Сегодня расскажу вам о новом медиа, с которым сотрудничаю уже полгода. Имя его труднопроизносимое, но легко находится в инете – DSGNERS, т.е. дезигнерс без гласных. Поищите-сразу найдёте.
В чём суть проекта. Энергичные ребята за несколько лет обзавелись множеством профильных каналов в ВК и Телеге с большой аудиторией и в начале этого лета запустили полноценную блог-платформу. По началу, когда я только получил от них предложение публиковаться – не особо верил в полезность этой затеи. Но уже через месяц сотрудничества увидел значительное увеличение трафика на своём образовательном канале на Ютубе. Машинка запустилась и весьма энергично. К слову – ссылка на мой блог там: https://dsgners.ru/user/ARomashin. Со мной всё ясно, я-педагог и писатель, пишу регулярно, чтобы сеять «разумное, доброе, вечное», получать от этого удовольствие и походу трафик.
А какая польза от DSGNERS простому дизайнеру, или верстальщику, или только присматривающемуся к профессии? Самая что ни на есть польза полезная, извиняюсь за тавтологию! DSGNERS – это полноценное профессиональное комьюнити, где люди если о чём-то и пишут, то пишут, в чём хорошо разбираются и так, чтобы не вызвать саркастичную улыбку у коллег – по-взрослому. Признаюсь, что в начале сотрудничества с платформой, я не особо интересовался тем, что публикуют другие. Просто заливал свой контент и отслеживал лайки. Потом взгляд зацепился за какой-то чужой заголовок, я кликнул, прочитал… Потом начал читать регулярно. Потом поймал себя на мысли, что провожу за чтением чужих постов слишком много времени, в ущерб своему рабочему, пришлось себя ограничивать.
Кстати, для тех, кто читать не любит, или разучился, скажу, что на платформе имеется много качественного видеоконтента в виде обучающих уроков, стримов и т.п. Форум – место, где можно высказаться о наболевшем, получить совет, или просто умно помолчать. Да, много там всего, ребята постоянно чего-то допиливают, расширяют и улучшают. А если ты принадлежишь к той породе дизайнеров, у которой есть чем поделиться – то публикуешь свою статью и её видит аудитория, которая, как утверждают модераторы, уже перевалила за полтора миллиона. И ты тоже можешь стать автором и начать публиковаться, наверняка же есть какие-то фишечки, которые знаешь только ты.
DSGNERS создан дизайнерами для дизайнеров и призван вдохновлять и просвещать. Залетай и присоединяйся https://dsgners.ru/
Всем привет! Делюсь своей новой лекцией, в ней я рассказываю о том, как швейцарский интернациональный стиль пришёл в Америку, став по настоящему «интернациональным». Швейцарские дизайнеры в конце 50-хх, с помощью модульной сетки, ассиметричной верстки и других инструментов навели в пространстве коммерческой графики идеальный порядок. Чёткость, композиционная ясность, цветовой и шрифтовой лаконизм — это то, что на долгие годы стало общепризнанным проектным методом. А широкому распространению швейцарского стиля в мире в первое послевоенное десятилетие в значительной степени поспособствовал фармацевтический бизнес и успешный захват швейцарской компанией Geigy американского рынка медицинских препаратов. Швейцарский дизайн, с его по-медицински стерильной изобразительностью, как раз и обеспечил этот успех. Архаичный американский дизайн попросту проиграл актуальному швейцарскому. Мою версию того, как это было — слушай — смотри!
Похоже, что американские и британские винилы, которые проходили через мои руки в конце 70х., окончательно сформировали понимание, что я хочу в дальнейшем заниматься именно графическим дизайном, а не дизайном промышленных изделий, книжной иллюстрацией, или, прости Господи, политическим плакатом. В самые унылые советские годы, когда не было ни хорошей одежды, ни импортного кино, ни даже, порой, человеческой еды и алкоголя, тем не менее были привозимые контрабандой пластинки. Все новинки западной виниловой индустрии всплывали на “толчках” СССР спустя буквально 1-2 месяца после их появления на полках в Лос Анlжелесе, Лондоне, или Мюнхене. Кто и как осуществлял логистику этого гигантского рынка в СССР в 80-х, для меня до сих пор остаётся загадкой. Думаю, что не обошлось без участия госбезопасности. Не берусь утверждать, не знаю… Спустя десять лет, когда я начал профессионально заниматься историей коммерческой графики, начав преподавать её своим студентам, я к немалому удивлению обнаружил, что многие мэтры дизайна прошлого столетия, о которых я рассказываю ученикам, оказывается, были авторами дизайна тех самых пластинок, под которые мы в 80-хх пили Агдам и мечтали о том, чтобы свалить “за бугор”. Изучая историю Виниломании, можно проследить во всех перипетиях за эволюцией большого стиля в дизайне за прошедшие полвека.
Между тем, история дизайна винила не такая уж и длинная. В конце 60-хх их оформление выделилось в отдельную сферу креативной деятельности, получившую имя “album cover art”
Иногда создателем дизайнерской обложки называют графического дизайнера Александра Штайнвайса, работавшего в Columbia. Он первым начал делать художественные иллюстрации, относящиеся к музыке, чем создал узнаваемый стиль студии Columbia.
Точкой старта в занимательной истории виниломании можно считать август 1969 года. Тогда, 50 лет назад, полицейский придержал поток машин на десять минут, пока фотограф Ян Макмиллиан делал фотографии, скетчи для которых накануне нарисовал Маккартни. Впоследствии эта фотосессия впечатала фотографа Ян Макмиллиана в мировую историю фотографии навечно.
Макмиллиану было дано лишь десять минут в районе 11 утра, чтобы сделать фотосессию с Джоном, Полем, Джорджем и Ринго, переходящими улицу Abbey Road. Эта фотография превратилась в одну из самых известных виниловых обложек в истории звукозаписи и стала по-сути визуальным символом группы The Beatles.
Настоящий бурный расцвет жанра пришёлся на начало 70-хх. История следующая: двое молодых студентов Королевского колледжа искусств Торгерсон и Пауэлл тусовались с экспериментальной группой Pink Floyd, и те по-дружески попросили их придумать обложку для своего первого альбома. Молодые люди в то время учились один — кинопроизводству, другой — живописи и для проявки фотографий, могли использовать тёмную комнату своего колледжа.
Оговорюсь, что графический дизайн до появления персонального компьютера (1985 г.) был весь на основе фото коллажа и требовал кучу аппаратуры и главное — тёмную комнату для проявки и печати. Так что после окончания учёбы, молодым людям пришлось обзавестись собственной тёмной комнатой. Сначала они обустроили небольшую проявочную в ванной Пауэлла, а потом, в начале 1970-х годов, арендовали отдельное помещение и перебрались туда. С этого момента началась официальная история дизайн- студии, которой предстояло вписать своё имя золотыми буквами в анналы истории графического дизайна XX века…
Арендовав помещение, Торгерсон и Пауэлл сразу же придумали себе название «Hipgnosis». Слово им понравилось не столько из-за созвучия с «hypnosis» (гипноз), а скорее из-за необычного сочетания слова «hip» (новый, модный) с гнозисом, обозначающим высшее эзотерическое знание.
Настоящая известность пришла к «Hipgnosis» в 1973 году, когда ими была спроектирована обложка для альбома The Dark Side of the Moon группы Pink Floyd. Дизайнеры представили группе несколько вариантов. По словам барабанщика Ника Мэйсона, дизайн с призмой-пирамидой оказался наиболее подходящим и был единогласно принят. Альбом имел огромный успех, побил все рекорды по продажам, а обложка, спустя пару десятилетий, была признана одной из лучших за всё время существования музыкальной индустрии. После этого успеха студию завалили заказами. К ней обращались такие коллективы, как Led Zeppelin, The Rolling Stones, Genesis, Black Sabbath, AC/DC, The Alan Parsons Project и др. Благодаря Торгерсону и и Пауэллу сформировался новый тренд. Дизайн рок альбома стал предельно метафоричным и фантазийным. Размещать на конверте просто качественное фото музыкантов стало моветоном.
Каждая последующая обложка превращалась в абсолютно индивидуальное визуальное высказывание дизайнера на предложенную тему, актуализируя новые, порой даже не объективируемые самими музыкантами смыслы. Рок 70-хх, по сути стал сплавом музыки, поэзии и дизайна, подняв престиж профессии дизайнера графика до уровня рок звезды.
Примечательным обстоятельством был тот факт, что «Hipgnosis» никогда не требовали за работы над оформлением альбомов какие-то конкретные суммы, предоплаты и т.д. , оставляя заказчикам право платить в зависимости от того, насколько им понравится результат. Согласитесь, довольно странно в контексте правил и традиций современного рынка дизайна. Большинство созданных ими за 10 лет образов стали культовыми, наметив пунктиром основные тренды развития дизайна музыкальной обложки на четверть века вперёд.
По сути Торгерсон и Пауэлл создали новый жанр в коммерческой графике. Если смотреть на работы творческого коллектива через призму концепции функционального дизайна, дизайн «Hipgnosis» можно отнести к типичному постмодернизму, с его мистической заумностью, эклектичным смешением образов, приёмов и техник. «Hipgnosis» прекратил существование в середине 80-х, одновременно с уходом с рынка винила и вытеснением его CD. Но это совсем другая история. А на сегодня у меня всё… А нет, не всё.
Для всех кто собирался научиться профессионально проектировать знак, логотип и фирменный стиль, у меня есть важная информация. Я решил продлить до конца месяца акцию, с 40% скидкой на участие в моей 3-х месячной онлайн школе “Айдентика”. Кому интересно – жмите кнопку, переходите на страничку Школы. Все подробности там…
У всякого активного пользователя PC наступает такой малоприятный момент, когда заканчивается свободное пространство на рабочем диске. Случилось это намедни и у меня. Сначала я прибил тээмпэшки, дубли, затем, отправился чистить архивы и как это обычно бывает – увяз. За годы преподавания у меня скопились сотни гигов контента по истории и практике графического дизайна: логотипы, фирменные стили, плакаты, студенческие работы, учебники, монографии, фильмы и куча всего, что по-уму давно надо было сбросить в облако, да руки всё не доходили. Через какое то время я начал получать удовольствие от этой возни со старыми файлами и сформировался план – оставить только лучшее, “best of the best“, остальное – за борт.
Начал я с айдентики, точнее со знаков и логотипов. После первой волны геноцида у меня осталось полторы сотни знаков. Окровавленными руками, в отдельную папку я сложил всё что осталось: винтаж, геральдику, знаки времён СССР, в другую – всевозможную экспериментальную промграфику в стилистике Гранж, Рейв и Психодел. В результате селекции у меня остались самые сливки, чёрно-белая, “нордическая” коллекция из 50 шикарных образчиков “Швейцарского корпоративного стиля”
В коллекцию вошли знаки и логотипы таких звёзд айдентики прошлого века, как: Адриан Фрутигер, Алан Флетчер, Антон Станковски, Йозеф Мюллер-Брокман, Роберт Сеслер, Рольф Мюллер, Дан Райзингер, Зикфрид Одерматт и Розмари Тисси. Много айдентики не идентифицированной . Самая старая работа в этой коллекции – это торговая марка Bayer 1900 года. Самая свежая – 2000 года.
Оговорюсь, что не все логотипы в этой коллекции созданы швейцарцами. Среди авторов – и немцы и австрияки и израильтяне и поляки с голландцами. Исходя из географии авторов – это скорее центральная Европа. Швейцарской я назвал эту коллекцию в силу таких общих черт работ в подборке, как минимализм, объективность и высокая информационная заряженность, то есть то, символом чего стала Швейцарская школа для всего мира. Школа, в которой усердно учился весь этот Мир и которую он закончил на отлично.
К сожалению, на сегодняшний день акценты расставленные “швейцарцами” решительно сместились. На авансцену вышла постмодернистская многословность, увлечение оптическими иллюзиями, отказ от объективности и “сильной проектности”. Но в нашу эклектичную эпоху, тем не менее, ценность швейцарской школы сохраняется в первую очередь, как внутренняя основа и стержень дизайнерского профессионализма, как стимул для рациональных, выверенных и точных решений в графическом дизайне вообще и в айдентике в частности.
А. Ромашин
Если вы присматриваетесь к профессии графического дизайнера, но пока не решили: «моё — не моё», «потяну — не потяну», рекомендую вам пройти тест на выявление ваших скрытых способностей. Точность прогноза моего теста составляет около 90%, то есть, после его прохождения я с 90% уверенностью могу вам сказать, стоит вам начинать учиться дизайну, или вы впустую потратите время . Тест бесплатный. Действуйте!
А ЧТО ДИЗАЙН ДЛЯ ВАС?
Друзья, коль скоро вы оказались в моём блоге, мне бы хотелось получше вас узнать. Кто вы? Не сочтите за труд, ответьте на вопросы моей анкеты. Очень спасибо!
Если вы присматриваетесь к профессии графического дизайнера, но пока не решили: «моё — не моё», «потяну — не потяну», рекомендую вам пройти тест на выявление ваших скрытых способностей. Точность прогноза моего теста составляет около 90%, то есть, после его прохождения я с 90% уверенностью могу вам сказать, стоит вам начинать учиться дизайну, или вы впустую потратите время . Тест бесплатный. Действуйте!
Феномен иранского графического дизайна удивляет мир, по крайней мере, уже полтора десятилетия. На рубеже веков иранские плакатисты стали регулярно завоевывать награды на всех крупных профессиональных турнирах. Получали они награды и на Московской международной биеннале графического дизайна «Золотая пчела». В 2008 году плакат иранца Мохаммада Джамшиди был удостоен Golden Bee Award на «Золотой пчеле 8», а в 2004 году, на «Золотой пчеле 6», общественное движение «Музей дизайна» присудило свой диплом Афсарпуру Али. К моменту сдачи этого номера в печать результаты работы международного жюри биеннале «Золотая пчела 10» еще не поспели. Так что неизвестно, оказался ли кто-нибудь из иранцев среди лауреатов последней биеннале. Но в любом случае иранская экспозиция на «Золотой пчеле 10», проходившей в октябре, была, как всегда, весьма заметной, привлекавшей внимание и публики и профессионалов. Кроме того, в ЦДХ в рамках биеннале экспонировалась еще и специальная выставка 30 ведущих иранских плакатистов «Persianissimo», составленная Маджидом Аббаси. Она подкрепила ощущение того, что пора, как говорится, назвать вещи своими именами. Назвать это явление, соединяющее национальный колорит с международным качеством, самобытность c универсальностью, традиционное арабское письмо с самой современной европейской типографикой – иранской школой плаката.
Abbasi Majid
В истории дизайна не так уж много страниц, имеющих национальность: швейцарская школа графики 1950-70-х годов, польская школа плаката 1960-80-х… Современная иранская школа плаката вполне уже готова занять место в этом ряду. Она обладает узнаваемостью и пластической целостностью, оформленностью и пассионарностью, делающей ее примером для других.
Для нас она может служить вдохновляющим примером того, как национальную письменность можно внедрить в контекст современной визуальной культуры. С кириллицей ведь похожая проблема. Она хоть и родственница латинице, но остается экзотикой для западного глаза. Наши дизайнеры предпочитают использовать латиницу в своих плакатах, вывести кириллицу на международную орбиту пока не удается.
Как это удалось иранским дизайнерам – загадка. Как вообще оказалось возможным появление дизайна уровня мировых, то есть, по-существу, западных стандартов в стране, где запрещена трансляция западной музыки и показ западных фильмов, в стране с антизападной внешней политикой, с жесточайшей цензурой средств массовой информации и смертной казнью как средством управления обществом?
Abedini Reza
И в то же время – еще один парадокс: иранское государство не жалеет денег на культуру. В стране проводится невероятное количество фестивалей искусств, в том числе – несколько плакатных биеннале и крупных дизайнерских конкурсов. Большие средства вкладываются в развитие иранского кинематографа, в котором преобладает занимающее прочные позиции на международной арене арт-хаусное кино. Причем к работе над титрами фильмов привлекаются лучшие дизайнеры-графики страны. Кстати, практически все они занимаются параллельно несколькими видами творчества: мультипликацией, видео-артом, фотографией, книжной иллюстрацией, сценографией, интерьерным дизайном, скульптурой, живописью, графикой, не говоря уже о каллиграфии, которая входит в обязательный джентльменский набор образования и творчества каждого дизайнера.
Иранский плакат тоже имеет сложный состав. В основе даже самых лаконичных работ лежит микс изображения и текста, типографики и каллиграфии.
Hesaraki Alireza
Иранская типографика по своей рукотворной природе каллиграфична. Причем, редко когда арабское письмо выступает само по себе, обычно оно фигурирует на плакатах вместе с латинскими строками. Композиционное взаимоотношение англоязычных текстов и строчек на фарси – почти всегда «парное катание», продуманное созвучие, построенное на понимании их естественной разницы, а не параллельное сосуществование как у нас, в нашем извечном состязании кириллицы и латиницы.
Текст в иранском плакате часто размещается не рядом с изображением, «картинкой», а внутри него: темным шрифтом по светлому изображению, вывороткой по темной картинке. Казалось бы, свободного фона вокруг – пиши, не хочу. Но нет – тексты льнут к картинке, попадают в ее ласковые сети, а то и вовсе растворяются, тонут в ее утробе, улавливающей, засасывающей, поглощающей текст. И фон вокруг становится уже не пустой белизной или чернотой модернистского космоса, а живой средой, заполняющей собой все пространство
Налицо явные признаки постмодернистской парадигмы. Так что иранский плакат можно считать первой оформившейся национальной школой эпохи постмодернизма. Но чем иранский плакат отличается от постмодернистских художественных явлений, так это качеством, которое называют «сильной проектностью». Иранская типографика – горячая алхимическая лава действующего вулкана. Супергерой мирового дизайна, член жюри «Золотой пчелы 10» Алан Ле Кернек, побывавший в Тегеране, был поражен: «Там такая энергетика!» И добавил неожиданно для меня: «Это так похоже на Россию!»
Подспудное влияние на формирование иранского дизайна оказал, несомненно, ислам. Не только потому, что это заведомо горячая религия. Запрещая изображения, ислам веками культивировал неизобразительную выразительность абстрактного характера, элементарную геометрию, наполненную символикой. Для модернистского дизайна такой визуальный язык – родной. Кстати, среди немногих иностранных культурных явлений, для которых государственная цензура делает исключение – русский конструктивизм. А для постмодернистского графического дизайна важно другое – традиция изобразительной трактовки самого текста, превращения его в «картинку», как оно нередко происходит в исламской каллиграфии.
Kamali Rasool_
Иранская школа – явление не анонимное, она состоит из ярких личностей со своими собственными творческими концепциями и уникальными почерками. Иранские плакаты образуют узнаваемую, целостную систему, но в то же время несут на себе черты индивидуальности каждого мастера.
Старшее поколение иранских дизайнеров-графиков – Садек Барирани, Ибрагим Хагиги, Фаршид Месгали, Гобад Шива. Огромным авторитетом пользовался Мортеза Момаез, который был основателем Общества иранских дизайнеров-графиков IGDS, президентом Международной тегеранской биеннале плаката, соучредителем и главным редактором журнала «Neshan», ведущего дизайнерского журнала. Я помню, как меня поразили в Интернете кадры с его похорон. Народа на них – как на хорошей демонстрации, человеческий поток уходил за горизонт.
Звезды среднего поколения, вошедшие в профессию в 90-е, одновременно с наступлением цифровой эпохи – Реза Абедини, Саед Месхи, Масуд Нежбати, Бижан Сайфоури, Мехран Замани и другие. Это они подняли иранскую волну на международных фестивалях, биеннале и конкурсах, завоевывая различные награды на мировом уровне. Маджид Аббаси, куратор выставки «Persiannisimo» и член жюри «Золотой пчелы 10», принадлежит как раз к этой амбициозной генерации.
Молодое поколение олицетворяют собой такие дизайнеры как Аря Касаей, Хома Делварай, Фархад Фозоуни, Педрам Харби, Иман Раад, Мехди Саиди, Париса Ташакори. Им принадлежит будущее иранской школы плаката. А у нас есть все резоны внимательно наблюдать за ней.
Первая публикация: Сергей Серов. Иранская школа плаката. – INTERNI 2012, ноябрь.
Если вы присматриваетесь к профессии графического дизайнера, но пока не решили: «моё — не моё», «потяну — не потяну», рекомендую вам пройти тест на выявление ваших скрытых способностей. Точность прогноза моего теста составляет около 90%, то есть, после его прохождения я с 90% уверенностью могу вам сказать, стоит вам начинать учиться дизайну, или вы впустую потратите время . Тест бесплатный. Действуйте!
30 октября 2018 года в Бруклинской академии музыки, прошла очередная презентация Apple. Помимо новых iPad Pro и MacBook Air, компания приготовила нечто удивительное. Это была экспозиция из четырёх сотен дизайнерским высказываний на тему своего культового логотипа выполненных в разных техниках и стилях. Часть коллекции можно посмотреть здесь:
В конце 60-х, двое молодых студентов Королевского колледжа искусств Торгерсон и Пауэлл тусовались с экспериментальной группой Pink Floyd, и те по-дружески попросили их придумать обложку для своего первого альбома. Молодые люди в то время учились один – кинопроизводству, другой – живописи и для проявки фотографий, могли использовать тёмную комнату своего колледжа.
Оговорюсь, что графический дизайн до появления PC (в 1985 г.) был весь на основе фото коллажа и требовал кучу аппаратуры и главное – тёмную комнату для проявки и печати. Так что после окончания учёбы, молодым людям пришлось обзавестись собственной тёмной комнатой. Сначала они обустроили небольшую проявочную в ванной Пауэлла, а потом, в начале 1970-х годов, арендовали отдельное помещение и перебрались туда. С этого момента началась официальная история дизайн- студии, которой предстояло вписать своё имя золотыми буквами в анналы истории графического дизайна XX века…
Арендовав помещение, Торгерсон и Пауэлл сразу же придумали себе название «Hipgnosis». Слово им понравилось не столько из-за созвучия с «hypnosis» (гипноз), а скорее из-за необычного сочетания слова «hip» (новый, модный) с гнозисом, обозначающим высшее эзотерическое знание.
Пик популярности дизайн-студии «Hipgnosis» пришёлся на 1973 год, когда ими была спроектирована обложка для альбома The Dark Side of the Moon группы Pink Floyd. Дизайнеры представили группе несколько вариантов. По словам барабанщика Ника Мэйсона, дизайн с призмой-пирамидой оказался наиболее подходящим и был единогласно принят. Альбом имел огромный успех, побил все рекорды по продажам, а обложка, спустя пару десятилетий, была признана одной из лучших за всё время существования музыкальной индустрии. С тех пор студия снискала славу. Ей поступали заказы от таких музыкальных коллективов, как Led Zeppelin, The Rolling Stones, Genesis, UFO, Black Sabbath, AC/DC, The Alan Parsons Project и др.
Сторм Торгерсон
Примечательным обстоятельством является тот факт, что «Hipgnosis» никогда не требовали за работы над оформлением альбомов какие-то конкретные суммы, предоплаты и т.д. , оставляя заказчикам право платить в зависимости от того, насколько им понравился результат. Большинство созданных ими за 10 лет образов стали культовыми, наметив пунктиром основные тренды развития дизайна музыкальной обложки на четверть века вперёд.
По сути Торгерсон и Пауэлл создали новый жанр в графическом дизайне. Если смотреть на работы коллектива через призму концепции функционального дизайна, дизайн «Hipgnosis» можно отнести к типичному постмодернизму, с его мистической заумностью, эклектичным смешением образов, приёмов и техник.
«Hipgnosis» прекратил существование в середине 80-х, одновременно с уходом с рынка винила и заменой его CD.
А в апреле 2013 года умер создатель студии Hipgnosis Сторм Торгерсон. Ему было 69 лет.
Лет 15 назад, когда я ещё служил арт директором в глянцевом журнале, моя подружка привезла из Франции, купленный на блошином рынке, сильно истрёпанный, но заботливо упакованный в целлофан номер журнал Hara Kiri, самого начала 70-хх. Я, после того как полистал его, был просто обескуражен. Видел я разное, но с таким «хардкором» встретился первый раз. Это был коктейль, какого то адского цинизма с элементами слабо прикрытой порнографии. При этом журнал предназначался не мужчинам с сексуальными девиациями, типа «Досуг холостяка», а был, то, что называется политико-юмористическим, чем то на подобии советского «Крокодила».
Hara-Kiri, 1963
В момент, когда Hara Kiri попал мне в руки в начале 2000-х., в своей родной Франции он уже лет 15, как тихо скончался. Он был закрыт по неожиданно банальным причинам в 1986 году. Хозяин названия Жорж Бернье продал его (название) производителям молодежной одежды, после чего, лишившись оригинального имени, «Hara-Kiri» разорился. А между тем, история журнала, которая началась в 1960 году, достойна того, чтобы быть экранизирована, потому что это одна из наиболее ярких и трагических историй мировых медиа прошлого столетия.
В 70-хх Hara Kiri был пожалуй самым скандальным изданием среди французских и мировых сми. Лозунг на обложке гласил «глупый и злой». Первый запрет на его продажу был вынесен французским правительством после того, как таблоид поглумился над смертью бывшего президента Франции Шарля де Голля в ноябре 1970 года. Парни из Hara Kiri решили, что освещение в прессе его кончины было чрезмерным по сравнению с умолчанием о смерти 146 молодых людей, погибших при пожаре в Парижском клубе Cinq-Sept за несколько дней до похорон де Голя … и оторвались по полной. В последствие журнал не раз закрывался властями и открывался снова.
Журналисты Hara Kiri как то нарочито дразнили публику, провоцируя скандалы. Страницы издания изобиловали всякой жёсткой запрещенщиной, сексом, рекламой в духе «Если вы не можете купить эту машину – украдите её», призывами сделать себе харакири после прочтения очередной статьи, насмешками над жертвами ураганов, авиакатастроф и тоталитарных политических режимов. Меня развеселила реклама журнальной подписки. Перевод такой: «ни в коем случае не подписывайтесь на наш журнал, мы его вам всё равно не пришлём» + купон подписки. Создателю Hara Kiri Франсуа Каванна с его отчаянной командой было глубоко плевать на всех богов и чертей сразу, на решительно всех президентов и особенно на чувства читателей – за что собственно свободолюбивая Франция его и ценила. Сергей Пархоменко — российский издатель и журналист писал о Кованна: «ко всему окружающему они относились с единственным принципом “нихера святого!”.
Франсуа Каванна с командой Charlie Hebdo (крайний справа)
Каванна, после закрытия проекта сконцентрировал весь свой свободолюбивый гений на издании Charlie Hebdo, туда же перешли и основные авторы. 1 марта 2006 года Charlie Hebdo опубликовал «Манифест двенадцати» против нового тоталитаризма — исламизма, новой мировой угрозы для демократии, фашизма, нацизма и сталинизма, а 7 января 2015 года в ходе вооружённого нападения на офис редакции в Париже были убиты 12 человек – все ключевые сотрудники журнала. О Charlie Hebdo я писал в своём блоге несколько лет назад.
Но это немного другая история… А сейчас я хочу вернуться к Hara Kiri и порадовать вас «весёлыми» картинками из 70-хх. Некоторые, наиболее “жёсткие” обложки, которые прикопаны в моих архивах, я не решился публиковать, чтобы не нарваться на неприятности от какого нибудь “Госпорнонадзора”… Но у вас есть Google, ведь верно?
Антропоморфные кошки, заколотые кинжалом лягушки, насекомые, танцующие в лунном свете, сюжеты слабо ассоциирующиеся с привычной Рождественской открыткой сегодня. Однако еще в 19-м веке в Британии, во времена королевы Виктории, не было ничего необычного в том, чтобы отправить по почте к Рождеству родственникам открытку с изображением мертвой синички, с эпитафией “Пусть твое Рождество будет радостным”…
Так называемый “Викторианский стиль” доминировал в полиграфическом дизайне не только Англии, но и Европы и России примерно с 20-хх годов XIX века до 1900 года, значительно дольше фактического царствования королевы Виктории. Это был один из последних больших “классических” стилей домодернистской эпохи. Викторианский стиль стал разгулом показного богатства. Расцветала и всячески поощрялась тяга к декорированию, основанному на классических формах, в первую очередь образцах живописи и декоративного искусства XVIII века. Суть Викторианской эстетики можно выразить словами одного искусствоведа, современника эпохи: “В маскараде – вся прелесть жизни!”. Брызги этой стилистики порой долетают и до нас в виде котиков, кроликов и розовощёких младенцев, которыми так изобилует Интернет.
Маскарадность и чудачества были характерны для времен королевы Виктории. Но откуда взялись эта странная рождественская иконография, и что она означает? Английские историки графического дизайна разводят руками, расписывая в том, что расшифровка смысла большинства этих открыток сейчас уже невозможна. Единственное, что доподлинно известно, что Рождество не праздновалось широко в начале 19-го века в Англии, в отличие от Европы и России, а привычная нам рождественская иконография, с румяным Сантой, оленями, санками и подарками, стала складываться лишь в самом конце 19-го века.
Если верить BBC, первая Рождественская открытка в Англии была выпущена в 1843 году, но стоила она довольно дорого для среднего англичанина. И в 1880 году соединённое Королевство взяло производство открыток под свой контроль и уже через год их произвели 11,5 миллионов штук. Естественно, сюжеты стали цензурироваться, вместо всякого «мракобесия и сатанизма», стали появляться иллюстрации более приличные празднику. Однако, по какой-то неясной причине, сюжеты открыток целенаправленно отстранялись от церкви, избегая изображения Божественного рождения и других Евангельских сюжетов и сцен, отдавая предпочтению фантазийным мотивам, порой, на наш современный взгляд, абсолютно бредовым.
Предлагаю вашему вниманию небольшую Рождественскую коллекцию из моих запасов.
