Архив метки: онлайн школа дизайна

Соломенный самолёт

Добавить комментарий

Начинать проект с исследования для многих сегодня — «гигиенический минимум» и дань профессиональному этикету. Однако в этом всё чаще проявляются черты карго-культа: N.В. Карго-культ — механическое копирование формы (обрядов, действий) без понимания содержания, в расчёте на чудо. Создание мудбордов и майндмэпов превращается в формальный ритуал — когда абориген копирует действия «белого джентльмена», не понимая их смысла (заранее извиняюсь, никого не хотел обидеть сравнением). Почему, тем не менее это сравнение уместно? Дизайнер порой имитирует атрибутику процесса, подменяя суть культом — только потому, что «так принято». В итоге им строится «соломенный самолёт», и как бы он ни был прекрасен с его точки зрения — он увы никогда не полетит. Что можно посоветовать? Вы должны перестать строить «соломенные самолёты» и начать выращивать форму из сути. Дизайн должен стать неизбежным следствием той аналитической работы, что была проделана «в темноте» до того, как открыт графический редактор.

Переход в проектной процедуре от вербального уровня к визуальному — это процесс, требующий серьёзных когнитивных усилий. Это сложнейшая интеллектуальная задача, которая требует от дизайнера суммы профессиональных навыков, формируемых годами практики. Мудбординг и майндмэппинг — незаменимые инструменты, но они не должны быть способом легитимизации ваших спонтанных решений. Проектная работа — это всегда стресс, дедлайны и противоречивые вводные. И тем не менее, прежде чем начать что-то отрисовывать в редакторе, важно выждать момент, когда массив собранной и проанализированной вами информации сам начнет выталкивать вас на визуальное решение. И если в процессе работы вы чувствуете, что форма «сопротивляется» — значит, вы пытаетесь навязать ей чуждую природу. Роль дизайнера — вычленить сущность из контекста. Именно эта вычлененная сущность превратит нагромождение цветных пикселей в работающую коммуникацию, и тогда ваш самолёт, с большой вероятностью полетит. Аминь

⚡️Школа Айдентика: https://school.romashin-design.com ✅ Группа вТелеграм: https://t.me/+eGC5bJnb27M0YzNi

Кандинский: гений, мистик, отец дизайна

Добавить комментарий

Почему мы до сих пор спорим о Кандинском? Гений, мистификация или отец современного дизайна? Дизайну всего около сотни лет — по меркам архитектуры или музыки это миг. Но за этот век сформировался язык, на котором говорит вся визуальная культура. И один из главных его архитекторов — Василий Кандинский. Тот самый, которого называют «первым абстракционистом». Но действительно ли он написал свою знаменитую акварель в 1910-м? И почему его педагогическое наследие важнее, чем живопись? В этом видео я разбираю: — Как русский абстракционист попал в легендарный «Баухаус» и чему он там учил. — Что такое «внутренняя необходимость» и при чем здесь желтый треугольник с синим кругом. — Почему коллеги Кандинского Клее, Альберс, Шлеммер считали его теорию ложной. — Что доказали эксперименты нейропсихологов в 2002 и 2013 годах. — Как методика Кандинского стала ДНК современной пропедевтики, типографики и колористики в графическом дизайне. Смотри видео: https://youtu.be/68ivpnr0p94

Почему 99% дизайнеров никогда не станут звёздами и как выжить на рынке

Добавить комментарий

Среди начинающих дизайнеров, с которыми я часто общаюсь в рамках учебного процесса, распространено заблуждение, что успех дизайна определяется талантом интуитивно угадывать правильное решения. Если дизайнер угадал, то и успех гарантирован. Такая вот игра в «угадайку». Думаю, что Молодёжь, сильно сбивает с толку феномен «звёзд, которые тупо найдя свой авторский стиль, делают дизайн, который тем не менее становится коммерчески успешным.

По большому счёту, звёздный дизайнер и продаёт заказчику свой авторский стиль.  Он становится чем-то на подобии рок звезды и живёт совсем по другим правилам, нежели «простые труженики», находящиеся в каждодневном проектном потоке. В дизайне «звезды» ценность в первую очередь генерирует сила его личного бренда и его харизма.

Но давайте смотреть правде в глаза: 99% рынка — это простые дизайнеры, не срывающие звёзд с неба, не отрастившие харизму до пола, которые вынужденны создавать ценность делая ставку на что-то другое. Можно пытаться копировать чужой стиль, так большинство и делает. Но тиражирование чужого стиля (даже успешного) — это путь к деградации профессиональных навыков, так как коммуникативная задача всегда уникальна. Какую же стратегию выбрать, если вы только в начале пути? Какие взять ориентиры? Будем разбираться.

Если свести весь скиллсет коммуникационного дизайнера к одному качеству — это будет профессиональная рефлексия. Мы говорим не о самокопании, и не потребности поговорить с самим собой после того, как вас послали, мы говорим о способности к системному перевоплощению. Это умение деконструировать собственное восприятие моделируя когнитивные паттерны целевой аудитории. Проще говоря: увидеть ваш будущий дизайн из головы бабушки в стоптанных туфлях или из головы топ-менеджера на «Лексусе». Именно такая рефлексия позволяет дизайнеру совершить обоснованный, а не случайный выбор визуального языка.

Профессиональная рефлексия сродни сценическому перевоплощению: актёр не изображает эмоцию, он проживает ситуацию. Дизайнер здесь — тот же актёр. Вы должны мысленно «влезть» в психологическую шкуру пользователя, стать им, нащупать его триггеры чтобы угадать, какие именно ассоциативные связи запускают его позитивную реакцию.

Чем отличается рефлексивный подход в дизайне от интуитивного «угадывания»? Рефлексивный дизайн может за доли секунды дать потребителю внятный ответ: для кого это и зачем. Ваш макет не должен кричать «я — велосипед, или я кухонный комбайн, купи меня!». Он обязан отвечать на вопрос, какую неудовлетворённую потребность пользователя он может удовлетворить. Если у дизайнера нет этих ответов, дизайн коммуникация повисает в пустоте.

Значит ли это, что интуиция бесполезна? Отнюдь нет. Но ценна лишь та интуиция, которая выросла из вашей рефлексии. Если вы систематически задаёте себе вопросы «для кого», «зачем» и «как», со временем это превращается в профессиональный скилл. Ваша интуиция становится не «внутренним голосом художника», а инструментом точной настройки на потребителя.

Если научиться такой рефлексии, то со временем отпадает необходимость в бесконечных исследованиях целевой аудитории и фокус-группах. Профессиональная интуиция подскажет, что, скорее всего, сработает. И, что более важное, она моментально вычислит, что точно не сработает. Этот «опыт отрицания» в будущем — ваш главный инструмент валидации. Он помогает безжалостно отсекать контрпродуктивные идеи и фокусироваться на перспективных решениях. Это экономит время. А время в нашей профессии — деньги, извиняюсь за избитый эвфемизм.

Так, где же рождается ценность в дизайне?
Секрет — в проектном мышлении и дисциплине принятия решений. Моя рекомендация — перестать мыслить «картинкой». Дизайн — это в первую очередь визуальный текст, который потребитель читает, пытаясь понять суть. Ваша задача — научиться работать как психолог: понимать, как дизайн-сообщение попадает в фокус его внимания и какие ассоциации активирует.

Для этого необходимо начать мыслить проектно: формулировать задачи, а не перебирать референсы. Следовать дорожной карте: сначала исследуем, размышляем, формулируем идею в довизуальном виде — и только потом начинаем что-то рисовать.

Кто-то из «звёздных» дизайнеров сказал: разница между хорошим дизайнером и плохим лишь в том, как часто каждый из них «включает мозг», и добавил — плохой порой даже не знает, где находится кнопка Вкл. Грубо? Возможно. Но убийственно точно

Всё, о чём я сейчас рассказал — это теория. А практика — в другом месте. Приходите ко мне в трёхмесячную онлайн школу “Айдентика”. Там разберём, как эту хрень реально внедрить на практике. Переходите по ссылке пока я не передумал вас учить>>> https://school.romashin-design.com/  

Законы гештальтпсихологии в проектировании фирменного стиля.

Добавить комментарий

Глава 9. Законы гештальтпсихологии в проектировании фирменного стиля.

Термин «гештальт» не поддается однозначному переводу на русский язык. Он обладает целым рядом значений, таких как «целостный образ» или «структура». Зачем графическому дизайнеру знание гештальт-принципов? Дело в том, что навык владения графическими программами не превращает автоматически пользователя компьютера в профессионала. Дизайнер — это в первую очередь особым образом «настроенные» зрение и мозг, позволяющие видеть и чувствовать вещи, которые обычным зрителем никак не объективируются. С одной стороны, знание законов гештальта помогает правильно выстраивать визуальную коммуникацию, с другой стороны — дает понимание того, как аудитория воспринимает фирменный стиль.

Дизайнер айдентики должен мыслить форматом. Формат — это в первую очередь лист, экран монитора или гаджета, обложка буклета, визитка, борт автомобиля, придорожный рекламный щит. Композиция носителя стиля может складываться в гармоничный ансамбль, а может представлять собой хаотическое нагромождение элементов. Визуальный хаос зритель воспринимает как противоположность порядку, т.е. нечто дисгармоничное, а потому — ложное и не объективное.

Дизайнер, создавая «удобоваримую для мозга структуру» (термин гештальт психолога и искусствоведа Рудольфа Арнхейма), как бы создает подсказки-триггеры, которые помогают пользователю найти связный контекст и расшифровать его (Арнхейм, 2007). Такие структуры создаются через отношения: равновесия формы, фигуры и фона, закона экономии, выравнивания и ряда других. Остановимся на каждой из них и рассмотрим на примерах из практики.

9.1. Принцип равновесия

С точки зрения физики равновесие — это состояние тела, в котором действующие на него силы компенсируют друг друга. Данное определение применимо и к визуальному равновесию элементов фирменного стиля. Каждая имеющая границы визуальная модель обладает точкой опоры или центром тяжести.

 

В равновесной композиции знака возникает ощущение, что ни одно изменение невозможно и данная композиция нуждается во всех составляющих ее частях. Правило оптического равновесия едино как для классической, так и для модернистской проектной модели, только в классической модели равновесие логотипа достигается привязкой всех его элементов к центральной оси, а в модернистской — выравниванием их по краю.

В работе над фирменным стилем используются и другие композиционные модели, но критически важно помнить: если дизайнеру не удалось достичь равновесия элементов в композиции, изображение транслирует зрителю скрытое сообщение о нестабильности, хаотичности и внутренней слабости самого бренда.

9.2. Форма и контур логотипа

Форма — это одна из существенных характеристик объекта, улавливаемая и осознаваемая зрителем. Закон восприятия в гештальтпсихологии утверждает, что «любая визуальная модель воспринимается таким образом, что усвоенная мозгом картина будет максимально обобщенной». Сложный визуальный объект, состоящий из множества деталей, мы сначала видим и оцениваем как обобщенное пятно и только потом начинаем исследовать его детали. Проектный навык дизайнера переключать фокус внимания с деталей логотипа на его обобщённое пятно — профессиональный навык, который нуждается в постоянной тренировке.

Граница пятна называется контуром. У мозга есть особенность отдавать предпочтение визуальным объектам с плавным контуром, а не с острым или «колючим». Взгляните, как изменения контура пятна меняют эмоциональные характеристики изображения, постепенно превращаясь из нейтрального в дружественный и затем в агрессивный.

Моше Бар профессор нейробиологии, директор Центра мультидисциплинарных исследований мозга при Университете Бар-Илан, пишет:

 «Было доказано, что при взгляде на острые предметы у человека активируется амигдала — область мозга, отвечающая за страх и обнаружение угроз. Острые углы подсознательно ассоциируются с опасностью (шипы, клыки, битое стекло)» (Бар, 2009).

Но это не означает, что дизайнер, в работе над логотипом, должен сглаживать любую острую форму. Дело в том, что заостренные объекты сильнее активизируют области мозга, связанные с ассоциативной обработкой информации. «Заостренные объекты вызывают повышенную активность в миндалевидном теле — центре обработки угроз, что заставляет ассоциативную кору работать интенсивнее» (Бар, 2009).

Каким должен быть контур логотипа — мягким или колючим — это решение дизайнер принимает исходя из проектной задачи. Мягкий контур более дружественный, колючий — более агрессивный.

9.3. Контрформа в логотипе

Отношение «фигура-фон» — базовый гештальт-принцип. Он гласит, что наша система восприятия разделяет изображение на элементы фигуры и элементы фона. Элементы фигуры — это объекты внимания, а элементы фона — это неразличимые элементы заднего плана. Известная иллюзия «ваза Рубина» демонстрирует принцип, что при нестабильном соотношении «фигура-фон» их взаимосвязь неоднозначна: то мы видим вазу, то — два профиля.

 

 

Поучительным кейсом из отечественной практики является логотип банка «Инком» — одного из крупнейших финансовых институтов начала 90-х. Профессиональный анализ этого логотипа выявляет серьезную ошибку в проектировании контрформы, вызы

вающую у зрителя подсознательный дискомфорт. При детальном сканировании внутреннего пространства знака отчетливо проявляется паразитный образ — силуэт, напоминающий лошадиное копыто, подвешенное на крюк. Причина профессиональной неудачи данного логотипа кроется в не проектируемой контрформе.

 

Контрформа в знаке может быть активной и пассивной. Опытные дизайнеры часто используют ее как сильный визуальный эффект. Пример — логотип Питсбургского зоопарка и как мастерски дизайнер обыграл контрформу. Сначала мы видим дерево, и только потом замечаем профиль обезьяны и льва.

9.4. Закон экономии (минимакс)

Акт восприятия предполагает решение мозгом задачи по созданию организованного целого из разрозненных визуальных элементов. На подсознательном уровне человеческое зрение всегда стремится к максимально лаконичной форме. В проектировании логотипа проблема экономии сводится к профессиональному навыку редукции — способности представить сложную, дробную форму в виде комбинации геометрических примитивов. Поскольку распознавание простых структур требует минимальных временных и когнитивных затрат, зритель подсознательно отдает им предпочтение.

Этот принцип обосновал Рудольф Арнхейм, отмечая, что стремление к простоте продиктовано самой природой нашего разума:

«Простота — это не только отсутствие излишеств, но и структурное свойство, позволяющее передать максимум информации при минимуме затраченных усилий. Простая форма является результатом наиболее эффективной организации сил» (Арнхейм, 2007, с. 112).

Сравнительный анализ двух графических знаков с образом лисицы наглядно иллюстрирует этот закон. Стоковый современный знак, ориентирован на декоративность, избыточен и дробен. В противовес ему, немецкий товарный знак 1970-х годов представляет собой эталон лаконизма. В нем достигнута предельная концентрация смысла при минимализме графических средств.

Лаконизм в айдентике — это не столько аскетизм, сколько точно найденная пропорция «форма-содержание», где графики ровно столько, чтобы донести основной месседж.

Логотип Families, созданный Гербом Любалиным в 1980 году для одноименного журнала, является эталоном лаконизма и концептуального минимализма. В этом знаке Любалин, превратил саму структуру слова в визуальное сообщение. Мастерство дизайнера проявляется в тонкой манипуляции буквами внутри логотипа: изменив высоты и масштаб строчных букв «i», «l» и «i», он создал мгновенно распознаваемый образ семьи.

Моя школа Айдентика: https://school.romashin-design.com

✅ Присоединяйтесь к нашему Телеграмм каналу https://t.me/+eGC5bJnb27M0YzNi

Пиктограмма это логотип или типографика?

Добавить комментарий

Один из подписчиков моего Tелеграма задал вопрос — «Пиктограмма это логотип или типографика?»

Отвечаю: пиктограмма — это с точки зрения семиологии — визуальный знак.
Визуальные знаки могут быть 3-х уровней сложности. Первый — буквальный уровень сообщения — самый простой.
Буквальный знак — это знак, который основан на подобии объекта действительности. В знаках такого уровня отсутствует кодировка, поскольку сохраняются отношения максимального подобия. Это в нашем случае иллюстрация.
Второй — конотативный уровень сообщения —это более сложный уровень. При помощи его, мы имеем возможность прочитать любое изображение не только буквально, но и вложить в него дополнительный смысл. Так работает пиктограмма, она может не изображать объект фотографически, но однозначно на него указывает.
Третий — символический уровень сообщения — самый сложный. Превращение изображения в символ, возможно при достижении изображением определённого уровня смысловой глубины. Символ превращается в знак каких-либо понятий, или идей. В нашем случае это логотип. Логотип начинает обладать эмоциональной заряженностью и способностью «продавать» когда появляется минимум 2 семантических (смысловых) уровня, которые пользователь способен прочитать и интерпретировать.
Кстати, ссылка на мой телеграмканал:  https://t.me/+eGC5bJnb27M0YzNi

Глава 8. Цветовое кодирование в айдентике

Добавить комментарий

Закончил писать учебное пособие для профильных вузов по дисциплине «Проектироване фирменного стиля». Пособие готовится к печати, а пока буду публиковать отдельные главы в своём блоге.

Глава 8. Цветовое кодирование в айдентике

«Если вы, не зная законов цвета, способны создавать шедевры, то ваш путь заключается в этом незнании. Но если вы не способны создавать шедевры, не зная этих законов, то вам следует позаботиться о получении знаний» (Иттен, 2011, с. 7). Йоханнес Иттен, «Искусство цвета» М.: Изд. Дмитрий Аронов, 2011

Цвет является одним из наиболее мощных инструментов коммуникации в бренд-дизайне. В иерархии когнитивных сигналов он занимает приоритетное место, так как считывается и распознается человеческим глазом значительно быстрее, чем форма или вербальное сообщение. Процесс выбора цветовой палитры для бренда — это не вопрос субъективного вкуса, а сложная проектная задача, требующая баланса между интуитивным поиском и строгим аналитическим расчетом.

1. Роль цвета в фирменном стиле

В классической методике проектирования логотипа работа над формой традиционно предшествует работе с цветом. На этапе эскизирования дизайнер оперирует линией и пятном, фокусируясь на пластическом воплощении. Цель вводится в проект на финальном этапе работы над логотипом. В айдентике цвет — это не просто «заливка» готовой формы, а самодостаточный информационный код.

Для дизайнера цвет служит инструментом кодировки смыслов, которые необходимо донести до аудитории с разным уровнем визуальной подготовки. Рациональный выбор цвета обеспечивает созвучие графического образа характеристикам продукта. Случайный или ошибочный выбор палитры ведет к «зашумлению» коммуникации, создавая нежелательные ассоциации и ставя под сомнение качества бренда.

  1. 2. Семантика цвета и стереотипы восприятия

Цвет — важнейший идентификатор. Потребитель запоминает бренд прежде всего через его цветовой код (красный для Coca-Cola, зеленый для Сбербанка). В профессиональном проектировании важно учитывать сложившиеся семантические ассоциации:

  • Синий: Самый востребованный цвет в мировой айдентике. Транслирует спокойствие, лояльность и интеллектуальность. Часто используется как универсальное решение, когда в брифе отсутствуют жесткие цветовые ограничения.
  • Красный: Энергия и активность. Традиционно используется в ритейле и индустрии питания (McDonald’s, KFC) для стимуляции внимания и аппетита.
  • Зеленый: ассоциируется со свежестью, живой природой и экологичностью. При этом цвет может нести историческую преемственность, как в случае с обновленной, более яркой палитрой Сбербанка.
  • Коричневый: символизирует почву, хлеб и натуральность. Широк в применении для продуктов питания, за исключением категории охлажденных товаров (где доминируют холодные синие оттенки).
  • Розовый: Код юности, игры и легкомыслия. Оптимален для коммуникаций, направленных на детскую и подростковую аудиторию.
  • Серый и Черный: Серый транслирует надежность, консерватизм и связь с благородными металлами. Черный — цвет официальности, элегантности и премиальности, широко используемый в индустрии моды и косметики.

8.3. Формирование цветовых гармоний: Круг Иттена

Современная айдентика редко ограничивается одним фирменным цветом. Потребность в визуальном разнообразии диктует необходимость разработки многоцветных систем — гамм. Цветовая гамма — это ряд гармонически взаимосвязанных оттенков. Фундаментальным инструментом для построения таких связей является цветовой круг швейцарского теоретика Иоханнеса Иттена (Иттен, 2011).

В рамках учебного проектирования рекомендуется освоить три базовые схемы Иттена:

  1. Комплиментарная схема: Сочетание цветов, расположенных на противоположных сторонах круга. Обеспечивает максимальный контраст и энергию. Подходит для динамичных, «громких» брендов.
  2. Триадная схема: Использование трех цветов, равноудаленных друг от друга. Позволяет достичь высокой вариативности и живости палитры при сохранении общей гармонии.
  3. Аналогичная схема: Сочетание двух-трех соседних цветов. Создает спокойное, умиротворяющее впечатление и является одним из наиболее востребованных решений в системной айдентике.

8.4. Методики подбора фирменных цветов

Помимо логического подхода (круг Иттена), в профессиональной практике используются методы ассоциативного поиска палитры:

  • Метод словесных ассоциаций: Дизайнер формирует ассоциативную карту проекта, подбирая к ней цвета с характерными названиями (например, «Сумерки», «Океан», «Фламинго»). Это помогает придать палитре уникальный эмоциональный тон.
  • Метод «заимствования» палитры: Изучение успешных проектов на профильных ресурсах (Behance) с последующим анализом и адаптацией цветовых характеристик созвучных по теме кейсов. Это законный способ обучения на опыте экспертного сообщества.
  • Метод «живописного донора»: Использование цветовых пропорций из классических художественных полотен, которые уже являются эталонами гармонии и имеют глубокий культурный отклик.

8.5.  Технические стандарты реализации

Завершающим этапом проектирования цветового кода является его технологическая стандартизация. Дизайнер обязан учитывать различия в способах воспроизведения цвета:

  • RGB: Цветовая модель для экранных (мониторных) интерфейсов. Основана на излучении света.
  • CMYK: Модель для полиграфического воспроизведения. Основана на отражении света от запечатанной поверхности
  • HEX: Шестнадцатеричный код цвета, который используется в веб-дизайне.

Моя школа Айдентика: https://school.romashin-design.com

✅ Присоединяйтесь к нашему Телеграмм каналу https://t.me/+eGC5bJnb27M0YzNi

Не прошло и семи лет…

Добавить комментарий
Когда 7 лет назад я только запускал школу, она представляла собой живые вебинары в реальном времени. То есть, каждый понедельник я приглашал учеников в вебинарную комнату, в которой читал лекцию, отвечал на вопросы. Через 1-2 школы я понял, что это дико неудобно. Ученики могли находиться где угодно, не только в Петербурге и Москве, но и на Дальнем востоке, в Прибалтике, Германии, Израиле и даже в Китае. Разница во времени могла составлять 6-8 часов, и некоторым бедолагам приходилось просыпаться ночью и садится за компьютер. Подумав, я решил все лекции записать. Это оказалось правильным решением. Это сняло напряжение у учеников, ведь лекцию стало возможно прослушать в любое удобное время и даже вернуться к ней раз и два.
У меня есть несколько обучающих программ разной направленности и глубины погружения. Видеокурс, который я в данный момент продвигаю, посвящён такому перспективному и востребованному рынком направлению в графическом дизайне как «бренд дизайн». Курс состоит из 10 лекций. В них содержится уникальная информация по истории айдентики, её типологии, брендингу, гештальтпсихологии в проектировании, основам колористики и типографики.
Этот курс предназначается как для молодых людей, ещё только присматривающихся к профессии, так и для тех, кто уже работает в области графического или продуктового дизайна и хочет расширить свои компетенции. Вы узнаете, как соединить основы дизайна с маркетингом, потребительской психологией и позиционированием бренда. Научитесь управлять креативностью и создавать точные визуальные образы, выстраивая для клиента эффективную коммуникацию с потребителями. В конце каждой лекции –задание для самостоятельной работы. Выполнение заданий – важное условие качественного усвоения учебного материала, поэтому – нужно обязательно найти время на их выполнение. Учитесь, меняйте свою жизнь и делайте дизайн!
Получить доступ к курсу можно по ссылке https://school.romashin-design.com/brending
Послушать первую тестовую лекцию курса можно на моём Boosty: https://boosty.to/…/2e2cace1-442e-4464-955c…
Залетайте!

ВИЗУАЛЬНОСТЬ, КРЕАТИВНОСТЬ И КОММУНИКАТИВНОСТЬ

Добавить комментарий

Среди молодых дизайнеров распространено убеждение, будто успех в профессии определяется талантом интуитивно «угадывать» верные решения. Такая немного наивная вера в интуицию и в чудо. Возникает резонный вопрос: а разве недостаточно, чтобы дизайн просто доносил полезную информацию и был эстетичным? Разве этого мало? Ответ — к сожалению нет, этого недостаточно!

В чём секрет по-настоящему работающего дизайна». Что я подразумеваю под словом «работающий»? Работающий, в теории маркетинга это свойство графического дизайна максимально точно доносить месседж и побуждать потребителя к целевому действию. Как проектировать по-настоящему работающий дизайн и как тестировать его на работоспособность – тема этой статьи. Итак, почему же дизайну, чтобы он работал и побуждал к действию, мало быть просто эстетичным и информативным? Почему он порой остаётся незамеченным, даже если сделан вполне профессионально?

Ответ, на самом деле, на поверхности: ваш зритель устал. Мы живём в эпоху информационного перенасыщения. Мир постоянно кричит нам: «Купи! Подпишись! Захоти того или этого!» И наш мозг, чтобы не сойти с ума, ставит фильтры. Он буквально отсеивает 95% всей информации, даже полезной! В итоге ваш, казалось бы, вполне профессиональный дизайн может просто не зарегистрироваться в сознании. Его попросту не заметят. И что же делать? Кричать громче? Бесполезно. Нужно научиться говорить на языке мозга потребителя.

Представьте, что вы — врач, а ваши пациенты страдают от «информационной глухоты». Лечить одним лекарством неэффективно. Нужно комплексное лечение. Мой рецепт преодоления «информационной глухоты» потребителя состоит из трёх элементов:

ВИЗУАЛЬНОСТЬ – КРЕАТИВНОСТЬ — КОММУНИКАТИВНОСТЬ 
Эти три параметра, конечно, не новы. Беда в том, что их почти всегда используют по отдельности. Чаще всего дизайн оценивают просто как картинку: её композицию, гамму, типографику… Это и есть, по сути, визуальность. А где же креативность с коммуникативностью? Их часто упускают из виду. Или противоположная ситуация: Дизайнер создаёт гениальную по креативности картинку. Коллеги в восторге! А потребитель… не понял, рекламируют-то что? Было весело, а коммуникация провалилась.

Или наоборот: дизайнер так боится, что его не поймут, что делает всё максимально традиционным: вот — товар, вот — цена, вот — улыбающаяся модель. И слышит в ответ: «Скучно. Хочется чего-нибудь погорячее». Коммуникативность присутствует, а креативности ноль. В результате потребитель уходит. Так какую же стратегию выбрать?
Мой опыт говорит, что Визуальность → Креативность → Коммуникативность это не три разных подхода, а единая дорожная карта, и я рекомендую не выбирать, а объединять. Это три контрольные точки, важные как при создании, так и при проверке дизайна перед запуском. И важно вот что: последовательность, в которой я расставил эти параметры — не случайна. Она повторяет естественный путь восприятия зрителя.

Давайте обратимся к механизмам работы мозга, которые нобелевский лауреат Даниэль Канеман описал как две системы мышления. Итак, как потребитель реагирует на любой визуальный сигнал, в том числе и на дизайн?

 «Я СМОТРЮ» (Система 1) — быстрая, автоматическая, эмоциональная. Зритель сканирует картинку и за доли секунды решает: «Стоит ли вообще тратить время?». Чтобы заставить его остановиться нужна сильная визуальность.

 «Я ПОНИМАЮ» (Система 2) — медленная, аналитическая. Она включается, только если зритель заинтересовался. Чтобы удержать его внимание, нужны креативность (она удивит и заставит думать) и коммуникативность (она даст команду к действию).

Именно в этой последовательности «Смотрю → Понимаю → Действую» и будет происходить взаимодействие с вашим дизайном. Давайте рассмотрим это детальнее.

ВЛАСТЬ ВИЗУАЛЬНОСТИ.

У вас есть всего три секунды, чтобы «зацепить» взгляд зрителя. Это «правило трёх секунд» сформулированное маркетингом ещё в прошлом веке.
Как захватить внимание? Снизив нагрузку на мозг зрителя. Наш мозг — жуткий эконом. Тратя уйму энергии, он обожает порядок и ненавидит хаос. Беспорядочная, перегруженная композиция для него — это сложно и энергозатратно. Он просто откажется её регистрировать и расшифровывать.

Задача дизайнера — построить внутри своего дизайна ясную, «удобоваримую» визуальную иерархию. Это как навести порядок на столе: важное — на виду, второстепенное — аккуратно сложено в стопку, лишнее — убрано. В качестве ориентира существуют универсальные гештальт-принципы восприятия. Полвека назад их блистательно описал психолог Рудольф Арнхейм. Это не скучная теория, а практический инструмент, его использование заставят мозг потребителя при контакте с дизайном сказать: «О, тут всё разложено по полочкам! Годится!».

В следующих статьях, я подробнее расскажу об этих универсальных принципах, но если вы хотите углубиться в тему, то прочтите труд Рудольфа Арнхейма «Искусство и визуальное восприятие».

Придерживаясь сформулированных Арнхеймом гештальт-принципов, вы не просто «делаете красиво», вы «делаете правильно». Вы говорите на языке мозга. Вы создаёте комфортную визуальную ситуацию, с которой мозг зрителя готов взаимодействовать. И только преодолев барьер его равнодушия, вы откроете дверь на следующий уровень — «я понимаю». И здесь в игру вступает такой параметр, как — креативность.

КРЕАТИВНОСТЬ. ИСКУССТВО СТРОИТЬ МОСТЫ

И так, вы справились с задачей захвата внимания зрителя. Благодаря сильной визуальности, ваш дизайн прошёл фильтр Системы 1. Коннект со зрителем есть. Но что дальше? Часто на этом всё и заканчивается. Почему? Потому что между «посмотрел» и «понял» — пропасть, и нужен мост.

Этим мостом служит креативность. Но не та, что ради самовыражения. Я говорю о креативности как о точном инструменте. Её задача — вызвать эффект лёгкого, приятного щелчка удивления в мозгу зрителя.

Вернёмся к популярной нейрофизиологии. Мозг наш — консерватор, он любит шаблоны. Но он же обожает новизну. Когда он в логичной, скомпонованной картинке находит лёгкую странность, остроумный намёк, неожиданную связь — включается любопытство. Он вынужден переключиться на анализ, чтобы разрешить этот маленький диссонанс. Вышеупомянутый мной Даниэль Канеман писал: «Эффект удивления — это один из самых мощных триггеров, который заставляет мозг перейти от автоматической обработки информации к контролируемой и осознанной».
Креативность — это и есть тот тумблер, который мягко переключает зрителя из состояния «смотрю» в состояние «думаю», после чего тот добровольно вступает в диалог с вашим визуальным сообщением.

КОММУНИКАТИВНОСТЬ —ПУНКТ КОНТРОЛЯ.

Визуальность остановила взгляд, креативность спровоцировала интерес. Казалось бы, успех близок? Но имеется нюанс. Можно привлечь внимание потребителя, удивить его или рассмешить, но в итоге… оставить в замешательстве: «Прикольно, оригинально, смело… а что это было?»

Если креативность — это мост от равнодушия к симпатии, то коммуникативность — точная и недвусмысленная команда действовать.

Проверка Коммуникативности — это ситуация, когда вы сами становитесь первым зрителем и строгим цензором своей работы. Вы должны задать себе несколько важных вопросов:

  • Правильно ли расшифруют сообщение? Поймут ли метафору? Нет ли в моём дизайне двусмысленности?
  • Что может «зашуметь»? Может, какой-то элемент слишком сложен и перетягивает на себя внимание? Или вы всё упростили до банальности?
  • Достаточно ли я знаю свою аудиторию? Не пытаюсь ли я разговаривать с ней на «профессиональном языке», когда она понимает только «бытовой»?

Простой тест: покажите ваш макет другу, педагогу или коллеге. Попросите его несколькими словами сформулировать, что должен понять и сделать потенциальный потребитель. Если комментарий коллеги совпал с вашим замыслом и у него не возникло дополнительных вопросов — вы на пути к успеху.

Таким образом, триада Визуальность → Креативность → Коммуникативность замыкается в идеальный цикл. Это и есть формула преодоления той самой «коммуникационной глухоты» — гарантия того, что ваше сообщение дойдёт для адресата, найдёт в нём эмоциональный отклик и побудит к действию. Сильный дизайн — это не тот, который нравится вам, или вашему заказчику. Сильный дизайн — это тот, который работает.

СКОЛЬКО Я СТОЮ?

Добавить комментарий

Для молодого дизайнера нет темы больнее, чем про деньги😃 Как правильно посчитать стоимость проекта и как эту сумму отстоять в переговорах с заказчиком. Как не согласиться работать за еду и как не потерять заказ из-за слишком высокой цены — об этом моё новое видео. Поддержите лайками, так же будет интересно услышать и об вашем личном опыте продаж. Пишите в чат. Тыц по ссылке: https://youtu.be/-yjcc3T13LA

Правильный старт в профессии графического дизайнера

Добавить комментарий

Всем привет!!! Записал и выложил на Ютуб ремейк лекции cемилетней давности, которая за эти годы принесла мне 60 000 просмотров и более 2000 подписчиков. Ни слабо? Кое что добавил, кое что более точно сформулировал, но суть осталась той же — как правильно стартовать в профессии графического дизайнера и не наступить на грабли. Поддержите лайками и зайками…………………………………………..

Перейти на YouTube