъёма и т.п.

Придуманный вами гибридный объект нужно нарисовать, умение рисовать особой роли не играет, главное, чтобы концепт можно было изобразить в принципе.

Теперь переходим к третьему к самому сложному заданию. Всем нам известен символ любви. Это банальное изображение сердечка, пронзённого стрелой. Иногда, для усиления месседжа, ещё дорисовывают капли крови, стекающие с наконечника стрелы. Вспомнили?

Теперь скреативим что-то не банальное.

Задание:

На основе сердечка, путём добавления элементов графики изобразите символы любви: крепкой, корыстной, духовной, «до гроба» и какой-то своей, личной (к котикам, к дизайну, к алкоголю и т.д.) Ваше сердечко не должно стать героем мультфильма, у него не должны отрастать ручки и ножки оно не должно взаимодействовать с предметами, как живой персонаж — есть, пить и т.д. Оно должно превратиться в нечто иное, сохранив узнаваемость сердца, и проявив какое-то дополнительное свойство. В финале должно получиться 4 значка. Рисуйте как можно проще, не пользуйтесь цветом, изображение должно быть чёрно-белым.

Покажите эскизы друзьям. Смогут они расшифровать ваши визуальные высказывания? Все 4, или только 2? Если друзья расшифровали все 4 — вы большой молодец, и я снимаю перед вами шляпу.

Больше информации по теме развития креативности вы можете почерпнуть на моём образовательном канале в Youtube .

О ТИПОГРАФИКЕ В АЙДЕНТИКЕ

Добавить комментарий

Хочу начать с того, что типографика – это длинный свод законов, правил и запретов при работе с текстом. Этот свод увеличивается во много раз вследствие того, что не существует какой-то одной типографики. Типографик много. Есть типографика классическая, со своими правилами, типографика модернистская, постмодернистская и типографика маргинальная (это то, что порой требует от нас особо упоротый заказчик). Естественно, когда дизайнер объективирует все стилевые различия и имеет навыки использования всей палитры средств стилевой выразительности, он серьёзно повышает свою конкурентоспособность на рынке дизайна. Он как опытный тапёр, который может и Шопена сыграть, и «Мурку сбацать».

Антиква Леонардо да Винчи

ДНК типографики — буква. Буква — это культурный продукт длинной эволюции. Проявив любопытство и покопавшись в истории развития шрифта, мы можем проследить эту самую эволюцию. Важно понимать, что буква на каждом историческом этапе развития типографики, несла в себе эстетические черты своей эпохи и эти характеристики считываются зрителем вне зависимости от того, искушён он в тонкостях типографики, или нет. Очень грубо, все шрифтовые гарнитуры можно разделить на исторические и современные. Оговорюсь, что это очень грубо. Актуальность того или иного шрифта проявляется не в том, сколько лет или десятилетий назад он был спроектирован, а в том, на сколько он адекватен контексту вашего дизайна.

Хочу акцентировать внимание на том, что типографика имеет два аспекта — утилитарный и эстетический. Утилитарный аспект — это тупо читаемость текста. Иногда необходимо, чтобы шрифт читался на рекламном билборде когда мы проносимся мимо него на скорости 100 км час. Иногда нам нужен шрифт для создания больших текстовых блоков журнальной или книжной верстки. Это другая ситуация, от слова совсем. Тут актуализируется задача обеспечить комфортность чтения. Глаза читателя не должны уставать и слезиться. Очевидно, что верстая блоки текста, мы должны выбрать какой то другой шрифт, отличный от того, который мы использовали на биллборде.

С утилитарным аспектом мы разобрались. Двигаемся дальше.

Мои видео лекции на Youtube>>> Перейти в YouTube

Эстетический аспект выражается в том, что шрифт представляет собой сложную художественную форму, несущую в себе как красоту, так и некое культурно-историческое содержание. В разные эпохи графического дизайна, начинал доминировать либо первый, либо второй аспект. Так в послевоенные годы, когда сформировался международный стиль типографики, называемый швейцарским, дизайнеры вообще начали отказываться от использования каких либо шрифты кроме Гельветики. Великий американский, с итальянскими корнями дизайнер Массимо Виньелли, как то в интервью сказал: «Мне не нужны другие шрифты и гарнитуры, если я хочу выразить в макете гнев, я возьму Гельветику более жирного начертания. Если хочу сказать о любви — меня вполне устроит та же гельветика, но только светлого начертания».

Шрифт. Невил Броуди UK

Когда в 80-е на смену швейцарскому корпоративному стилю пришла Новая волна, с её самоиронией и карнавальностью, дизайнерам для выражения новых идей понадобились какие то новые шрифты и они принялись их массово проектировать. Это были шрифтовые гарнитуры с повышенной, иногда зашкаливающей декоративность и пониженной читабельностью. Очевидно, что с утилитарной точки зрения, они не выдерживали никакой критики. Да, по большому счёту этого от них и не требовалось.

В начале двухтысячных тренд поменялся и классическим шрифтам дизайнеры снова начали относиться с почтением и пиететом Современному дизайнеру необходимо найти равновесие между формой и функцией шрифта, гармонизировать эти два аспекта. Важно, что бы типографика была достаточно выразительной, при этом чтобы она сохраняла читабельность, то есть выполняла свою главную функцию передачи информации.

Типографика, как я уже сказал – это свод законов. Можно ли их нарушать? Конечно, можно, если вы это делаете осмысленно. По большому счёту, каждый из отцов-новаторов типографики XX века, и Ян Чихольд, и Мюллер Брокман, и Рудер, нарушали законы, существовавшие до них. Для того чтобы нарушать правила, нужно их досконально знать и ими владеть, в противном случае ваш «бунт» будет неубедительным.

Именно на незнании базовых законов типографики и прокалываются молодые дизайнеры. Время от времени они присылают мне свои проекты на рецензию, и вот смотришь — вроде всё замечательно и с точки зрения креативности и с точки зрения владения графическими инструментами, а с точки зрения типографики — беда. Печаль в том, что эти ошибки видны не только мне, опытному дизайнеру с многолетним опытом и академическим образованием, печаль в том, что их видит и заказчик. Он просто не может сказать где собака зарыта, но интуитивно чувствуют что что-то не то и отправляет дизайнера «поиграть шрифтами».

Я хочу рассказать вам о трёх базовых правилами типографики в айдентике. Следуя им вы во многом обезопаситься ваши проекты от негативной оценки. Усвоив эти правила, вы сможете в последствии от них отказаться и попытаться поработать их игнорируя, но сначала научимся им следовать.

ПРАВИЛО СООБРАЗНОСТИ

Выбирая шрифт для своего проекта, мы исходим из того, что имеется два шрифтовых семейства — это антиквы и гротески. Антиквенные шрифты — это наследство доставшиеся нам от Римской империи. Может быть из-за длинной истории, может быть из-за рисунка, но эти шрифты обладают каким то авторитарным характером. Условно назовем Антикву «президент». У шрифтов семейства Гротеск совсем другой характер, да история покороче. Они стали массово использоваться в типографике лишь в начале XX века, а до этого применялись только в уличных афишах и рекламе. Возможно это и обусловило их демократический характер. Если мы с вами договорились, что Антиква — это «президент», то Гротеск — это скорее всего «бухгалтер». Выбирая шрифт для проекта, задайте себе вопрос, какой характер у бренда, над которым вы работаете. Должен он быть в результате авторитарным, или наоборот — демократичным и примите решение в пользу либо одного, либо другого шрифтового семейства.

ПРИНЦИП СХОЖЕСТИ

С ситуацией, когда мы создаем чисто шрифтовой логотип, всё понятно. Но как быть с комбинированным логотипом, где есть знак — символическое изображение и шрифтовая составляющая — имя бренда? Как подобрать шрифтовую пару к знаку?

Очевидно, что знак и логотип должны быть единой личностью. Самой очевидный способ создать единую личность из знака и логотипа- использовать принцип схожести. Этот принцип предполагает поиск шрифта схожего с рисунком знака. У зрителя должно возникнуть ощущение, что знак и шрифт сделаны из одного конструктора из одного строительного материала.

Приведу пример: этоn логотип проектировался мной для крупной риэлтерской компании. Обратите внимание, что ширина штриха буквенных элементов равна ширине линий из которых сделан знак — стилизованное изображение дома. Это тот самый случай, когда логотип и знак сливаются в одну песню.

Однако, принцип схожести, довольно сложно реализовать в ситуации когда знак имеет сложную графику. В этом случае мы должны забыть о схожести и искать контраст. Сложному знаку подойдёт максимально простой, моноширинный шрифт. В таких ситуациях я особо не размышляю, выбираю либо классическую Гельветику, либо её более современный аналог — Roboto и всё становится на свои места.

ВЫРАВНИВАНИЕ

Предположим, мы придумали и отрисовали в векторе знак, подобрали к нему логичную шрифтовую пару, теперь нам нужно создать то, что называется логоблок. Логоблок — это одна из констант фирменного стиля это устойчивая неизменяемая композиция состоящая из знака, логотипа и дескриптора. Как сделать эту композицию устойчивой и безупречной? Я советую начинающим дизайнерам две наиболее экономичных и логически обоснованных схемы. Первая схема — с выравниванием по левому краю, так называемый «левый флаг», вторая — с выравниванием по центральной оси. При флаговой композиции знак располагается слева логотип справа. Мы устанавливаем точку между ними и играя размерами знака и логотипа достигаем визуального равновесия всей композиции. Хочу обратить внимание что знак должен быть всегда слева.

Центрально-осевая компоновка логоблока. Тут всё ещё проще. Мы просто выравниваем знак и логотип по центру, главное не ошибиться с расстояниями между всеми элементами.

Как я говорил в начале, правила нужны для того, чтобы их время от времени нарушать, но это только после того, как вы научитесь работать согласно правилам. А научившись и закрепив навык, можно аккуратно начинать экспериментировать с типографикой, но не раньше.

Кому интересно тема коммуникационного дизайна — залетайте на страничку моего онлайн курса «Айдентика», регистрация на который идёт в данный момент. Тыц по ссылке: https://school.romashin-design.com/

Мои видео лекции на Youtube>>> Перейти в YouTube

ДЕСЯТЬ ПРОСТЫХ ОТВЕТОВ НА НЕПРОСТЫЕ ВОПРОСЫ

Добавить комментарий

Пару лет назад я затеял переписку с молодыми дизайнерами, с целью глубже познакомится с их проблемами, для того чтобы корректировать и уточнять свою учебную программу. Дизайнеры писали мне, я писал им, иногда на меня сходило вдохновение и ответы получались вполне публикабельными. Хочу поделиться фрагментом этой переписки с с моими подписчиками. Не исключаю, что и вы почерпнёте для себя что то полезное.

Вопрос: где учиться графическому дизайну, если тебе под 30, и поступать в вуз уже поздно?

Как получить профессию, которая будет кормить в будущем? Хочу обрадовать, для обучения дизайну, совсем не нужно жертвовать 4-5 годами, учась в институте.

Сразу оговорюсь, получить качественные знания из видео лекций на Ютубе — не получится. Почему? Дело в том, что в видео уроке отсутствует самое важное — обратная связь с учителем. Только во время обсуждения и устранения косяков педагогом происходит настоящая учёба. Ничего эффективнее личного кураторства не придумано.

Мало кто в мире знает, как нужно обучать дизайну, единого образовательного стандарта до сих пор нет. Поэтому учить, в идеале, должны мастера-практики, включенные в проектный процесс, а не просто левые люди, пересказывающие содержание книжек. Выбирая школу или курс, обязательно поинтересуйтесь, кто будет вас учить. У педагога должна быть профессиональная история и портфолио. Если педагогу нечем похвастаться — ищите другую школу.

Вопрос: должен ли графический дизайнер уметь рисовать?

Мой ответ — нет, не должен. Современная модель профессии не требует от вас знаний академического рисунка. Но это не означает, что дизайнеру вообще не придется рисовать. Решение любой проектной задачи в дизайне представляет следующую цепочку действий: это представление, фиксация и проектирование, где представления — это просто придумывание, фиксация — это быстрый скетч. Он может быть сделан карандашом на бумаге или пальцем на стекле, абсолютно не важно на чём и чем. Важно достать из головы образ и зафиксировать его на любой поверхности. Далее мы приступаем к проектированию, то есть превращаем эскиз в законченный продукт, будь то знак логотип или рекламный макет. Хочу процитировать американского дизайнера Пола Рэнда. «Дизайнер стратегический партнёр бизнеса, а не поставщик картинок. Задача бизнеса предоставить маркетинговую информацию, задача дизайнера её художественно интерпретировать»

Вопрос: зачем дизайнер нужен бизнесу? Что заставляет бизнесмена, делиться с дизайнером своей прибылью? Чего такого бизнесмен не может сам?

Ответ: бизнесмен не может без помощи дизайнера, убедить покупателя расстаться с деньгами. И эта неспособность связана отнюдь не с нехваткой мозгов у коммерсантов. Все дело в различных способах мышления бизнесмена и дизайнера.

Бизнесмен мыслит категорией продукта. Он может рассказать о своём товаре всё во всех нюансах и подробностях. Потребителю же это не нужно. Он хочет, чтобы ему рассказали о товаре коротко ёмко и главное эмоционально.

И тут появляется дизайнер. Он берёт у заказчика маркетинговую информацию и превращает её в картинку, по сути переводит вербальный контент в визуальный. Визуальное сообщение, в отличие от вербального, мощно воздействует на психику, через цвет, форму и т.п., что заряжает сообщение эмоцией, а эмоция, как раз и продаёт. Транзакция в обмен на эмоцию — тонко шутят маркетологи.

Вопрос: как продавать свой дизайн?

Продажа происходит в 3 этапа. В начале вы должны продать себя, убедив клиента, что вы именно тот, кто способен решить его проблемы. Затем вы должны обосновать стоимость работ, убедив его, что ваша цена оптимальная. Затем, и это самое сложное, вы должны продать ему свой дизайн.

На каждом этапе, продажа может сорваться. Ваше неправильное поведение, чрезмерная мягкость, уступчивость, или наоборот — излишнее упрямство, порой приводит к разрыву отношений, и как следствие — к потере денег вами и времени бизнесменом. В результате — в минусе все. Дизайнер, за которым не стоит агентство со штатными продажниками, должен научиться продавать. Продажа дизайна — это то же, что продажа пианино, мотоцикла или слона, только сложнее. Если сделка сорвалась — не расстраивайтесь. Каждые проведённые вами переговоры ложатся в копилку вашего опыта, делая вас более уверенными и зубастыми. Идите и смело продавайте! Коммерческих вам успехов и делайте дизайн.

Вопрос: как преодолеть внутренние препятствия и начать уверенно проектировать?

В процессе работы дизайнер сталкиваемся с тремя ментальными препятствиями. Первое – не могу придумать. Откуда брать качественные идеи, как заставить свой мозг их генерировать? Знакомо? Креативных технологий много, но не будем на этом сейчас останавливаться. Предположим, что мы преодолели это и идея у нас в кармане, вернее в голове. Но как перенести её из головы в компьютер?

Тут мы сталкиваемся со вторым препятствием – не могу нарисовать. Придуманная вами идея не конкретна, и когда вы начинаете её конкретизировать, то, то что вы видите на экране монитора всё меньше похоже на то, что крутилось в голове. Предположим, что вы справились и с этим. Что дальше?

А дальше вы упираемся в третье препятствие – не могу cкомпоновать. Визитка, буклет, плакат – всё это прямоугольники! Как впихнуть наш дизайн в прямоугольный формат, чтобы он занял своё единственно правильное положение?

Как преодолеть это? Ответ до банальности прост – надо постоянно учиться. Волшебное слово — насмотренность. Необходимо поглощать кучу информации и смотреть чужие качественные работы.

Вопрос: Как управлять своей креативностью, придумывая дизайн?

У вас есть проектная задача, вы смотрите на неё она смотрит на вас, ничего не происходит… Как столкнуть ситуацию с мёртвой точки, с чего начать? Придумать на холодную голову ничего не невозможно, голову необходимо для начала разогреть.

Но как? Хочу порекомендовать креативную ходьбу. На свежем воздухе наша кровь насыщается кислородом и все процессы в мозгу ускоряются. Главное, чтобы во время креативный прогулки, ваши мысли не сбежали от стоящей задачи в сторону воспоминаний или фантазий. Готовы?

Наметьте себе маршрут и поставьте задачу, что пройдя первый километр вы должны сгенерировать одно решение, пройдя второй — второе и т.д. Можно прихватить с собой какой-нибудь мелкий предмет сложной формы. Например игрушечного динозаврика. Во время прогулки мните его в руке, это так же стимулирует мозговые процессы. Да, и не забудьте захватить с собой скетч бук и карандаш. Идея может родиться неожиданно и её надо успеть зарисовать.

Вопрос: зачем графическому дизайнеру знания типографики.

Хочу начать с определения. Типографика — это длинный свод законов правил и запретов при работе с текстом. Этот свод увеличивается во много раз вследствие того, что не существует какой-то одной типографики. Типографик много. Есть типографика классическая со своими правилами, типографика модернистская, постмодернистская и типографика маргинальная (это то, что порой требует от нас особо упоротый заказчик).

Если дизайнер имеет навыки использования всей палитры средств стилевой выразительности, он серьёзно повышает свою конкурентоспособность на рынке дизайн услуг. Он как опытный тапёр, который может и Шопена сыграть и «Мурку сбацать». Мораль: изучайте типографику, копируйте лучшие её образцы, прокачивайте свою художественную интуицию и будет вам счастье.

Вопрос: почему один дизайн продает, а другой нет?

Потому, что одно визуальное высказывание понятно потребителю, а другое нет. Что препятствует пониманию? Масса всего, это и гендерные, и возрастные, и поведенческие различия. «Что русскому хорошо, то немцу — смерть» — гласит поговорка. Сможем ли мы решить эту проблему, создавая максимально понятный и простой дизайн? И да, и нет.

Простота дизайна является необходимым, но не достаточным условием успеха. Определяющим моментом является заинтересованность зрителя. Дизайн может быть абсолютно понятным большей части аудитории, как 2×2, но при этом быть банальным, скучным, а потому безынтересным.

Секрет в том, что все обыденное и банальное наш мозг причисляет к стереотипной части реальности и проскальзывает мимо.

Вывод: сложный, запутанный дизайн зритель проигнорирует вследствие его мутности, а на 100% понятный, но скучный — потому, что он «не цепляет». Такие дела. А на сегодня у меня всё, всех благ и делайте дизайн.

Вопрос: как работает дизайн коммуникация?

Постараюсь объяснить. Зритель, контактируя с произведением дизайна включает последовательно два способа восприятия. Первый — “я смотрю”. Это пассивная фиксация внешних, формальных характеристик, без погружения в суть. Второй способ — “я понимаю”.

Понимание — это активный способ обработки информации, требующий от него больше времени и усилий. Процесс может считаться завершённым, если зритель увидел, понял и позитивно отреагировал на дизайн. Проблема в том, что описанный процесс коммуникации, может быть прерван потребителем вследствие либо непривлекательности дизайна -”не красиво”, либо вследствие невнятности сообщения -”не понятно”. Понимание дизайнером этих двух планов восприятия визуального текста, очень важно для достижения успеха в профессии.

По большому счёту, можно сказать, что профессионализм в дизайне — это владение визуальным языком и готовность соблюдать правила “языкового поведения”

Вопрос: Как ускориться, как выйти в профессиональную лигу и начать нормально зарабатывать?

Мой совет: либо увеличивать стоимость вашего чека, либо скорость работы. В идеале — надо увеличить и то, и другое, но как? Профессионализм — это во многом автоматизм, когда вы не вспоминаете всякий раз, на какую кнопку нажать.

Для достижения уровня “профи” вам необходимо…

Начать читать профессиональную литературу, посещать профильные тусовки, лекции, каждодневно поглощать большое количество информации.
Найти учителя — опытного дизайнера. Будет ваше общение осуществляться онлайн или офлайн — значения не имеет. Ваша цель — овладеть навыками, и учитель должен вам в этом помочь.
Начать «впахивать», чтобы довести навыки до автоматизма. Если у вас нет реальных заказчиков, ступайте на Фриланс, беритесь за все, что вам кажется интересным. Делайте дизайн друзьям, родственникам и друзьям родственников. С гордостью наблюдайте за тем, как растет ваш профессионализм и доход.

Мой канал на Ютубе https://www.youtube.com/c/АлексейРомашин на нём много уникального контента по проблемам коммуникационного дизайна, типографики и брендинга. Подписывайтесь и делайте дизайн!

ЛОГОТИП С НЕХОРОШИМ ПОДТЕКСТОМ

Добавить комментарий

KISS — американская рок-группа, образованная в Нью-Йорке в 1973 года Полом Стэнли, Джином Симмонсом, Питером Криссом и Эйсом Фрили, представители музыкального стиля, который получил название glam rock, (от glamorous — «эффектный»). Группа стала известной и узнаваемой в первую очередь благодаря характерному гриму, который наносился на лица музыкантов, сюрреалистическим костюмам и затейливой сценической бутафории, которая кровоточила, плевалась искрами, выпускала цветные дымы, ну, одним словом – создавала атмосферу праздника.

Не меньшую роль в обретении группой скандальной известности сыграл её логотип. Группа была подвергнута жёсткой критике за то, что он имел сходство с нацистским значком SS (так называемые Schutzstaffeln — «отряды охраны»). Из за этого сходства, группа KISS в СССР была внесена в чёрные списки как неонацистская и жесточайшим образом запрещена. Между тем этот неоднозначный логотип, по мнению журнала Rolling Stone считается на сегодняшний день, самым узнаваемым за всю историю рока.

Аутентичный знак SS

Вопрос о том, сколь осмысленно музыканты группы KISS использовали нацистскую символику, оставался открытым долгие десятилетия. И вот, несколько лет назад, корреспондент MTV задал этот вопрос одному из живых членов коллектива и тот рассказал, что использование значка SS в брендинге группы было непреднамеренным, как он выразился — «несчастным случаем» и в доказательство раскрыл секрет, что двое участников KISS Пол Стэнли и Джинн Симмонс – евреи, и более того, мама одного из них даже отсидела в немецком концлагере и что они за всё хорошее, против всего плохого и никаких нацистских подтекстов по определению быть не могло. Вот такая история. А на сегодня всё. Делайте дизайн и подходите к этому осмысленно.

Кто придумал американский флаг?: http://blog.romashin-design.com/articles/dizajn-flaga..

КАК ПРОДАВАТЬ СЛОЖНЫЕ ДИЗАЙНЕРСКИЕ РЕШЕНИЯ

Добавить комментарий

Вам по жизни приходилось встречать людей, которые бы вслух признавались, что ничего не понимают в дизайне? Мне — нет. Можно не понимать теорию кота Щрёдингера, или про то, что такое Дхарма, но про дизайн, чего тут не понимать? «Он либо нравится, либо не нравится» — народ рассуждает примерно так. Однако, с точки зрения психологии восприятия, всё обстоит гораздо сложнее. Своими соображениями по этому поводу я и хотел с вами поделиться.

Восприятие — штука сложная, на него влияет множество факторов. В первую очередь — ситуация в которой находится воспринимающий, или контекст. Великий Лотман, в своих лекциях по семиотике так описал проблему контекста: «голый человек в бане не равен голому человеку на улице».

Сталкиваясь с дизайном в естественной среде обитания: на улице, дома, на работе, мы реагируем на него одним образом, предположим: он у нас вызывает симпатию — «красиво!», отмечаем про себя мы. Оказавшись участником фокус группы, тестирующей тот же самый дизайн, мы, скорее всего, разглядим в нём какие-то недочёты, а выступая в роли заказчика и услышав негативный комментарий из уст уважаемого сотрудника (жены, секретарши, кофе машины) мы, возможно, вообще этот дизайн забракуем. «Выглядит простовато», «что то подобное я где то уже видел», или наоборот — «слишком смело, народ не поймёт» — из за таких вот придирок лично у меня было забраковано много вполне работоспособных идей.

Вспоминаю, я как то делал редизайн фирменного стиля для одной крупной логистической компании. Эскизы понравились директору, но он решил подстраховаться, посоветовавшись с коллективом. Начали с самого уважаемого и старого сотрудника. Это был директор по режиму. Входит такой дед, ветеран Второй Мировой, с орденскими планками на пиджаке, всматривается подслеповато и видит в логотипе… свастику! Да, фашистскую свастику! И весь коллектив вслед за дедом, тот час сразу увидел свастику. Директор испугался и решил проект подвесить. Я жутко тогда расстроился, логотип был вполне ничего и свастика там рядом не лежала.

Но все эти расстройства у меня только по молодости случались, так как с годами я понял, что на качественный логотип всё равно или поздно покупатель найдётся. Так случилось и с этим проектом, я пристроил его, спустя лет 7, после лёгкого тюнинга американскому производителю компьютерных игр. Американец, естественно, никакой свастики в логотипе не увидел.

Помните, если вам заказали редизайн чего то, что уже было сделано до вас, работало и всех устраивало, то ваш главный головняк — сотрудники компании среднего звена. Представляете, как бы осерчали пожарники, если бы они утром пришли в депо, а пожарные машины не красные, а голубые… Почему они должны их полюбить и вас заодно как автора проекта? Что же делать дизайнеру перед лицом этой разрушительной силы? Исходя из моего опыта, имеется две эффективных стратегии — «отсечение» и «приручение».

СТРАТЕГИЯ ОТСЕЧЕНИЯ

Отсечь опасных для реализации проекта людей можно просто зафиксировав это в договоре, определив и перечислив всех, кто будет оценивать ваш труд. Традиционно — это гендиректор и его маркетолог. Если в процесс обсуждения проекта, без вашего ведома, будут привлекаться новые «критики» — протестуйте. Вы имеете на это полное право, неизменность состава ЛПР — становой хребет проектной дисциплины. Всякий раз, заканчивая презентацию промежуточных вариантов, фиксируйте все замечания, не стесняйтесь переспрашивать и уточнять формулировки. Всё уточнив, оформите в виде протокола, подпишите у участников обсуждения — и под ксерокс,…

Таким образом, вы получаете документ, который застрахует вас от ситуации: «а я вот вчера показал одной разбирающейся в этих делах даме и ей чего то там показалось». Стратегия выстраивания отношений с клиентом по модели «отсечения» жёсткая и поэтому рискованная. Нужно иметь твёрдый характер, чтобы всякий раз настаивать на том, что вы не «рисовальщик» картинок, а «решатель» проблемы и в каком-то смысле — стратегический партнёр бизнеса. Если вы будете неубедительны, то проект может закончиться конфликтом и разрывом отношений.

СТРАТЕГИЯ ПРИРУЧЕНИЯ

«Приручение» — мягкая и поэтому более безопасная стратегия. Реализуя её, вы, наоборот, активно вовлекаете коллектив заказчика в процесс принятия решений, при этом, чем народа больше — тем для вас лучше. Для начала бывает неплохо предложить сотрудникам, что бы они нарисовали, как им самим видится новый дизайн. Обычно, все начинают тут же задорно рисовать, а у директора при виде всех этих «шедевров» начинают шевелиться волосы на голове. После того, как сотрудники осознают, что дизайн дело специфическое, они начинают относиться к вам с уважением, а иногда и с тайным обожанием.

Для того, что бы стратегия «приручения» сработала, вам необходимы навыки модерации, ведь вам придётся на всём протяжении проекта поддерживать в людях уверенность, что новый продукт рождается в недрах их компании, а не на стороне и что мнение каждого учтено. Вы творите, а коллектив вас направляет. Тестирование творческих продуктов — отдельная серьёзная тема. Модерировать этот процесс так же придётся вам, если пустить на самотёк — начнётся хаос и деструкция. Если у вас получится выстроить эту коммуникацию, то сотрудники компании станут вашими союзниками и самыми преданными сторонниками ваших творческих идей.

Применяйте первую, либо вторую стратегию, исходя из ситуации, но будьте готовы к организованному отступлению. Если заказчик своими бесконечными правками всё-таки загнал вас в угол, вы не знаете, что ещё можно предложить, вас начинает слегка тошнить от проекта, а заказчика от вас, то у меня для вас имеется ещё один приём.

ПОЭМА ЭКСТАЗА

В критический момент, соберитесь с духом и перечеркните всё то, что делали и отстаивали и сделайте нечто диаметрально противоположное. Чем неожиданее будет ваше предложение — тем лучше для проекта в целом. Притворитесь, будто вы безумный художник и на вас снизошло ночное вдохновение. Это обычно сильно разряжает сгустившуюся атмосферу недоверия. Не факт, что ваша идея, рождённая в творческом экстазе будет принята. Главное то, что это ваше действие даст возможность снова почувствовать заказчику вашу заботу о нём, освежит ваш диалог и поможет взглянуть на то, что делалось до этого с другого ракурса. Эту стратегию я назвал «Поэма экстаза» в честь опуса № 54 великого русского композитора Александра Скрябина. Кстати, послушайте на досуге, очень красиво.

К слову, я недавно перезаписал свой онлайн курс визуального брендинга «Айдентика за 60 дней», где теме упаковки, защите и продаже своего дизайн-проекта я посвятил отдельную двухчасовую лекцию. В ней я делюсь целым набором высокоэффективных приёмов, наработанных за 20 лет руководства дизайн студией. Такие дела…

Подписывайтесь на мой Инстаграм Перейти в Инстаграм

А ЧТО ДИЗАЙН ДЛЯ ВАС?

Друзья, коль скоро вы оказались в моём блоге, мне бы хотелось получше вас узнать. Кто вы? Не сочтите за труд, ответьте на вопросы моей анкеты. Очень спасибо!

ПЕРФЕКЦИОНИЗМ В ГРАФИЧЕСКОМ ДИЗАЙНЕ

3 комментария

Хочу вам признаться, я перфекционист, но работаю над собой, искореняя в себе этот косяк. В психологии этот термин обозначает убеждённость в том, что идеал может и должен быть достигнут. Иногда перфекционизм ещё называют «синдромом отличника» — из-за желания все в жизни делать на «отлично». Однако, как это не прискорбно, погоня за идеальным в жизни взрослой, после школьной, практически не оставляет шанса перфекционисту оставаться в «отличниках». В этой статье я хочу поделиться своими соображениями по поводу перфекционизма в графическом дизайне, чем он вреден и как с ним бороться.

С одной стороны, дизайнер сдвинувшийся на перфекционизме, лучше, чем равнодушный к конечному результату пофигист. С другой стороны, если перфекционизм укоренился на психофизиологическом уровне, стал «историей болезни», это может сыграть злую шутку и принести много огорчений.

Маленький каминг-аут

В прошлом году мне на глаза попался сайт одного Берлинского издательства, которое специализируется на русской периодике. Я обнаружил в их редакционном портфеле медицинский журнал, который они печатали для русскоязычной публики, живущей в Германии и странах Бенилюкса. Сам журнал, с точки зрения его дизайна, был полным «колхозом». А у меня, по случаю, лежал невостребованный заказчиком макет аналогичного издания для федеральной аптечной сети. Отлично, подумал я, немного изменю свой макет под берлинский формат, выйду на главного редактора и предложу ему рестайлинг. Сел верстать и залип. Залип месяца на 4. Сначала я поменял шрифты, потом сетку издания, цветовую палитру, затем ещё чего-то по мелочам. Потом мне показалось, что будет более наглядно, если я возьму один из их берлинских номеров и полностью переверстаю в новом стиле. Через 4 месяца у меня на руках был макет, в котором мне не хотелось ничего поменять. Я встал из-за компьютера, отёр рукавом пот со лба, достал из холодильника банку пива… и понял, что не хочу больше заниматься этим проектом. И что же я сделал? А ничего, даже не стал макет в Берлин отсылать. Творческий процесс походу выжег все силы и вытеснил цель моих усилий. Что в остатке? Получилось так, что я бессознательно разделил проектные действия на приятные и неприятные, отдав все силы приятным. Приятными были дизайн и вёрстка, я вообще люблю поверстать. Неприятными были: созвон, переговоры, одним словом – продажа проекта. Вот моё подсознание и вытеснило эту задачу в область необязательного. В результате – «помереть не померла, только время провела», как поётся в старинном городском романсе.

И всё же, что за метаморфоза происходит с нами в подобные моменты? Может быть, попадая в ситуацию многозадачности, мы включаем ребёнка, как бы отказываясь есть кашу, требуя сразу сладенького? Но сладкое отбивает аппетит и, съев шоколадный батончик, мы вряд ли потом будем есть кашу. Перфекционизм – это отказ от решения трудных задач в пользу тех, которые способны доставить нам удовольствие. В каком то смысле, наш перфекционизм – это подсознательное желания оставаться ребёнком, занятым приятным процессом, но не берущем ответственность за результат. Между тем мы понимаем, что бизнес ждёт от дизайнера противоположного поведения.

Вы замечали, что мы редко залипаем на креативные задачи, в основном — на элементарные, с минусовой креативностью. Наш ленивый мозг постоянно уводит нас от сложного к простому, и это простое пожирает всё наше рабочее время. Что же делать? Вариантов не особо много. Для начала надо научиться управлять своей креативностью, и походу получать от этого удовольствие.

Для этого я рекомендую выстраивать проектную работу, чередуя задачи креативные и чисто технические – поработали головой, поработаем ручками, затем опять головой. Второе, что лично мне помогает не залипать на бесконечном улучшении одного и того же (за вычетом случая с медицинским журналом) — это навык вести работу сразу в трёх направлениях. Не важно, над каким проектом работаю, над логотипом, рекламным постером, или упаковкой, я сразу создаю 3 рабочих пространства и готовлю для заказчика 3 решения. Почему к заказчику правильнее идти с тремя вариантами? Так проще продать проект. Меньше трёх – у него будет ощущение, что ему чего-то не додали, больше трёх – он обязательно запутается в вариантах и будет требовать «ещё и ещё».

Важное замечание: и количество эскизов и последовательность ваших действий, должны быть описаны в договоре, либо в каком то ином документе, в котором вы фиксируете взаимные обязательства. Ещё до начала работ, читая договор, заказчик должен объективировать, что проектирование – это сложная, пошаговая процедура, требующая временных затрат от вас и финансовых от него.

И ещё важный совет! Никогда не сравнивайте себя с другими более опытными дизайнерами. Вы есть такой, какой есть в данный момент времени в этой точке пространства. Не ругайте себя за неудачи, а воспринимайте их как неотъемлемую составляющую вашего профессионального роста.

А шрифтами поиграть?

На это смотреть долго нельзя. Придётся развидеть.

Как совладать с внутренним перфекционизмом, мы вроде разобрались. А как быть с внешним, с часто встречающимся, патологическим желанием заказчика бесконечно вносить правки, улучшать проект, всеми этими — «а поиграйте шрифтами», «а пойдите туда, не знаю куда» и т.д.? Я подарю вам волшебных два слова, которые действуют на заказчика успокаивающе и умиротворяюще. Эти слова… барабанная дробь – «проектная дисциплина». Произносите их ему время от времени, когда ему захочется внести тупые правки в ваш проект не по делу, а так, от внутренних сомнений, или из-за того, что сотрудник что то буркнул негативное, или из-за того, что на улице дождь и слякоть. Скажите ему торжественно и со значением: «Давайте не будем нарушать проектную дисциплину, последовательность и характер работ описаны в нашем договоре, а отклонение от него ставит под угрозу конечный результат». Круто? Но для того, чтобы эти слова приобрели вес и подействовали, вы сами должны железно придерживаться написанного в договоре, о чём я уже говорил в предыдущем абзаце. То есть понятие «проектная дисциплина», должно стать волшебным не только для заказчика, но и для вас. Для вас, возможно, в первую очередь.

И последний совет, который могу дать — это с первого дня начать аккуратно воспитывать своего заказчика. Хорошим результатом будет, если из вашего общения и обсуждений вы исключите такие оценочные эпитеты, как «красиво — некрасиво», «нравится — не нравится», и начнёте работать с такими понятиями как:

подходит
не совсем подходит
совсем не подходит

Важно донести до заказчика мысль, что ваша сверхзадача не создать нечто совершенное, «чего не бывает», ваша задача наиболее точно перевести на визуальный язык содержание, которое он собирается донести до своего покупателя. Дизайнер не творец красивого, дизайнер — коммуникатор. В подтверждение этого приведу слова великого американского коммерческого графика Пола Ренда:

«Дизайнер — стратегический партнёр бизнеса, а не поставщик картинок. Задача маркетинга — предоставить информацию, задача дизайнера — её интерпретировать».

А у меня на сегодня всё. Делайте дизайн и не страдайте перфекционизмом!

А, нет, ещё не всё… Я часто встречаю людей, которые занимаясь графическим дизайном годами, мучаются сомнениями, есть ли у них к этому настоящие способности. Некоторые только присматриваются к профессии и тоже сомневаются по этому же поводу. У меня есть специальный тест на выявление дизайнерских способностей. Точность его достаточно высока. Так или иначе, но его результат для меня достаточен, чтобы разглядеть в человеке дизайнера, ну, либо, не разглядеть ничего…
Оставляйте свой e-mail в подписной форме внизу, на него я вышлю вам тестовую таблицу. Когда будете писать адрес в регистрационном окне, дважды проверьте все буквы, чтобы моё письмо не улетело в пустоту. Туда же, на ваш почтовый ящик, будет приходить от меня автоматическая рассылка. От рассылки вы можете в любой момент отписаться, если контент покажется вам не интересным. А пока заполняйте форму, ловите тестовую таблицу и инструкции к ней. Удачи!

Мои видео лекции на Youtube>>> Перейти в YouTube

ПОЛИТИКА В ОТНОШЕНИИ ОБРАБОТКИ ПЕРСОНАЛЬНЫХ ДАННЫХ ОЗНАКОМИТЬСЯ

ОТ ПРОСТОГО К СЛОЖНОМУ И В ОБРАТНОМ НАПРАВЛЕНИИ. Эволюция айдентики

Добавить комментарий

Визуальная коммуникация зародилась за долго до возникновения письменности и так же стара, как пещера Ласко (14 тысяч лет до н. э.). Основа визуальной коммуникации — знак. Его история древняя и покрытая мхом. Не буду пересказывать легенды про шумерских скотоводов, которые клеймили своих коров индивидуальными клеймами уже в IV тысячелетии до н. э. – это слишком удалено от нас. Но то, что уже в XVI веке в Европе начали возникать правительственные учреждения, которые регистрировать и защищали знаки, используемые различными ремесленными гильдиями – это уже ближе к волнующей нас теме.

С одной стороны, в контексте коммерческих отношений доиндустриальный эпохи, уникальный знак помогал клиентам отличить изделия одного производителя от другого на все более обезличивающихся рынках, с другой стороны, торговая марка продолжала играть роль украшения, нанесённая на изделие, она повышала его эстетическую ценность.

Позже, во время Промышленной революции XVIII—XIX веков торговая марка из простого идентификатора и украшения стала превращаться в носитель ценностей, в первую очередь корпоративных, становясь объектом маркетинговой коммуникации.

Мои лекции по дизайну на Youtube>>> Перейти в YouTube

Во второй половине XIX века торговая марка становится цветной, в первую очередь вследствие появления новых технологий печати, сначала литографии, затем, в конце века — офсета. Красный треугольник английской пивоваренной компании Bass Ale считается первым коммерческим логотипом. Он был зарегистрирован в 1870-х годах и даже был запечатлён Эдуардом Мане в 1882 году на одном из самых его известных полотен «Бар в Фоли-Бержер».

Ко второй половине 20-го века абсолютно понятная, утилитарная концепция торговой марки, как идентификатора производителя товара, эволюционирует в более сложную концепцию фирменного стиля, с новыми функциями «добавленной ценности» и «позиционирования».

Подробные руководства по фирменному стилю стали массово появляться в 70-е, это была эпоха, когда внедрение нового логотипа было связано с такими логистическими проблемами, как перекраска тысяч грузовиков или самолетов или замена тысяч вывесок по всему миру. Своеобразный рекорд установила компания Kickstarter, которая заказала руководство по фирменному стилю объёмом 244 страницы, это было в 1977 году.

Massimo Vignelli Брендбук Нью-йорксого метро, 70-е

Эпоха 70-хх породила громадное количество корпоративных стилей, ставших абсолютной классикой айдентики и целый пантеон культовых дизайнеров. Это и Саул Басс, больше известный, как создатель классических постеров и заставок к кинофильмам великих американских режисёров. Он разработал, ставшие классическими, логотипы для Bell Telephone, Girl Scouts, Minolta и United Airlines. Chermayeff & Geismar, американские дизайнеры с русскими корнями, разработали айдентику для Mobil, NBC, PBS, Chase, и многие другие.

Возможно, самая знаменитая фигура золотого века корпоративного дизайна — Пол Рэнд. Он создал логотипы для таких компаний, как IBM , UPS , Вестингауз и Йель.

Ласло Мохой-Надь, крупнейшая фигура модернизма первой половины XX века, создатель школы дизайна в Чикаго, высказался о Ренде: «Он идеалист и реалист, использующий язык поэта и делового человека одновременно. Он способен анализировать проблемы с точки зрения необходимости и функции, но, при этом, его фантазия безгранична».

Пол Ренд

Сам Ренд, в своей культовой книге 70-хх, «Дизайн: форма и хаос» писал: » Главная обязанность логотипа – идентифицировать, а это предполагает простоту. Дизайн, который сложен, дизайн перегруженный деталями и невразумительный, таит в себе механизм собственного разрушения».

Ренд, в частности, был известен и ещё и тем, что выдавал заказчику одно единственное решение, как врач, который представляет больному один диагноз, а не несколько на выбор. Рэнд также поставил рекорд цены за дизайн в 80-х. Стив Джобс заплатил ему 100 000 долларов, за разработку логотипа персонального компьютера NEXT.

Саул Басс, знаки 70-хх.

До сих пор, многие из классических логотипов 70-хх кажутся идеальными. 70-е, в значительной степени сформировали так называемое знаковое мышление: Не было никаких нюансов, никаких тонких линий, в айдентике это была «эпоха пятна». Среда обитания знака была в основном офсетная черно-белая печать, такая как в телефонной книге, или в газетном объявлении.

Пару десятилетий спустя, с наступлением цифровой эпохи, когда компьютер позволил дизайнерам легко добавлять к логотипам тени, блики, градиенты и совершать другие вольности, произошёл переход от ориентированного на офсетную печать языка знака к экраноориентированному языку.

Таков, например, классический Рендовский логотип UPS, с появившемся после рестайлинга 3D-блеском. Уверенность того, что логотип по большей части живет в цифровом мире, подвигла Стива Джобса совершить в 2001 году редизайн своего «яблока» так же в направлении имитации объёмности.

Цифровая культура 2000-хх, как расширила возможности , так и усилила проблемы, в ситуации создания четкости и линейности корпоративной идентичности. Параллельно с трендом на «трюкачество и спец. эффекты» в дизайне знака, начал просматриваться противоположный подход. Рост изощрённости маркетинговых технологий, привел к пониманию того, что потребителя легче обучить распознаванию максимально простого знака, нежели сложного и многословного. 2000-е — это время глобальных рестайлингов, несколько транснациональных корпораций произвели серьёзные изменения в своей айдентике. Общий просматриваемый тренд этих редизайнов — последовательный минимализм — избавление от формальных излишеств. Цифровые технологии внесли ещё кое что новое в ситуацию с корпоративной идентичностью в 2000-х: это — реакция толпы. Дизайнерам 70-хх не могло прийти в голову, что Интернет способен превратить рестайлинг логотипа крупной корпорации во что-то феерическое, близкое к событию поп-культуры.

Наше время — это время гигантских цифровых коммуникационных компаний типа Facebook или Instagram , они задают прогрессу ускорение и формируют тренды, в том числе и в айдентике. Эти интерфейс-ориентированные компании, в значительной степени сосредоточены на пользовательских функциях мобильных приложений, которые определяют способ взаимодействия человека с компьютером в глобальной Сети. Знак такой компании — это иконка — максимально простой, запоминающийся, выдерживающий любое масштабирование графический элемент. Актуальный знак цифровой эпохи — не просто потенциально ценный элемент бренда, это — важнейший элемент пользовательского функционала. Актуальный знак XXI века — это иконка которую пользователь должен «кликнуть».

https://youtu.be/kccjEqOZ1Wk

ПОЛЬСКАЯ ШКОЛА ПЛАКАТА

Добавить комментарий

Cердца наших дизайнеров-графиков, особенно старшего поколения, всегда наполняются самыми теплыми чувствами, когда произносятся эти слова – «польская школа плаката». Прежде всего – благодарностью за то благотворное влияние, которое оказал на их творческое становление польский плакат, бывший для них и школой современной образности и источником вдохновения. В советские времена Польша как страна социалистического лагеря была намного доступнее Запада. Журнал «Польша» вообще служил для них окном в Европу, а кроме того в каждом номере имелась вкладка с польским плакатом. В обязательном порядке они украшали мастерские наших художников, которые знали и чтили такие имена мэтров польского плаката как Хенрик Томашевский, Ян Леница, Вальдемар Свежий, Виктор Гурка, Франтишек Старовейский, Роман Цеслевич и другие.

Кроме идеологического бремени нас с Польшей сближал нищий ассортимент наборных шрифтов, бедная полиграфия, приверженность к литературности… Но в польском плакате всё это было преодолено невероятной художнической страстью и жаждой свободы. Бедную полиграфическую базу, которая не давала возможности полноценно развиваться типографике, победила экспрессивная творческая каллиграфия, рукописные и рисованные шрифты. Фотографию заменила живописная и графическая иллюстрация. Польские плакаты стали оперировать языком авангардного изобразительного искусства, обретали авторскую, личностную уникальность. Они образовывали узнаваемую, целостную систему, но в то же время несли на себе черты индивидуальности каждого мастера. Наши художники жадно впитывали этот опыт, тянулись за ним.

Но и для остального мира польская школа плаката оказалась влиятельным, значимым явлением. Почему? Что польская школа дала мировому дизайну? Чем она оказалась ему интересной полвека назад? Чему она учит сегодня?

Музей плаката в Вилянуве, пригород Варшавы

Хотя «золотой век» польской школы плаката, пик ее популярности пришелся на 50-70-е годы, она продолжает развиваться, оставаясь достаточно актуальной и по сей день. В знаменитой книге Стивена Хеллера и Сеймура Хваста «Графические стили» приведена схема развития стилевых процессов, расположенная на оси времени. «Польский стиль» имеет на этой схеме свое начало в 50-х годах. Конца, в отличие от других стилей, у него нет – диаграмма «польского стиля» уходит за край формата, в современность, в ХХI век.

В истории мирового графического дизайна не так уж много страниц, имеющих национальность. В ХХ веке дизайн формировался в русле профессиональной модели, не отвлекающейся на национальные особенности. Функция, конструкция, технология – у всех в «пятом пункте» был прочерк. Чтобы национальная школа могла преодолеть универсалистские нормы, она должна обладать не только концептуальнной целостностью и зрелостью, но и харизматичностью, пассионарностью, творческой энергией, расширяющей границы профессии, двигающей ее вперед и делающей эту школу примером для других.

На схеме Хеллера-Хваста время появления польской школы обозначено как время господства «позднего модернизма». Польская школа, разумеется, тоже принадлежала модернистско

му дизайну. Подобно тому, как предметный дизайн того времени стремился обнажать конструкцию и промышленную технологию, польский плакат демонстрировал художественную технологию, графические приемы, техники и материалы: пастель, карандаш, акварель, аппликацию, коллаж. Изобразительность в польском плакате стремилась к дизайнерской знаковости, лапидарности, простоте, обобщенности формы. Чистая форма, абстракция на зыбкой грани с изобразительностью. В фигуративной знаковости польская школа открывала ресурсы метафорического знакообразования, совмещающего в одном изображении несколько смыслов.

Но, с другой стороны, знаковость тяготела к прямо противоположному – к сложности пластики и цвета, разнообразию фактуры. Благодаря польскому плакату дизайнерский мир увидел, что однозначность информационного послания и знаковость графической формы, которые так ценились в то время, могут сочетаться с авторским художественным артистизмом, с тонкой эмоциональной нюансировкой, богатством пластической трактовки образов. В польской школе плаката универсальность соединилась с уникальностью, рациональность с чувственностью, графичность с живописностью, простота со сложностью…

Польский плакат вносил в модернистское мироощущение и другие черты, которые потом стали характерны для постмодернистской парадигмы. Например, повышенный эмоциональный фон. Иногда – вспышки экспрессии, всполохи страсти, иногда – тонкая лиричность и камерность. Эмоциональность польских плакатов порой перехлестывает в область шоковой выразительности. Часто их темой становится откровенная эротика, порой на грани фола, но спасением от пошлости выступает остроумие дизайнерских решений. Нередко в плакатах бьет через край чёрный юмор, такое сочетание и взаимоперетекание живых и мертвых, что гоголевский Вий отдыхает. При этом темы обнаженной чувственности и инфернальной жути могут соединяться между собой самым премилым образом.

Мистицизм, напряженная страстность в отношении к радости жизни и к ужасу смерти, ирония, артистизм, неслиянная множественность и нераздельное единство авторских художнических манер – всё это внесло в упорядоченный мир модернистского дизайна яркие, неповторимые цвета, фактуры, линии и образы.

Впервые формулу «польская школа плаката» употребил Ян Леница в 1960 году, назвав так свою статью в международном журнале «Грэфис». Оглядываясь вслед за ним на только что прошедшее десятилетие, весь дизайнерский мир увидел, что произведения польских художников действительно складываются воедино, в одно целое. А на первой Международной биеннале плаката в Варшаве в 1966 году, на сопровождавшем ее международном научном симпозиуме, посвященном образу и роли плаката в урбанистической среде, влияние польской школы на мировой графический дизайн получило окончательное признание.

Международная биеннале плаката в Варшаве, безусловно, способствовала и продолжает способствовать этому влиянию. Польские плакатисты принимают активное участие и в других международных профессиональных турнирах. В том числе и в Московской международной биеннале графического дизайна «Золотаяпчела». Остроумный, изобретательный Тадеуш Пехура дважды становился лауреатом «Золотой пчелы» – в 1996 и в 2000 году. А в 2006 году на «Золотой пчеле 7» среди победителей биеннале оказалось сразу три польских мастера: Богна Отто-Вергжин, Марта Топоровска и Лешек Жебровски. Это свидетельствует о том, что польские плакатисты остаются авторитетными мастерами на международной дизайнерской арене и в начале нового века.

Я думаю, можно согласиться с оригинальным исследователем национальных образов мира Георгием Гачевым, который считает, что символическая сущность Польши – в споре стихий воды и огня, романтизма и позитивизма. Приоритеты в этом диалоге отражены в национальном флаге, в котором белый цвет расположен над красным, романтизм над позитивизмом. Это имеет прямое отношение и к польскому плакату.

Для понимания исторических перспектив польской школы мне кажется важным еще одно его наблюдение. Он писал, что в польском восприятии мира время важнее пространства, а из модальностей времени актуальнее всего время настоящее. Но именно такова ориентация всего нашего времени: «здесь и сейчас».

Сергей Серов. ПЕРВАЯ ПУБЛИКАЦИЯ – INTERNI 2012 июнь

ВОЛШЕБНИКИ СТРАНЫ «OZ». КИСЛОТНАЯ РЕВОЛЮЦИЯ 60-х.

Добавить комментарий

Я собираю различные истории жизни и смерти журналов оставивших след в графическом дизайне. Обычно жизнь журнала короткая, как жизнь морской свинки, 5-7 лет и всё… Конечно, встречаются «черепахи», типа, Esquire, или Harper’s Bazaar, но их долголетие — это исключение, подтверждающее правило, что журнал долго не живёт. И чем ярче эта жизнь, тем она обычно короче. Например — из 6 журналов, в запуске которых я лично участвовал, на сегодня худо-бедно продолжает выходить один.

А, вот вам чудная история из моей коллекции:

Журнал контр культуры OZ увидел свет в Австралии, в Сиднее в 1963 году, но спустя 4 года в 1967 году в Лондоне появилась его британская версия, которая и принесла и ему и его создателям настоящую славу. Впоследствии, то, что происходило в молодёжной культуре 60-хх., получило название «Кислотная революция» и журнал OZ во всей этой полукриминальной истории безо всякого сомнения сыграл одну из первых скрипок. Создателями журнала были Ричард Невилл – писатель футурист и дизайнер Мартин Шарп, который стал автором большинства обложек и постеров OZ.

НАЧАЛО НЕПРИЯТНОСТЕЙ

Неприятности начались ещё в Австралии, когда юные издатели отпечатали первый чёрно-красный «OZ» тиражом 6 000 экземпляров, любопытно, что весь тираж разошёлся за несколько дней, что стало сенсацией. OZ, впервые в истории австралийских сми, заговорил на конфликтные темы: цензуры, гомосексуализма, жестокости полиции и войны во Вьетнаме, в которой Австралия тоже каким-то боком участвовала. Постоянными рубриками журнала стали – гид по наркотикам и рисованное порно с участием героев детских комиксов… Но последней каплей было чёрно-белое фото на обложке, на котором трое молодых людей мочились в фонтан, который несколькими днями ранее был торжественно открыт президентом Австралии в центре Канберры.

В 1964-м, через год после выхода первого номера, издание обвинили в непристойности. Суд признал Невилла и Шарпа виновными, приговорив к 6 месяцам заключения и к каторжным работам (Австралия, она такая!). Парням, однако, не пришлось греметь кандалами в каменоломне, так как суд освободил их под залог. Единственной неприятностью было то, что шок от обвинений привел глубоко религиозного отца Мартина к сердечному приступу.

ПЕРЕЕЗД В ЛОНДОН

В начале 1966 года Невилл, Шарп и вся австралийская редакция собрали чемоданы и свалили в Лондон, а в начале 1967 года вместе с другим австралийцем Джимом Андерсоном основали «London Oz». Благодаря доступу к новым технологиям печати, в первую очередь – полноцветному офсету, и только что изобретённым флуоресцентным краскам, дизайнерские навыки Шарпа вышли на передний план, и «OZ» быстро завоевал известность как одно из самых визуально захватывающих событий в пространстве британского графического дизайна.

«До переезда в Лондон мы были черно-белым журналом с красными полосками. А стали флуоресцентными», — рассказывал Ричард Невилл в интервью The Australian в 2006 году.

Ричард Невилл и сотоварищи, Лондон 70-е

С этого момента практически каждый «OZ» включал в себя приложения в виде ослепительного психоделического плаката авторства Шарпа. Эти плакаты мгновенно стали востребованными объектами коллекционирования, они и до сих пор на рынке антикварных принтов имеют высокую цену. Одновременно с работой над журналом, Шарп трудился над дизайном обложек винила, он создал, ставший культовым, конверт альбома группы Cream «Wheels Of Fire».

Cream / Wheels Of Fire/ 1968

ШКОЛЬНИКИ, ПОСЛЕДНИЙ ЗАЛЁТ

Обложка скандального школьного номера Журнал OZ

В 1970 году произошёл очередной скандал перед которым померкли судебные тяжбы родственного им по духу и борьбе французского Hara Kiri. Среагировав на критику, что «OZ» потерял связь с молодежью, Ричард Невилл разместил в журнале заметку, в которой предложил школьникам стать редакторами нового номера «OZ». Этой возможностью воспользовались более двух десятков учащихся 5-6 классов Лондонских школ. Так в мае 1970 года появился «OZ» № 28, ставший скандально известным как «Школьный OZ».

Появление в журнале, которое ханжеская Британия считала порнографическим подростков, взорвало соединённое королевство и в офис издательства пришли с обыском, обыски подготовили почву для суда над журналом. Следствие использовало архаичную, ещё викторианскую статью обвинения — «заговор с целью развращения общественной морали». Она могла грозить пожизненным заключением.

Длинноволосая общественность Англии и Америки поднялась на защиту журнала. Атака властей на «OZ» воспринималась как атака на все декларируемые свободы западной цивилизации. Джон Леннон и Йоко Оно присоединились к маршу протеста против обвинения и организовали запись песни, чтобы собрать средства и добиться максимальной огласки. Леннон изменил название ранее записанной песни «Боже, храни нас» на «Боже, храни OZ», с таким названием она вошла в альбом Imagine.

С огромными денежными потерями Ричарду Невиллу и Мартину Шарпу удалось избежать заключения, но журнал спасти они не смогли. Тираж «Школьный OZ» № 28 был уничтожен. Спустя какое то время закрылась Австралийская редакция, а затем, в ноябре 1973-го и Лондонская.

Одновременно со смертью проекта «OZ», стала скукоживаться и к середине 70-хх окончательно потеряло массовость движение хиппи. «Дети цветов» перестали есть ЛСД, подстригли волосы и пошли в бизнес. На смену «кислоте» в графическом дизайне пришла карнавальная «новая волна», однако брызги «кислотной революции» долетели до наших практически границ, оставив следы в польском плакате, и, самое удивительное – в советской мультипликации. Найдите и посмотрите на YouTube «Шкатулку с секретом», Союзмультфильм, 1976 год, будете немало удивлены.

Оригиналы журнала «OZ» в настоящее время очень редки, отдельные наиболее скандальные номера стоят несколько сотен фунтов каждый. Большая удача, что мне удалось в недрах Интернета найти качественные сканы обложек «OZ», делюсь ими с вами.

А на сегодня всё. Делайте дизайн, изучайте его историю.