Всем большой привет! Сегодня рассказываю о Поле Ренде. Для тех, кто имя Ренда слышит в первый раз, скажу, что он вписал себя в историю мировой айдентики Гельветикой самого жирного кегля, в первую очередь, благодаря дизайну логотипов таких компаний, как: IBM, Morningstar, Ford, NeXT Стива Джобса и многих других. Рэнд был профессором графического дизайна в Йельском университете, где преподавал с 1956 по 1985 год. В 1972 году он был включен в Зал славы Нью-Йоркского клуба арт-директоров.
Своим творчеством Дэвид Карсон опроверг догму о том, что графический дизайн должен следовать за содержанием, заданным брифом, а не порождать собственные смыслы. Будучи социологом по образованию, он, наверное, мог бы много написать в своих книгах об этом. Но другой социолог, Маршалл Маклюенн, написал за него в свое время главное – средство сообщения и есть сообщение. А Карсон предпочитает не рассказывать, а показывать это в своих работах, а в книгах отделывается общими фразами. Тем не менее, книги Карсона переведены на многие языки и стали мировыми бестселлерами. Их издания и переиздания – абсолютные чемпионы мира по тиражам.
Его лекции и мастер-классы прошли в ста с лишним странах. В 2003 году Карсон побывал и в России – его визит был организован в рамках проекта «Design Innovation Award». Я был его куратором и предложил устроить лекцию Карсона в Центральном доме художника. Но спонсором премии была крупная табачная компания, а потому и речи не могло быть о публичном выступлении в учреждении культуры – запрещено. Буквально в самый последний момент удалось продавить это в качестве мероприятия вне официальной программы – как открытый мастер-класс для студентов ВАШГД.
Д. Карсон & С. Серов, 2003 г. Москва
Я дал на сайте объявление в несколько строчек, и на следующий день в кино-концертном зале ЦДХ яблоку негде было упасть. До сих пор я встречаю время от времени дизайнеров из дальних городов и весей, которые рассказывают, как они тогда бросили все дела, кинулись в самолет и рванули в Москву.
В нулевые годы мировая волна карсономании пошла на спад. Графический дизайн попытался вновь увлечься минимализмом и «типографикой порядка». Но дело в том, что колесо истории качнулось необратимо. И одну из главных ролей в этом процессе довелось сыграть Дэвиду Карсону.
Сегодня интерес к нему вновь возвращается. Об этом и вообще о творческом пути Карсона – в статье Оксаны Ващук, доцента кафедры дизайна Санкт-Петербургского государственного университета, специально для «INTERNI». (Сергей Серов)
Дизайнерская биография Карсона началась в 1989 году, когда он был приглашен арт-директором в журнал «Transworld Scateboarding», а потом в «Beach Culture», где он начал использовать сложнейшую фотографику и неординарные сочетания шрифтов, совмещать разные пространственные планы, формируя многомерное, словно открывающееся вовне пространство, будоражащее воображение зрителя. Превратив «Beach Culture» в один из самых авангардных журналов, Карсон, тем не менее, не смог обеспечить ему коммерческий успех. За два года вышло всего шесть номеров, после чего издатель был вынужден закрыть журнал. Однако работа в «Beach Culture» оказалась для Карсона не напрасной – она принесла ему более ста пятидесяти (!) профессиональных наград в области графического дизайна и была продолжена в журнале «Surfer» (1991-1992).
Но, самый оглушительный успех дизайнеру принесло сотрудничество с журналом «Ray Gun» (1992-1995), который был посвящен альтернативной музыкальной культуре и образу жизни в стиле гранж. Отражая турбулентное духовное состояние «поколения икс», Дэвид Карсон обратился к энтропии как главному творческому принципу, созвучному настроению эпохи.
Здесь Карсон вообще отказался от модульной сетки. При разном, порой совершенно контрастном текстовом содержании материалов номера, он стремился к столь же разнообразному оформлению буквально каждого разворота. Верстка напоминала живописные холсты, на которые, словно при создании палимпсеста, послойно наносились буквы, строки и изображения. В этом смысле дизайн Карсона оказался генетически связан с поэтикой дадаизма и сюрреализма. Композиционные решения, основанные на центробежной активности отдельных 
элементов, 
выразительная эквилибристика буквоформ создавали ощущение «пластического безвесия». Свободная верстка, богатая ассоциативность образов, действующая подобно звучанию музыкальных фраз, сделали «Ray Gun» культовым изданием 90-х.
В 2000 году, через пять лет после ухода из него Карсона, журнал прекратил свое существование. Что касается его арт-директора, то в 1995 году Карсон открыл собственную дизайн-студию «David Carson Design» c офисами в Нью-Йорке и Сан-Диего. Заслуженная слава привела к нему крупнейших корпоративных клиентов, среди которых Pepsi, Соса-Соlа, Ray Ban, Nike, Microsoft, Budweiser, Giorgio Armani, NBC, American Airlines, Levi Strauss Jeans, British Airways, Kodak, Packard Bell, Sony, Mercedes-Benz, Suzuki, Toyota, Warner Bros., CNN, MTV Global, Fox TV, Nissan, Quiksilver, Intel, MGM Studios, Nine Inch Nails, Apple Computers, Citibank, National Bank, Samsung, Аmerican Ехрress и Xerox.
Современная эпоха наделила дизайнера-графика функцией редактора массовой информации. Из инертного транслятора-оформителя заданного содержания он превратился в ключевую фигуру в системе информационного общества, стал в ней агентом массовой культуры. Произведения Карсона свидетельствуют о непрерывно возраставшем интересе к нелинейности и многоаспектности художественно-коммуникативных детерминант, к «плодотворному беспорядку», о котором писал Умберто Эко, утверждая, что художник сегодня призван полагаться на «Случай, Неопределенное, Вероятное, Двусмысленное, Поливалентное». Ведь именно продуктивный беспорядок обеспечивает жизнедеятельность современной культуры. Другой выдающийся интеллектуал, Жиль Делёза, призывал художника «создавать синтаксические или пластические средства для великой задачи – повсеместного восстановления первозданных топей, где зарождалась жизнь». И, похоже, Дэвид Карсон откликнулся на этот призыв.
The End of Print
В условиях клипового постмодернистского сознания Карсон свободно оперирует бесконечным набором прерывностей, различий, порогов, вырезов, разрывов и границ, наслаждаясь безграничной комбинаторикой и возможностями новейших компьютерных технологий. Его творчество становится предельно либеральным «коммуникативным предпринимательством», не регламентированным никакими конвенциями смысло- и формообразования.
Дизайн CD группы NIN, 1999
Преодоление всевозможных директив и барьеров, язык столкновений, претворение в графическом образе нестандартных аспектов визуальности, использование маргинальных резервов интуиции и абстрактного мышления зрителя – таковы особенности творческого почерка Дэвида Карсона.
Графический дизайн Карсона стал предельно толерантным по отношению к зрителю. Его ассоциативные образно-смысловые структуры с полным основанием могут быть интерпретированы каждым зрителем по-своему. Любое произведение Карсона – лишь «отправной пункт», с которого начинается зрительское «путешествие», но у каждого – по своему маршруту.
В 1995 году вышла книга Карсона «The End of Print», принесшая ее автору поистине всемирную славу. Она появилась на волне романтической постмодернистской убежденности в необходимости безусловной свободы творчества и инноваций, способных вознести на пьедестал демократические ценности и претворить в жизнь «американскую мечту». Экзистенциальная надежда на фундаментальные перемены, возможные в информационном обществе, и своего рода технократический оптимизм сделали Карсона истинным героем медиакультуры 90-х, а его книгу – манифестом постгутенберговской парадигмы.
В публикациях о Дэвиде Карсоне стало уже общим местом обсуждать провозглашенный им конец эры печатной культуры. Однако стоит ли понимать название его книги настолько буквально? Как полагает Л. Блэкуэлл, соавтор книги, в названии «The End of Print» можно усмотреть не столько авторский жест и констатацию того, что эпоха бумажной книги неотвратимо движется к своему завершению, сколько намерение Карсона продемонстрировать некие пределы художественного эксперимента, подводящего зрителя к самой грани, к границе реализуемого с помощью современных технологий. Экстремально провокативная, сравнимая по своему эффекту с пиротехническим шоу, типографика Карсона как бы испытывала на прочность представления о пределах возможного в графическом дизайне.
Что же касается расхожих представлений о том, что шрифт как печатная художественная форма полностью исчерпала себя, опровергаются в «The End of Print» едва ли ни на каждой ее странице в высказываниях известных представителей «новой волны» и работах самого Карсона. Так, в словах дизайнера Р. Мендеза слышится тоска по теплоте, подлинности, и вещественности бумажных книг: «Когда я держу в руках книгу, я ощущаю ее вес, размер, фактуру. Бумага превращается в кожный покров, типографская краска – в носитель для материализации знания. Я также осязаю материальную хрупкость книги. Печатное издание несет в себе и временное измерение: подобно человеческому телу оно закрепляет за собой жизненный цикл».
Не менее убедительны слова известного канадского дизайнера и писателя, автора культового романа «Generation X» Дугласа Коупленда: «В тот самый момент, когда нечто кажется нам всецело преодоленным и окончательно ушедшим в небытие, оно, подобно противникам Супермена, лишь аккумулирует силы для того, чтобы возродиться к жизни еще более могущественным, чем прежде. И тот факт, что книга Дэвида переиздана, означает, что искусство типографики готово к новому ренессансу. На этот раз все ждут только этого. Давай, Дэвид, скорее, запускай детонатор!». Так Коупленд приветствовал выход второго издания книги Карсона в 2000 году.
Выдержавшая переиздание и переведенная на пять языков, самая популярная в мире книга о графическом дизайне «The End of Print» будет существенно расширена и дополнена новыми материалами в третьем издании, которое увидит свет в лондонском издательстве «Laurence King Publishers» в мае этого года. Этот факт неоспоримо свидетельствует в пользу сохраняющейся актуальности бумажной печатной культуры, пусть и перешедшей в новое качество почти эксклюзивного медиума, вместилища особого духовного измерения.
Ссылка на групповой чат в Тележке: https://t.me/+eGC5bJnb27M0YzNi
Мои лекции по дизайну на Youtube>>> Перейти в YouTube
О
Это первая часть лекции, прочитанной студентам отделения коммуникационный дизайн Санкт Петербургского реставрационно – строительного института. Почему один дизайн нам нравится, а другой нет? Что важнее в дизайне – качественная картинка или смысл? Как графический дизайн выполняет свою коммуникативную функцию в визуально-информационной среде? Что такое креативность и как научиться генерировать яркие, продающие идеи? Ответы внутри…
Приветcтвую своих фоловеров и хочу поделиться маленькой радостью. Моей онлайн школе бренд-дизайна в марте исполняется 5 лет. Хороший возраст. Малыши в этом возрасте уже не плюются кашей, знают имена всех героев мультиков, не рвут всё в клочья и не вспоминают про памперсы. В 5 лет они превращаются во вполне взрослых граждан.
Почему 5 лет назад я запустил онлайн школу именно с фокусом на айдентику? Я дизайнер с 30-летним опытом проектирования в разных областях дизайна и мог преподавать и типографику и плакат и много чего…
Я выбрал айдентику потому, что, по моему убеждению, в ней содержится ДНК профессии, так называемый навык означения — умение переводить вербальное сообщение, на изобразительный язык, превращать информацию в знак. Почему этот навык так важен? А потому, что смысл профессии дизайнера, в первую очередь, — это «упаковка» и передача информации и чем осмысленнее он это делает, чем строже относится к себе, чем щепетильнее придерживается проектной процедуры, тем больше имеет шансов на успех.
Когда 5 лет назад я только запускал школу, она представляла собой вебинары в реальном времени. То есть в 19.00 по Москве, каждый понедельник я приглашал учеников в вебинарную комнату, в которой лекторил, отвечал на вопросы, рассказывал байки, шутил… Через пару школ я понял, что это дико неудобно, так как ученики могли находиться где угодно, не только в Петербурге и в Москве, но и на Дальнем востоке, в Прибалтике, Германии, Израиле и даже в Китае. Разница во времени могла составлять 6–8 часов, и некоторым бедолагам приходилось ставить будильник, просыпаться ночью и садится за компьютер. Посоветовавшись с умными людьми, я принял решение записать лекции в MP4. Это оказалось правильным. Во-первых, у меня появилось время, в первую очередь для того, чтобы посвятить его более глубокому анализу домашних работ. Во-вторых — это сняло напряжение у учеников, ведь стало возможным слушать лекции в любое удобное для них время и потом возвращаться к ним и слушать более внимательно.
Редактируя лекции, на что ушло пару месяцев, я убрал всю воду, которая естественным образом скапливается, когда вебинаришь вживую. У меня получилось около 10 часов густого контента. Ученики получают представление о законах гештальтпсихологии и их применение в проектировании логотипа, о семантике знака, о колористике и типографике в айдентике и многом другом. Более подробно с программой курса можно ознакомится на лендинге курса: https://school.romashin-design.com
Я ввёл такую систему: прежде чем я открываю ученику доступ к очередной лекции, он должен отчитаться по домашней работе. Нет домашки — нет лекции. Как говорилось в советской комедии — «вечером деньги — утром стулья, утром деньги — вечером стулья». Это стало серьёзно дисциплинировать учеников, что сказалось на качестве дипломных работ.
К слову, о дипломных работах. Практикующих дизайнеров, возможно, удивит то, что эта работа для большинства участников была первой в их жизни работой над корпоративным стилем. Я сам по началу удивлялся тому, что видел у них в начале и потом, ближе к окончанию курса.
Надо признаться, без ложной скромности, что «машинка работает», и это не может ни радовать меня как педагога и автора учебной программы. Программа всякий раз мной корректируется, но основу её составляет всё же пропедевтика — специфические формальные упражнения, тренирующие навык видеть простое в сложном, расщеплять форму на геометрические первоэлементы, а работу над проектом — на функциональные процессы.
Как работает «машинка» и в чём суть методики? Не могу сказать, что он на 100% придуман мной. По похожей модели учат бренд-дизайну, к примеру, в Йельском университете (США). В двух словах, методика сводится к овладению навыками управления собственной креативностью, где маркетинговый анализ перемежается с креативными усилиями. Я учу студентов технике осознанного проектирования, попеременно активизируя то логику, то творческое воображение. По большому счёту, эта техника лево — правополушарного проектирования и есть главный навык креативного дизайнера. Креативный дизайнер от просто дизайнера отличается тем, что продолжает думать и анализировать на всём протяжение работы над проектом. Это сложно и утомительно для мозга, но результат оправдывает усилия.
Общаясь с учениками, я понял, что помимо профессиональных знаний, для них крайне важна мотивационная поддержка в выстраивании отношений с заказчиком, и в последней редакции курса появился воркшоп по теме управления личной карьерой. Это — концентрат моего личного 30-летнего опыта работы в дизайне в качестве арт-директора и фрилансера. Я рассказываю о плюсах и минусах работы в агентстве и в качестве фрилансера, о том, как начать формировать свой личный бренд, каким должно быть творческое резюме дизайнера и как найти своего первого заказчика.
Сейчас, 5 лет спустя, я на 100% уверен в том, что стать востребованным рынком дизайнером можно и для этого не обязательно жертвовать годами учёбы и сотнями тысяч рублей. Я хочу, чтобы в молодых дизайнеров, не учившихся этой лучшей из профессий, но мечтающих начать зарабатывать и «жить с дизайна», мои слова вселили надежду. Такие дела.
Ну а по поводу юбилея школы Айдентика, для всех желающих обучиться моему кунг-фу, я решил сделать серьёзную скидку на обучение. Многие её ждали и просили меня поставить их в известность. Скидка на обучение в школе Айдентика действует до конца марта, так что успейте вскочить в поезд https://school.romashin-design.com
Всем мира, добра и делайте дизайн!
Эту лекцию я записал ещё в 2019 году. За 4 года её посмотрели 65 000 человек. Я и предположить не мог тогда, что этот контент так зайдёт начинающим дизайнерам. Я решил лекцию немного перемонтировать, чуть сократить и перезалить на канал. Вот что получилось… О чём в ней идёт речь? Я рассказываю, как правильно выбрать дизайн школу и педагога. Нужно ли графическому дизайнеру уметь рисовать? Сколько нужно потратить времени, чтобы добиться результата? Три фатальные ошибки, которые часто совершают молодые дизайнеры графики на старте и многом другом. Короче – старые песни о главном!)) Мегаспасибо за лайки и перепосты. Делайте дизайн!
Тыц по ссылке: https://youtu.be/PwC7Ipt-F7c
Так случилось, что за долгие годы, общаясь с заказчиками, я прошёл, наверное, через все возможные ситуации от комедийных до рискованных для жизни. В результате своих не до конца осмысленных действий, я потерял количество денег, равное стоимости… затрудняюсь сказать… но купить приличный немецкий, или японский внедорожник — вполне бы хватило.
Хочу начать с того, что заказчик — это в первую очередь бизнесмен, человек жёсткий, умеющий настоять на своём, по поведенческой модели он — охотник, или хищник.
Дизайнер — рефлексирующее существо, не склонное к агрессии. Он в большинстве случаев мягок и податлив, по поведенческой модели он в большинстве случаев — добыча хищника. Это в теории. Однако, если бы бизнесмены, подталкиваемые инстинктом хищника, всякий раз бы «съедали» дизайнеров, то рынок бы попросту опустел и встал, потому что бизнес не способен создавать никаких ценностей, кроме добавленной стоимости, бизнес вынужден покупать продукт, создаваемый дизайнером.
Как я уже говорил, за долгие годы работы в дизайне, мне пришлось встречаться с клиентами, наверное, всех типов, цветов и размеров. Моя “Классификация заказчиков”, это попытка систематизировать поведенческие модели клиентов, а также дать простые советы, как вести себя в сложных ситуациях.
Итак, первый тип — «ЗАХОЧУ — ОЗОЛОЧУ»
Если заказчик начинает вам напевать, что, если ему понравится ваша работа, он не поскупиться и выдаст щедрые премиальные — это означает только одно, он хочет подстраховаться от рисков и не давать вам аванс.
Откажитесь от обещанных премиальных, сказав например, что аванс — это ваш главный стимул, и что вдохновение у вас рождается только после получения аванса, а до этого — ну ни как. Изобразите человека, бескорыстно любящего деньги. Бизнесмен вам скорее всего поверит, потому что сам такой.
Каков размер аванса должен быть? Это зависит от вашей “мышечной массы”. Если вы востребованы рынком и клиенты выстраиваются к вам в очередь, то можете договариваться хоть на все 100%. Если вы в начале творческого пути, то 25% будет достаточно. Для меня на протяжении долгих лет привычным является аванс 50%. Помните, что и вы и ваш клиент рискуете в равной степени, только он своими деньгами, а вы своим рабочим временем.
Второй тип я назвал «ЕЩЁ, ЕЩЁ и ЕЩЁ»
Если заказчик настаивает на бесконечном количестве вариантов, знакомый случай? это верный признак, что у него проблемы с принятием решения и что высока вероятность того, что он выжмет вас досуха и расторгнет договор.
Обязательно перед началом проекта договаривайтесь на определённое количество эскизов, которое вы готовы ему предоставить. Обычно это — 3. Это не так много, чтобы ваш заказчик запутался в вариантах и не так мало, чтобы у него возникло ощущение, что ему чего-то не доложили. Если заказчик не унимается и продолжает требовать от вас “ещё и ещё”, просите пересмотра суммы договора исходя из увеличения объёма работ. Ничего не делайте бесплатно, этим вы просто обесцениваете свой труд.
Третий тип «САМ СЕБЕ ДИЗАЙНЕР»
Заказчик, который пытается залезть в ваш творческий процесс и начать собственными руками исправлять или улучшать вашу работу — тяжёлый случай…
Постарайтесь максимально деликатно объяснить ему, что его творческие компетенции заканчиваются на брифе. Если ему что-то не нравится в вашей работе, ему необходимо сформулировать претензии как можно чётче и желательно в письменном виде. Насколько глубоко можно запустить заказчика в проектный процесс — решать вам. Однако помните, что за результат несёте ответственность всё равно вы.
Четвёртый тип «БЫСТРЫЙ КОВБОЙ»
Наверное, самый распространённый тип заказчика, тот, которому «всё нужно вчера». Помните, у вас свой привычный темп и стиль работы. Не дайте ему «разогнать» себя, если на то нет объективной причины, но сами будьте аккуратны с дедлайном, если вы затянете проект — это повод для конфликта. Помните, любое «срочно» стоит как минимум + 30% к обычному прайсу. Предложите это заказчику, и он успокоится и не будет вас гнать. В идеале, календарный план работ должен быть частью вашего договору и подписан заказчиком.
Пятый, довольно редкий тип «СПЯЩАЯ КРАСАВИЦА»
Есть клиенты, которые неожиданно теряют интерес к проекту и «засыпают». Иногда — на неделю, иногда — на полгода. Не напоминайте о себе по нескольку раз, спокойно проедайте полученный аванс и занимайтесь другими проектами. Бизнесмен никогда не расстанется с деньгами, которые авансировал, рано или поздно, он позвонит вам и попросит продолжения банкета.
Меня часто спрашивают, как я отношусь к распространенной сентенции, что заказчик всегда прав… Да, отвечаю я, заказчик всегда прав, но за исключением тех случаев, когда он совершенно не прав. И воспитывать такого заказчика — священный долг и почётная обязанность дизайнера в России.
Культовый британский дизайнер Невил Броуди как-то сказал:
“Иногда своих заказчиков приходится увольнять, при этом вы должны быть готовы немного поголодать”.
И ещё одна чудесная цитата от американского дизайнера с итальянскими корнями Массимо Виньелли:
“ Первая вещь, которую нужно прояснить клиенту — что вы здесь не для того, чтобы удовлетворять его желания, а для того, чтобы удовлетворять его потребности”.
А на сегодня у меня всё, желаю вам вменяемых заказчиков. Всех, кто ещё не подписан на Мой канал в Ютубе — приглашаю подписаться. Всем добра и Just Do It!
С одной стороны, дизайнер сдвинувшийся на перфекционизме, лучше, чем равнодушный к конечному результату пофигист. С другой стороны, если перфекционизм укоренился на психофизиологическом уровне, стал «историей болезни», это может сыграть злую шутку и принести много огорчений.
В прошлом году мне на глаза попался сайт одного Берлинского издательства, которое специализируется на русской периодике. Я обнаружил в их редакционном портфеле медицинский журнал, который они печатали для русскоязычной публики, живущей в Германии и странах Бенилюкса. Сам журнал, с точки зрения его дизайна, был полным «колхозом». А у меня, по случаю, лежал невостребованный заказчиком макет аналогичного издания для федеральной аптечной сети. Отлично, подумал я, немного изменю свой макет под берлинский формат, выйду на главного редактора и предложу ему рестайлинг. Сел верстать и залип. Залип месяца на 4. Сначала я поменял шрифты, потом сетку издания, цветовую палитру, затем ещё чего-то по мелочам. Потом мне показалось, что будет более наглядно, если я возьму один из их берлинских номеров и полностью переверстаю в новом стиле.
Через 4 месяца у меня на руках был макет, в котором мне не хотелось ничего поменять. Я встал из-за компьютера, отёр рукавом пот со лба, достал из холодильника банку пива… и понял, что не хочу больше заниматься этим проектом. И что же я сделал? А ничего, даже не стал макет в Берлин отсылать. Творческий процесс походу выжег все силы и вытеснил цель моих усилий. Что в остатке? Получилось так, что я бессознательно разделил проектные действия на приятные и неприятные, отдав все силы приятным. Приятными были дизайн и вёрстка, я вообще люблю поверстать. Неприятными были: созвон, переговоры, одним словом – продажа проекта. Вот моё подсознание и вытеснило эту задачу в область необязательного. В результате – «помереть не померла, только время провела», как поётся в старинном городском романсе.
Может быть, попадая в ситуацию многозадачности, мы включаем ребёнка, как бы отказываясь есть кашу, требуя сразу сладенького? Но сладкое отбивает аппетит и, съев шоколадный батончик, мы вряд ли потом будем есть кашу. Перфекционизм – это отказ от решения трудных задач в пользу тех, которые способны доставить нам удовольствие. В каком-то смысле, наш перфекционизм – это подсознательное желания оставаться ребёнком, занятым приятным процессом, но не берущем ответственность за результат. Между тем мы понимаем, что бизнес ждёт от дизайнера противоположного поведения.
Вы замечали, что мы редко залипаем на креативные задачи, в основном – на элементарные, с минусовой креативностью. Наш ленивый мозг постоянно уводит нас от сложного к простому, и это простое пожирает всё наше рабочее время. Что же делать? Вариантов не особо много. Для начала надо научиться управлять своей креативностью, и походу начать получать от этого удовольствие.
Для этого я рекомендую выстраивать проектную работу, чередуя задачи креативные и чисто технические – поработали головой, поработаем ручками, затем опять головой. Второе, что лично мне помогает не залипать на бесконечном улучшении одного и того же (за вычетом случая с медицинским журналом) – это навык вести работу сразу в трёх направлениях. Не важно, над каким проектом работаю, над логотипом, рекламным постером, или упаковкой, я сразу создаю 3 рабочих пространства и готовлю для заказчика 3 решения. Почему к заказчику правильнее идти с тремя вариантами? Так проще продать проект. Меньше трёх – у него будет ощущение, что ему чего-то не додали, больше трёх – он обязательно запутается в вариантах и будет требовать «ещё и ещё».
Важное замечание: и количество эскизов и последовательность ваших действий, должны быть описаны в договоре, либо в каком-то ином документе, в котором вы фиксируете взаимные обязательства. Ещё до начала работ, читая договор, заказчик должен объективировать, что проектирование – это сложная, пошаговая процедура, требующая временных затрат от вас и финансовых от него.
И ещё важный совет! Никогда не сравнивайте себя с другими более опытными дизайнерами. Вы есть такой, какой есть в данный момент времени в этой точке пространства. Не ругайте себя за неудачи, а воспринимайте их как неотъемлемую составляющую вашего профессионального роста.
Как совладать с внутренним перфекционизмом, мы вроде разобрались. А как быть с перфекционизмом заказчика, его патологическим желанием бесконечно вносить правки, улучшать проект, всеми этими – «а поиграйте шрифтами», «а пойдите туда, не знаю куда» и т.д.? Я подарю вам волшебных два слова, которые действуют на заказчика успокаивающе и умиротворяюще. Эти слова… барабанная дробь – «проектная дисциплина». Произносите их ему время от времени, когда ему захочется внести тупые правки в ваш проект не по делу, а так, от внутренних сомнений, или из-за того, что сотрудник что-то буркнул негативное, или из-за того, что на улице дождь и слякоть. Скажите ему торжественно и со значением: «Давайте не будем нарушать проектную дисциплину, последовательность и характер работ описаны в нашем договоре, а отклонение от него ставит под угрозу конечный результат». Круто? Но для того, чтобы эти слова приобрели вес и подействовали, вы сами должны железно придерживаться написанного в договоре, о чём я уже говорил в предыдущем абзаце. То есть понятие «проектная дисциплина», должно стать волшебным не только для заказчика, но и для вас. Для вас, возможно, в первую очередь.
И последний совет, который могу дать – это с первого дня начать аккуратно воспитывать своего заказчика. Хорошим результатом будет, если из вашего общения и обсуждений вы исключите такие оценочные эпитеты, как “красиво – некрасиво”, “нравится – не нравится”, и начнёте работать с такими понятиями как:
Важно донести до заказчика мысль, что ваша сверхзадача не создать нечто совершенное, “чего не бывает”, ваша задача наиболее точно перевести на визуальный язык содержание, которое он собирается донести до своего покупателя. Дизайнер не творец красивого, дизайнер – коммуникатор.
А у меня на сегодня всё. Делайте дизайн и не страдайте перфекционизмом! Алексей Ромашин. Эксперт блог-платформы Medium, руководитель онлайн школы Айдентика
Массимо Виньелли – американский дизайнер докомпьютерной эпохи с итальянскими корнями, работавший в различных областях, от проектирования общественных пространств до рекламы и айдентики. В 70-е годы разработал фирменный стиль и систему визуальной ориентации Нью-йоркского метро, сделавшего его культовой фигурой американского рынка дизайна. Был убеждённым модернистом швейцарского разлива. Умер в 2014 г. в возрасте 83 лет в своем доме в Нью- Йорке, оставив после себя, помимо совершенного дизайна, много мудрости в виде цитат из своих статей и интервью. С некоторыми из них хочу вас познакомить. Не благодарите)
Хороший дизайн — вопрос дисциплины. Он начинается с анализа проблемы и сбора всей доступной информации. Если вы понимаете проблему, у вас есть решение. Это больше логика, чем воображение.
Жизнь дизайнера — жизнь в борьбе против уродства. Дизайнер как врач борется с болезнью. Визуальная болезнь повсюду вокруг нас, и мы пытаемся вылечить её при помощи дизайна.
Стили приходят и уходят. Хороший дизайн — это язык, а не стиль.
Если вы можете спроектировать что-то одно, вы можете спроектировать все.
Сделать дизайн вне времени можно если вы смотрите в суть вещей, а не на их внешний вид. Оболочка временна зависима от моды, а суть вечна.
Первая вещь, которую нужно прояснить клиенту — что вы здесь не для того, чтобы удовлетворять его желания, а для того, чтобы удовлетворять потребности.
Я вижу графический дизайн как организацию информации, которая семантически верна, синтаксически постоянна и прагматично понимаема.
Общество знакомо с плохим дизайном лучше, чем с хорошим. Именно из-за этого люди предпочитают плохой дизайн хорошему. Они слишком сильно сжились с тем, что есть. Всё новое начинает пугать, а старое их утешает.
Всех, кто ещё не знаком с моим каналом на Youtube, оставлю здесь ссылку: https://www.youtube.com/c/АлексейРомашин . Там вы найдете много любопытного по теме дизайна, брендинга и личной карьеры. Всех благ и делайте дизайн!
Препятствие первое – не могу придумать. Откуда брать качественные идеи, как заставить свой мозг их генерировать? Чаще всего они делают ставку на вдохновение. Более опытные дизайнеры создают какие-то собственные ритуалы, которые помогают обеспечить приток этих самых идей. Молодёжь чаще просто делает кальки с работ своих более креативных коллег
Окей, предположим, вам удалось преодолеть и это препятствие и бомбическая идея у вас в кармане. Идея в кармане, ну, то есть в голове, но как перенести её из головы в компьютер? Тут вы сталкиваетесь со вторым препятствием – не могу изобразить. Дело в том, что проект в нашем воображении, довольно мутный, лишённый конкретики, и когда вы начинаете его отрисовывать в векторе, дистанция между воображаемой моделью и тем, что происходит у вас на экране, всё увеличиваться и результат, всё меньше становится похож на то, что вы придумали. Знакомая ситуация?
Окей, предположим, что вы справились и с этим. Что дальше? А дальше вы упираетесь в третье препятствие – не могу скомпоновать. Дело в том, что пространство нашего воображения не имеет чётко очерченных границ. Придуманный нами дизайн в нашем воображении как бы живёт в пустоте, в отличие от реального дизайна, который имеет строго определённый формат, преимущественно прямоугольный. Это – визитка, буклет, плакат, упаковка, проклятые прямоугольники! Как впихнуть наш логотип в формат, чтобы он занял своё единственно правильное положение?
Я много раз беседовал с молодыми дизайнерами, у которых по отношению к заказчику сформировалась устойчивая фобия. У них был ко мне один вопрос: «занимаясь графическим дизайном, и айдентикой в частности, можно ли в принципе, получать удовольствие или это постоянное вымораживание и нервотрёпка?».
От графического дизайна можно и нужно получать удовольствие! Занимаясь им, можно получать не только удовольствие, но и достойные деньги. Ну, разумеется, если вы работаете в профессиональной лиге, а не в качестве чернорабочего.
Пускай простят меня чернорабочие и не заподозрят в снобизме. Я отдаю себе отчёт в том, что кто то должен приходить в контору на рассвете, уходить с неё в полночь и не поднимая головы фигачить быстрый и дешёвый дизайн по брифу заказчика. Я для себя давно выбрал принципиально другую модель профессии. Как обозвал её Артемий Лебедев: «Долго, дорого, офигенно»… (последнее слово я изменил из цензурных соображений).
Уместен вопрос, как попасть в профессиональную лигу? Ответ до банального прост – надо учиться и надо меняться. Необходимо поглощать гигабайты информации, и торопиться всё это делать вовремя, помня о том, что с годами наш интеллектуальный метаболизм снижается, и после определённого возраста учиться будет поздно.
Если не углубляться в детали, можно сказать, что главная задача моей 3-х месячной онлайн школы Айдентика, научить уверенно преодолевать эти 3 препятствия. То есть, через 3 месяца вы научитесь придумывать, проектировать и упаковывать фирменный стиль на профессиональном уровне.
Оговорюсь, что я с пониманием отношусь к молодым людям, которые предпочитают бесплатное образование платному, читают какие-то материалы на профильных сайтах, скачивают какие-то уроки с Ютуба. Молодцы! Самообразование – это лучше, чем праздность и прозябание, однако, должен вам сказать, что, к сожалению, стать профессионалом в графическом дизайне по видео лекциям и pdf книжкам –НЕВОЗМОЖНО. Почему? Всё дело в том, что в видео-уроках отсутствует самое важное – обратная связь с учителем. Только во время обсуждения и устранения косяков педагогом происходит настоящая учёба.
Подробнее о школе «Айдентика» и её программе я расскажу вам в следующем посте, а пока приглашаю вас просто зайти на её страничку. Там можно посмотреть работы учеников и почитать их отзывы: https://school.romashin-design.com/
А на сегодня у меня всё. Всех благ и делайте дизайн!