Хотите уйти на фриланс? Есть решение!
Добавить комментарий
Архив метки: Romashin Design SCHOOL
О ШКОЛЕ АЙДЕНТИКА
Всем Привет. Сегодня я хочу рассказать о своей школе Айдентика, которой в этом году исполняется 5 лет. Более 500 учеников из России Европы и Америки обучились у меня профессии бренд-дизайнер. Почему 5 лет назад я начал преподавать именно айдентику?
Сначала пару слов об айдентике, как о специфическом направлении коммуникационного дизайна. Для многих более привычным является термин фирменный стиль. Но современная концепция айдентики выходит далеко за границы фирменного стиля. Это скорее ряд приёмов, которые делают бренд узнаваемым, отличают его от других, и главное – приводят его визуальную оболочку в соответствие с ценностями и идеями компании. Айдентика — это не просто логотип, визитка, или принт на майку, это – сложный инструмент влияния, который в идеале должен вызывать у зрителя строго определённую реакцию.
Профессионально сделанная айдентика источает какие-то флюиды гармонии и порядка, причём, эти флюиды улавливаются и дизайнером, и работником шиномонтажа и бизнесменом. Даже не искушённый, «дикий» потребитель, на интуитивном уровне может отличить профессионально сделанную айдентику от дилетантской. Дизайнер, овладевший профессиональными секретами, автоматически превращается в бренд-дизайнера, в специалиста способного управлять потребительскими симпатиями и проносить компании прибыль. Собственно, этим секретам я и обучаю в своей школе.
Для кого 5 лет назад я создавал её? В первую очередь для дизайнеров-самоучек, которые остановились в саморазвитии, топчутся на месте и которым нужен «волшебный пинок» для того, чтобы профессионально вырасти, повысить самооценку и увеличить стоимость своего чека. Подавляющее большинство дизайнеров на рынке – «самоучки». Почему так? Во-первых, профильные вузы не способны удовлетворить растущую потребность рынка в специалистах, этих вузов просто мало. Во-вторых, дизайн образование – очень дорогая история, предположу, что одна из самых дорогих в списке творческих профессий. И это не только российская история, диплом дизайнера стоит запредельных денег во всём цивилизованном мире. Поэтому появилась так называемая концепция безостановочного образования. Следуя ей, мы должны учиться постоянно, приобретая именно те компетенции, в которых нуждается динамично меняющийся рынок. Научились чему-то – продали приобретённый навык, получили деньги и часть их инвестировали в доп. образование. И так, пока наш мозг не потеряет способность учиться, усваивая новое.
Что могу предложить вам я, как автор учебной программы и ведущий педагог школы Айдентика?
- Вы получите востребованную рынком профессию с мощным карьерным потенциалом.
- Узнаете, как соединить дизайн с маркетингом, потребительской психологией и позиционированием бренда.
- Научитесь управлять собственной креативностью, создавая точные визуальные образы, выстраивая для клиента эффективную коммуникацию с потребителями.
- Узнаете, как упаковывать свой проект, чтобы он выглядел «на миллион».
- Научитесь проектировать, и самое важное – получать удовольствие от этого.
Вопрос – сколько можно зарабатывать на айдентике? Не буду обещать вам золотых гор, это не совсем честно. Гонорары могут отличаться в 2, 10 и даже в 50 раз. Сколько будете зарабатывать лично вы, в большой степени будет зависеть от качества вашего портфолио и навыков личных продаж. Продажа дизайна — это то же, что продажа пианино, мотоцикла или слона, только сложнее. Кстати, в последней редакции курса появился модуль по теме личных продаж и управления карьерой. Этот модуль – концентрат моего личного многолетнего опыта работы в качестве арт-директора и фрилансера. Вся эта информация необходима, для того чтобы ваша работа, сразу после окончания курса, стала осмысленной, а проектный процесс максимально эффективным.
Если вы дизайнер или просто интересуетесь этой темой, то вам скорее всего попадались на глаза предложения от разных школ, обучающих дизайну. Их, онлайн школ, на самом деле в последние годы появилось множество. Чем мой кейс отличается от большинства?
Первое – это образование «из первых рук», то есть я лично занимаюсь с вами и веду к результату, вношу правки, объясняю, что не так и почему.
Второе – никакой воды и пустых разговоров. Все лекции записаны в видео формате и отредактированы, это более 10 часов уникального контента. Кстати, доступ к лекциям для участников школы сохраняется навсегда, к ним можно вернуться в любой момент и пересмотреть.
Третье – никаких групповых занятий, с каждым учеником я занимаюсь лично.
По окончании курса, все участники получают приглашение в профессиональное закрытое комьюнити в Телеграмм, где могут обсуждать интересующиеих профильные темы, делиться опытом и задавать вопросы . Я оказываю поддержку не только вовремя учёбы, но и после её окончания.
Если вы дочитали до этого места, то у меня к вам несколько вопросов:
- Вы хотите научиться профессионально проектировать айдентику?
- Хотите увеличить свой чек в 2-3 раза?
- Хотите начать работать и зарабатывать на фрилансе?
Если вы ответили положительно на 2 из 3 вопросов, то ссылка на сайт моей онлайн-школы Айдентика вот, залетайте! https://school.romashin-design.com/
Курс длится 3 месяца. За это время, вы выполните ряд креативных заданий, и в финале спроектируете полноформатный фирменный стиль. Кстати, посмотреть работы учеников, прошедших курс и почитать их отзывы можно там же: https://school.romashin-design.com/
Если вы хотите задать вопрос, или что-то уточнить – пишите на почту aromashin@gmail.com обязательно отвечу. Всем мира, добра и делайте дизайн!
Взбалтывать, но не смешивать
Приветствую своих подписчикав! Хочу поделиться новой лекцией, в ней я рассказываю, как менялись правила типографики за последние 300 лет и какие выводы мы — практикующие дизайнеры должны сделать для себя из всей этой увлекательной истории.
Типографика — это длинный свод законов, правил и запретов при работе с текстом. Этот свод увеличивается во много раз вследствие того, что не существует какой-то одной типографики. Типографик много. За время развития европейского книгопечатания, произошла смена трех эстетических систем. Это классическая система (XV — начало XX века), модернистская (почти весь XX век), и, наконец, — постмодернистская (с конца XX века).
Все эти системы до сих вполне рабочие и мы обращаемся к одной второй или третей исходя из проектных задач, стоящих перед нами. Можно ли отдельные ингредиенты типографических систем смешивать и в какой пропорции? Тыц по ссылке: https://youtu.be/d-LWZjdnues
Все мои лекции на Youtube>>> Перейти в YouTube
МАССИМО ВИНЬЕЛЛИ О ДИЗАЙНЕ
Массимо Виньелли – американский дизайнер докомпьютерной эпохи с итальянскими корнями, работавший в различных областях, от проектирования общественных пространств до рекламы и айдентики. В 70-е годы разработал фирменный стиль и систему визуальной ориентации Нью-йоркского метро, сделавшего его культовой фигурой американского рынка дизайна. Был убеждённым модернистом швейцарского разлива. Умер в 2014 г. в возрасте 83 лет в своем доме в Нью- Йорке, оставив после себя, помимо совершенного дизайна, много мудрости в виде цитат из своих статей и интервью. С некоторыми из них хочу вас познакомить. Не благодарите)
Хороший дизайн — вопрос дисциплины. Он начинается с анализа проблемы и сбора всей доступной информации. Если вы понимаете проблему, у вас есть решение. Это больше логика, чем воображение.
Жизнь дизайнера — жизнь в борьбе против уродства. Дизайнер как врач борется с болезнью. Визуальная болезнь повсюду вокруг нас, и мы пытаемся вылечить её при помощи дизайна.
Стили приходят и уходят. Хороший дизайн — это язык, а не стиль.
Если вы можете спроектировать что-то одно, вы можете спроектировать все.
Сделать дизайн вне времени можно если вы смотрите в суть вещей, а не на их внешний вид. Оболочка временна зависима от моды, а суть вечна.
Первая вещь, которую нужно прояснить клиенту — что вы здесь не для того, чтобы удовлетворять его желания, а для того, чтобы удовлетворять потребности.
Я вижу графический дизайн как организацию информации, которая семантически верна, синтаксически постоянна и прагматично понимаема.
Общество знакомо с плохим дизайном лучше, чем с хорошим. Именно из-за этого люди предпочитают плохой дизайн хорошему. Они слишком сильно сжились с тем, что есть. Всё новое начинает пугать, а старое их утешает.
Всех, кто ещё не знаком с моим каналом на Youtube, оставлю здесь ссылку: https://www.youtube.com/c/АлексейРомашин . Там вы найдете много любопытного по теме дизайна, брендинга и личной карьеры. Всех благ и делайте дизайн!
Можно ли управлять собственной креативностью?
Привет. Сегодняшний мой пост посвящен проблеме всех занимающихся и увлечённых дизайном, проблеме: как заставить свой мозг генерировать яркие, способные волновать идеи. Идеи, за которые клиент будет готов платить вам премиальную наценку и всячески вами восхищаться.
Креативность — это навык мыслить нестандартно. Опираясь на него, мы проектируем товарный знак и логотип, создаем слоганы для рекламных кампаний, придумываем имена для продуктов, короче — участвуем в создание дополнительной ценности товара для того, чтобы бизнес мог его дороже продать. Под креативностью я понимаю в первую очередь навык дизайнера работать в условиях неопределенности, выполняя сложные задачи, требующие творческой импровизации и драйва.
Существует множество креативных технологий. Я знаю восемь, в проектировании пользуюсь — тремя. Это brainstorming, или мозговой штурм, это интеллект-карта, она же технология Тони Бьюзена, и моя собственная методика — “принудительного связывания”. Всех, кому интересно погрузиться в эту тему поглубже, залетайте на мой образовательный канал на Youtube и подписывайтесь.
Дизайнер с минусовой креативностью, постепенно превращается во что-то на подобии «водителя мыши», в безынициативное существо, механически исполняющее команды заказчика. «От меня ничего не зависит», «инициатива наказуема», «где привязали — там и лай». Психологи для описания такой жизненной установки, используют термин «выученная беспомощность». Постепенно, процесс проектирования, который должен приносить радость, начинает дизайнера напрягать … «Как выйти из состояния полусна и начать креативить» — это вопрос часто задают мне ученики.
И опытные проектировщики и новички знают, что креативность в графическом дизайне — это синоним успеха, и финансового в том числе. Либо ты креативен и светишься всеми огоньками, как ночной Лас-Вегас. В этом случае бизнес тебя ценит, и готов платить премиальную наценку. Либо ты — тусклая лампочка в подъезде, еле-еле освещающая площадку перед мусоропроводом. Тебе ничего не остаётся, как медленно выгорать, делая унылую, однотипную работу, растягивая деньги от аванса до подсчёта.
Поверьте мне, что креативность в графическом дизайне, это не столько состояние души, или врождённый талант, сколько технология. Навык управления креативностью принадлежит к высокопрофессиональным навыкам и, как высокопрофессиональный навык, он тренируем.
Профессионально отлаженный креативный процесс выглядит следующим образом: на этапе постановки проблемы активно сознание, на этапе генерации творческой идеи — бессознательное, а отбором и проверкой правильности решения вновь занимается рациональное сознание. В процессе работы нам необходимо научиться задействовать по очереди то правое, то левое полушарие мозга, активизируя попеременно то логический, то творческий наш потенциал. Думаете сложно?
Ещё как сложно! И сложность состоит в том, что правое полушарие мозга, отвечающее за абстрактное мышление, за образы и впечатления, у нас спит, а просыпается, как это не забавно звучит, только во сне. Большую часть своей жизни мы проводим с работающим левым полушарием, которое отвечает за конкретное и рациональное. Креативность же требует попеременного использования то правой, то левой половинки мозга и это принципиально важно.
Дизайнеры постоянно ищут технологии, создают какие-то собственные ритуалы, которые помогают обеспечить этот самый бинарный режим работы мозга. Кто-то прикалывается на ходьбу, кому-то нравится горячий душ, кому-то даже удаётся задействовать творческий ресурсы мозга в моменты тонкого сна, во время пробуждения, кто-то экспериментирует с алкоголем, кто-то с фармакологией…
Сегодня я хочу предложить вам выполнить упражнение, которое поможет нащупать ту грань в вашем воображении, где заканчивается обыденное и банальное и где начинается по-настоящему креативное.
Ну что, готовы?
Разминочка: Выберите предмет, визуализируйте его в воображении, к примеру «кроссовки». Найдите 10 описательных прилагательных, органичных этому предмету: модные, дышащие, для бега, детские и т. д. Готово? Теперь придумайте еще 10 прилагательных, которые абсолютно не подходят для описания «кроссовок». Например: «обезжиренные», или «застенчивые» … Попробуйте. Обнаружите, что выполнить это задание не так уж и легко. Покопайтесь в своём восприятии и найдите нужные слова. Слова оформите в виде списка.
Теперь порисуем. Всем нам известен символ несчастной любви. Это очень узнаваемое изображения сердечка, пронзённого стрелой. Иногда, для усиления месседжа, ещё дорисовывают капли крови, стекающие с наконечника стрелы. Вспомнили?
А теперь задание: придумайте и изобразите символы любви: крепкой, корыстной, духовной, «до гроба» и какой-то своей, личной (к котикам, к дизайну, к алкоголю и т.д.) В результате должно получиться 6 значков. Рисуйте как можно проще, не пользуйтесь цветом, изображение должно быть чёрно-белым без объёма. В работе лучше использовать маркер или линер.
Покажите работы друзьям. Смогут они расшифровать ваши визуальные высказывания? Все 6, или только 4, или 2? Если друзья расшифровали все 6 — вы молодец, и я снимаю перед вами шляпу. Всех благ и делайте дизайн!
Алексей Ромашин. Эксперт блог-платформы Medium Руководитель онлайн школы Айдентика
ТРИ МЕНТАЛЬНЫХ ПРЕПЯТСТВИЯ ДИЗАЙНЕРА
Я уже несколько лет переписываюсь с молодыми дизайнерами. Целью этой переписки было чуть глубже понять их проблемы, чтобы правильно заточить учебную программу. На сегодняшний день мне пришло более 2-х сотен писем. Проблемы молодых дизайнеров-самоучек можно описать в виде 3-х ментальных препятствий, с которыми в процессе работы они сталкиваются.
Препятствие первое – не могу придумать. Откуда брать качественные идеи, как заставить свой мозг их генерировать? Чаще всего они делают ставку на вдохновение. Более опытные дизайнеры создают какие-то собственные ритуалы, которые помогают обеспечить приток этих самых идей. Молодёжь чаще просто делает кальки с работ своих более креативных коллег
Окей, предположим, вам удалось преодолеть и это препятствие и бомбическая идея у вас в кармане. Идея в кармане, ну, то есть в голове, но как перенести её из головы в компьютер? Тут вы сталкиваетесь со вторым препятствием – не могу изобразить. Дело в том, что проект в нашем воображении, довольно мутный, лишённый конкретики, и когда вы начинаете его отрисовывать в векторе, дистанция между воображаемой моделью и тем, что происходит у вас на экране, всё увеличиваться и результат, всё меньше становится похож на то, что вы придумали. Знакомая ситуация?
Окей, предположим, что вы справились и с этим. Что дальше? А дальше вы упираетесь в третье препятствие – не могу скомпоновать. Дело в том, что пространство нашего воображения не имеет чётко очерченных границ. Придуманный нами дизайн в нашем воображении как бы живёт в пустоте, в отличие от реального дизайна, который имеет строго определённый формат, преимущественно прямоугольный. Это – визитка, буклет, плакат, упаковка, проклятые прямоугольники! Как впихнуть наш логотип в формат, чтобы он занял своё единственно правильное положение?
Если вы не смогли придумать, либо не смогли изобразить, либо не справились с композицией, то, скорее всего, вы – в пролёте. Любой, даже самый дикий, не знающий всех дизайнерских тонкостей и нюансов заказчик, всё равно увидит, что что-то не то, и начнёт мучить вас бесконечными переделками, что довольно часто заканчивается затягиванием проекта, а иногда и просто отказом заказчика его продолжать и соответственно отказом платить вам деньги. Всё это сильно отравляет жизнь и способно даже разочаровать в профессии…
Я много раз беседовал с молодыми дизайнерами, у которых по отношению к заказчику сформировалась устойчивая фобия. У них был ко мне один вопрос: «занимаясь графическим дизайном, и айдентикой в частности, можно ли в принципе, получать удовольствие или это постоянное вымораживание и нервотрёпка?».
От графического дизайна можно и нужно получать удовольствие! Занимаясь им, можно получать не только удовольствие, но и достойные деньги. Ну, разумеется, если вы работаете в профессиональной лиге, а не в качестве чернорабочего.
Пускай простят меня чернорабочие и не заподозрят в снобизме. Я отдаю себе отчёт в том, что кто то должен приходить в контору на рассвете, уходить с неё в полночь и не поднимая головы фигачить быстрый и дешёвый дизайн по брифу заказчика. Я для себя давно выбрал принципиально другую модель профессии. Как обозвал её Артемий Лебедев: «Долго, дорого, офигенно»… (последнее слово я изменил из цензурных соображений).
Уместен вопрос, как попасть в профессиональную лигу? Ответ до банального прост – надо учиться и надо меняться. Необходимо поглощать гигабайты информации, и торопиться всё это делать вовремя, помня о том, что с годами наш интеллектуальный метаболизм снижается, и после определённого возраста учиться будет поздно.
Если не углубляться в детали, можно сказать, что главная задача моей 3-х месячной онлайн школы Айдентика, научить уверенно преодолевать эти 3 препятствия. То есть, через 3 месяца вы научитесь придумывать, проектировать и упаковывать фирменный стиль на профессиональном уровне.
Оговорюсь, что я с пониманием отношусь к молодым людям, которые предпочитают бесплатное образование платному, читают какие-то материалы на профильных сайтах, скачивают какие-то уроки с Ютуба. Молодцы! Самообразование – это лучше, чем праздность и прозябание, однако, должен вам сказать, что, к сожалению, стать профессионалом в графическом дизайне по видео лекциям и pdf книжкам –НЕВОЗМОЖНО. Почему? Всё дело в том, что в видео-уроках отсутствует самое важное – обратная связь с учителем. Только во время обсуждения и устранения косяков педагогом происходит настоящая учёба.
Подробнее о школе «Айдентика» и её программе я расскажу вам в следующем посте, а пока приглашаю вас просто зайти на её страничку. Там можно посмотреть работы учеников и почитать их отзывы: https://school.romashin-design.com/
А на сегодня у меня всё. Всех благ и делайте дизайн!
ВИЗУАЛЬНЫЙ ЯЗЫК ДИЗАЙНА
Идея, что дизайнер по сути является переводчиком смыслов с языка вербального на язык визуальной, не нова и не нова уже лет так 50.
Возможно, что недостаточное понимание российским бизнесом подлинной роли графического дизайнера в маркетинговых коммуникациях не позволило в полной мере прижиться у нас понятию коммуникационный дизайн, однако же на Западе, communication design – наиболее привычное наименование профессии.
Визуальный язык- самый эффективный по психологическому воздействию из всех синтетических языков. Профессионалы пользуются термином – визуальный текст. В каком-то смысле всё, что делает дизайнер является визуальным текстом, вне зависимости от того в какой области дизайна он трудится – в айдентике, вэбе, или в рекламе.
Не нуждается в доказательстве то, что даже в рамках одного словаря, визуальные языки могут серьёзно различаться. С помощи одного мы признаёмся в любви, при помощи другого мы ругаемся с соседом по дому, который хочет занять наше парковочное место. Так же и в дизайне.
Мои видео лекции на Youtube>>> Перейти в YouTube
ЯЗЫКОВОЕ ПОВЕДЕНИЕ
Графический язык универсален, если он базируется на единых внутренних нормах организации визуального текста. Каковы эти нормы? Их множество. Порой целой жизни не хватает дизайнеру, чтобы все их выучить и освоить, сегодня я расскажу вам об одном из них.
Наш сегодняшний разговор об отношениях. Оговорюсь, что речь не об отношениях между заказчиком и дизайнером. Это очень важный аспект дизайнерской жизни, но мы ни об этом. Сегодняшний разговор о композиции в дизайне с точки зрения внутренних отношений элементов.
С точки зрения теории визуальной коммуникации, наше восприятия отношений между графическими элементами, cвязано с нашим художественно эмоциональным опытом. Незнание или непонимание базовых законов композиции серьёзно тормозит дизайнера в его развитии, подталкивая тупо делать кальки с работ более опытных и успешных коллег. Беда в том, что копирование не тренирует его собственное визуальное мышление и он вынужден выступать на рынке в той или иной степени ловкими копиистом и не более того.
КОМПОЗИЦИОННЫЕ ОТНОШЕНИЯ
Композиционные отношения в дизайне строятся на принципе подобия и на принципе различия. Это достаточно просто понять, достаточно обратиться к житейскому опыту. Мы знаем что межличностные отношения могут быть построены на сходстве взглядов и привычек людей, а могут – на их различии. Отношения различия несут в себе элемент конфликта, при этом надо заметить, они также не исключают взаимную привязанность и любовь. Точно так же и в дизайне: качественную композицию мы можем выстроить как следуя правилу подобия, так и следуя правилу различия. Два этих метода мы ни в коем случае не оцениваем в разрезе правильно – не правильно. Опираясь на другой принцип, называемый “принципом сообразности”, мы можем оценивать их только исходя из критерия – какая модель более подходит для решения конкретной проектной задачи, а какая менее.
Начнем с принципа подобия. Подобие – это частичное сходство. Подобные элементы композиции должны иметь один или несколько общих родовых признаков. Самый очевидный способ создать композицию на принципах подобия -это найти и применить для элементов единый принцип формаобразования. Объясню на примере.
ОТНОШЕНИЯ ПОДОБИЯ
Посмотрите на эти две фигуры. Они не тождественны, но подобны так как обе имеют мягкий дружественный контур, 
напоминают облака или холмы на горизонте.
А вот фигуры совсем с другим характером. Контур рваный, агрессивный напоминающий полковое знамя после боя. Мы без особых усилий улавливаем общие, родовые признаки в обоих композициях.
При необходимости мы можем усилить эффект подобия, добавив ри
тмический приём. В этом случае мы начинаем ощущать что все элементы расположены, стоят или двигаются по одному закону.
Тони Фостер
Вот два логотипа культового британского дизайнера 90-х. Тони Фостера. Все элементы логотипа имеют ярко выраженный родовой признак, они как бы сделаны из одного и того же пластичного материала, и, подчиняясь одному физическому закону, они двигаются в одном направлении, либо по кругу, либо по кривой, образуя максимально гармоничную, логичную композицию.
Эндрю Лайт
Или пример из книжного дизайна. Автор Эндрю Лайт, США. Оцените, как фигура мужчины, несущего на плече девочку, по сути превращается в элемент типографики, как бы продолжая строку, каллиграфически выполненного заголовка. Характер рукописного шрифта и контур мужчины так же пластически тождественны. Очень профессиональная работа, кстати, удостоенная гран-при на международной бьеннале книжного дизайна!
ОТНОШЕНИЯ РАЗЛИЧИЯ
Рассмотрим как работают отношения различия. Эти отношения так же называются контрастом а элементы композиции, находящиеся в таких отношениях – контрастными парами. Мы берём по элементу из ранее демонстрировавшихся слайдов и компонуем на одном формате. Мы видим, что гармония между ними не просматривается. Элементы как бы конфликтуют. Какие качества появляются в новой композиции по сравнению с предыдущей? Появляется то, что называется “острота”. Эта “острота” активизирует какие-то участки нашего мозга порождая, волнение, возможно – тревогу и как следствие – нашу заинтересованность. Как утверждает гештальт психология, нам интересно всё то, что нас будоражит и тревожит. Эта острота, порой зашкаливающая эмоциональность на грани истерики – метод проектирования, сложившийся в эпоху постмодернизма. Он опирается на жесткое противопоставление: большое–малое, длинное–короткое, целое – рваное, прямое–кривое, то есть на эти самые отношения различия.
Петер Банков
Плакат моего товарища, гениального Пети Банкова сделанный им к юбилею Ф.М. Достоевского. В этом плакате конфликтует всё – шрифты, которые то классические, гротескные, то – рукописные и откровенно неряшливые. Фотопортрету Достоевского противопоставляется фантастическая композиция из гофрированных труб, напоминающая щупальца монстра в стиле стимпанк. Изображение на листе то растекается по плоскости, становясь абсолютно плоским, то вздымается объёмом, создавая суету и нервозную атмосферу, что, несомненно, созвучно раскрываемой Петей в плакате теме.
Или пример из современной айдентики. К сожалению не знаю автора, но его работу храню в специальной папочке The Perfect Logo. Как эксперт в области айдентики, могу сказать, что в этом логотипе нарушены все возможные классические законы знакообразования. Типографика никак не рифмуется с изображением этой странной птички с тремя ногами, типографика и знак абсолютно различны, они как бы из разных миров. Положение знака относительно шрифтового блока – так же попирает все классические нормы. По канону знак должен быть слева, так же как мы читаем текст слева направо. При всей странности этого проекта, у нас не возникает ни малейшего сомнения в профессионализме автора и более того, мы видим – что лого классное. Работа с отношениями различия в дизайне – это путь смелых и опытных, дизайнеров с прокаченной интуицией. Поэтому начинающим, я бы не рекомендовал этим увлекаться, велик риск оказаться не понятым.
Тем не менее, пробуйте, экспериментируйте, ищите свой собственный графический язык, но пока у вас не сформировалась безупречная художественная интуиция, все-таки я бы рекомендовал следовать и соблюдать классические правила визуального языка, и будет вам счастье. А я прощаюсь, делайте дизайн, подписывайтесь на мой канал и не забывайте ставить лайки.
НЕЙТРАЛЬНЫЕ ОТНОШЕНИЯ
Даниэла Кауф
Помимо описанных мной отношений подобия и отношений различия существует нейтральные отношения. Мы можем назвать отношения нейтральными, в случае, когда элементы композиции находясь в одном визуальном пространстве, существуют как бы сами по себе, между ними нет связи, нет притяжения. В принципе, с точки зрения классических канонов, такая композиция будет оцениваться, как слабая, ущербная. Но опять же вспомнив правило сообразности о котором я говорил чуть выше, мы можем изменить своё отношение к этой ситуации. Ведь если такой приём сообразен вашей проектной задаче и если такая композиция органично дополняет ваш месседж – то почему бы и нет? Замечательный польский плакатист Томашевский на одном из своих семинаров по искусству театрального плаката на вопрос молодого дизайнера, как найти правильное место для заголовка в плакате ответил: “Найдите самое абсурдное, самое невозможное место для заголовка и поставьте его именно туда”.
Пробуйте, экспериментируйте, ищите свой собственный графический язык, но пока у вас не сформировалась безупречная визуально интуиция, все-таки я бы рекомендовал следовать и соблюдать классические правила визуального языка, и будет вам счастье.
Более 15 лет я занимаюсь преподаванием дизайна в формате менторинга. Менторинг – это интенсивное онлайн обучение. Моя учебная программа охватывает основные аспекты работы коммуникационного дизайнера: айдентику – разработку знака и логотипа, типографику – работу с многостраничными изданиями, рекламный плакат и основы маркетинга. 10 месяцев обучения в моей школе примерно равняется 8 семестрам занятий в профильном вузе. Как такое возможно?
От традиционного формата “учитель-ученик”, помимо авторской программы, мой менторинг отличает особый дух братства, предполагающий признание общих ценностей и взаимоуважение. Я и приглашённые мной педагоги, не только обучаем технологиям и рабочим инструментам, мы делаем акцент на психологической составляющей процесса дизайн-проектирования. Мы разбираем ошибки и подсказываем способы их устранения, оказывая мотивационную поддержку и психологическую помощь в выстраивании отношений, как с будущим заказчиком, так и с самим собой, снимаем с ученика профессиональные зажимы.
Почитать подробнее о моём менторинге можно перейдя по ссылке: https://school.romashin-design.com/mentoring. Там же – работы учеников, закончивших школу и их отзывы. Всем удачи и делайте дизайн!
КАК ПОЛУЧИТЬ ПЕРВУЮ РАБОТУ
Кто то из культовых бизнес коучей сказал, что каждая новая ступенька карьерной лестницы – это ступенька нашей некомпетентности. Смысл этой сентенции в том, что по уму, нужно сначала получить работу, и только потом, “ввязавшись в драку”, обучаясь, избавляться от некомпетентности. Проектная работа – это бег по пересечённой местности. Можно сколько угодно топтать беговую дорожку в фитнес клубе, тренируясь, но выйдя на реальную трассу, вы скорее всего сразу выдохнитесь, потому что бег по пересечёнке и бег на месте – это ни одно и тоже. Стать востребованным рынком профессионалом, можно только находясь внутри проектной ситуации, с реальными заказчиками, дедлайнами, таймингами и нервотрёпками. Но в начале надо как то убедить работодателя в том, что вы ему подходите. Но как? Сегодня я поделюсь с вами несколькими секретами, как получить первую работу.
Каждый месяц курсы по дизайну заканчивают тысячи. Это вполне объяснимо. Многие хотят расстаться с нелюбимой профессией и стать дизайнером коммуникационным, UX, или продуктовым. Профессия манит, но суровая правда жизни состоит в том, что дизайнеров начального уровня, дизайнеров, которые только-только разобрались с графическим софтом и начали более-менее уверенно двигать мышью — намного больше, чем рабочих мест в данный момент времени. Дизайн всегда был чрезвычайно конкурентной отраслью. Найти работу, на которую вы имеете право претендовать, — одна из самых больших проблем, с которыми сталкиваются новички.
Начну с того, что для дизайнера, вне зависимости от того на чём он специализируется, на вебе или на брендинге, есть всего три стратегии для самореализации, три пути, это: пойти во фриланс, наняться в коммерческую компанию, которая имеет собственный рекламный отдел или присоединиться к дизайн студии.
Итак, рассмотрим плюсы и минусы каждой их трёх стратегий. Несомненным плюсом фриланса является то, что вы находитесь в ситуации относительного психологического комфорта. Можете ложиться спасть в два ночи, и просыпаться в полдень. Вы свободны в передвижениях, можете жить где угодно и работать откуда угодно, лишь бы был интернет. Минусом жизни фрилансера является нестабильный доход: то заказы есть, то их нет и мутная трудовая биографии. То есть, если вы захотите в какой то момент пойти в найм, вам будет сложно доказать эйчару, что эти год, или два, которые вы были на фрилансе, вы на самом деле занимались дизайном, а ни какой ни будь фигнёй. Ну и несомненным минусом этой стратегии являются приобретаемые дурные привычки: спать до полудня, работать по вдохновению, пить пиво посреди дня ну и подобные вольности. Хотя, между нами, спать до полудня – это прекрасно. Но выбор за вами, а мы двигаемся дальше.
Вторая стратегия – это уйти в найм в коммерческую компанию и обслуживать её потребности в дизайне. Сначала плюсы: стабильная ежемесячная зарплата – это хорошо, нормальная трудовая биография – плюсуем, имеется перспектива карьерного роста. Если компания серьёзная, то можно в будущем стать в ней арт-директором, но спать до полудня, как вы догадываетесь, у вас уже не получится. Минусом для вас будет чужеродная среда обитания. Вы будете общаться не с дизайнерами, а с менеджерами или в лучшем случае с маркетологами, что никак не будет способствовать вашему саморазвитию. Ну и ещё минус – однотипность решаемых вами задач, то, что называется – текучка. Сидишь и пилишь часами банеры для СММ. Это также тормозит творческое развитие, бесит и вымораживает, увы… Что у нас дальше по списку? Работа в дизайн студии!
Это, по моему мнению – самое лучшее. Тут сплошные плюсы: и зарплата каждый месяц и трудовая книжка и дружественная среда, которая обеспечит вам профессиональный рост, ведь в дизайн студии всегда найдутся бывалые дизайнеры, которые поделятся с вами знаниями, чего то подскажут. Мечта! Но возникает вопрос, не вопрос – вопросище, как эту мечту воплотить в реальность?
Далее: как спроектировать себе визитку, как подготовить творческое резюме и чем наполнить портфолио, пока не было ни одного реального заказа – читайте на https://boosty.to/romashin_design_school/posts/ccc8f537-a6d5-4aac-a084-4ad741003e96?share=post_link
Карьера графического дизайнера
Привет, друзья. Делюсь с вами своим новым видео на Youtube. О чём в нём идёт речь? Как начинающему дизайнеру выйти на рынок дизайн услуг, начать стабильно зарабатывать и жить с дизайна? Я рассказываю о трёх инструментах, которые помогут вам быстрее встроиться в рынок и занять на нём место, которое вы заслуживаете. Расскажу в чём польза личного бренда, как составить креативное резюме и чем наполнить своё творческое портфолио в ситуации, когда у вас ещё нет реализованных проектов.
Каждый месяц курсы по дизайну заканчивают тысячи. Это вполне объяснимо. Многие хотят расстаться с нелюбимой профессией и стать дизайнером коммуникационным, UX, или продуктовым. Профессия влечёт, но суровая правда жизни состоит в том, что дизайнеров начального уровня, дизайнеров, которые только-только разобрались с графическим софтом и начали более-менее уверенно двигать мышью намного больше, чем рабочих мест в данный момент времени. Дизайн всегда был чрезвычайно конкурентной отраслью. Найти работу, на которую вы имеете право претендовать — одна из самых больших проблем, с которыми сталкиваются начинающие… Короче, все ответы тут, тыц по ссылке https://youtu.be/P0FTaPRxlTY
О ТИПОГРАФИКЕ В АЙДЕНТИКЕ
Хочу начать с того, что типографика – это длинный свод законов, правил и запретов при работе с текстом. Этот свод увеличивается во много раз вследствие того, что не существует какой-то одной типографики. Типографик много. Есть типографика классическая, со своими правилами, типографика модернистская, постмодернистская и типографика маргинальная (это то, что порой требует от нас особо упоротый заказчик). Естественно, когда дизайнер объективирует все стилевые различия и имеет навыки использования всей палитры средств стилевой выразительности, он серьёзно повышает свою конкурентоспособность на рынке дизайна. Он как опытный тапёр, который может и Шопена сыграть, и «Мурку сбацать».
Антиква Леонардо да Винчи
ДНК типографики – буква. Буква – это культурный продукт длинной эволюции. Проявив любопытство и покопавшись в истории развития шрифта, мы можем проследить эту самую эволюцию. Важно понимать, что буква на каждом историческом этапе развития типографики, несла в себе эстетические черты своей эпохи и эти характеристики считываются зрителем вне зависимости от того, искушён он в тонкостях типографики, или нет. Очень грубо, все шрифтовые гарнитуры можно разделить на исторические и современные. Оговорюсь, что это очень грубо. Актуальность того или иного шрифта проявляется не в том, сколько лет или десятилетий назад он был спроектирован, а в том, на сколько он адекватен контексту вашего дизайна.
Хочу акцентировать внимание на том, что типографика имеет два аспекта – утилитарный и эстетический. Утилитарный аспект – это тупо читаемость текста. Иногда необходимо, чтобы шрифт читался на рекламном билборде когда мы проносимся мимо него на скорости 100 км час. Иногда нам нужен шрифт для создания больших текстовых блоков журнальной или книжной верстки. Это другая ситуация, от слова совсем. Тут актуализируется задача обеспечить комфортность чтения. Глаза читателя не должны уставать и слезиться. Очевидно, что верстая блоки текста, мы должны выбрать какой то другой шрифт, отличный от того, который мы использовали на биллборде.
С утилитарным аспектом мы разобрались. Двигаемся дальше.
Мои видео лекции на Youtube>>> Перейти в YouTube
Эстетический аспект выражается в том, что шрифт представляет собой сложную художественную форму, несущую в себе как красоту, так и некое культурно-историческое содержание. В разные эпохи графического дизайна, начинал доминировать либо первый, либо второй аспект. Так в послевоенные годы, когда сформировался международный стиль типографики, называемый швейцарским, дизайнеры вообще начали отказываться от использования каких либо шрифты кроме Гельветики. Великий американский, с итальянскими корнями дизайнер Массимо Виньелли, как то в интервью сказал: “Мне не нужны другие шрифты и гарнитуры, если я хочу выразить в макете гнев, я возьму Гельветику более жирного начертания. Если хочу сказать о любви – меня вполне устроит та же гельветика, но только светлого начертания”.
Шрифт. Невил Броуди UK
Когда в 80-е на смену швейцарскому корпоративному стилю пришла Новая волна, с её самоиронией и карнавальностью, дизайнерам для выражения новых идей понадобились какие то новые шрифты и они принялись их массово проектировать. Это были шрифтовые гарнитуры с повышенной, иногда зашкаливающей декоративность и пониженной читабельностью. Очевидно, что с утилитарной точки зрения, они не выдерживали никакой критики. Да, по большому счёту этого от них и не требовалось.
В начале двухтысячных тренд поменялся и классическим шрифтам дизайнеры снова начали относиться с почтением и пиететом Современному дизайнеру необходимо найти равновесие между формой и функцией шрифта, гармонизировать эти два аспекта. Важно, что бы типографика была достаточно выразительной, при этом чтобы она сохраняла читабельность, то есть выполняла свою главную функцию передачи информации.
Типографика, как я уже сказал – это свод законов. Можно ли их нарушать? Конечно, можно, если вы это делаете осмысленно. По большому счёту, каждый из отцов-новаторов типографики XX века, и Ян Чихольд, и Мюллер Брокман, и Рудер, нарушали законы, существовавшие до них. Для того чтобы нарушать правила, нужно их досконально знать и ими владеть, в противном случае ваш «бунт» будет неубедительным.
Именно на незнании базовых законов типографики и прокалываются молодые дизайнеры. Время от времени они присылают мне свои проекты на рецензию, и вот смотришь – вроде всё замечательно и с точки зрения креативности и с точки зрения владения графическими инструментами, а с точки зрения типографики – беда. Печаль в том, что эти ошибки видны не только мне, опытному дизайнеру с многолетним опытом и академическим образованием, печаль в том, что их видит и заказчик. Он просто не может сказать где собака зарыта, но интуитивно чувствуют что что-то не то и отправляет дизайнера “поиграть шрифтами”.
Я хочу рассказать вам о трёх базовых правилами типографики в айдентике. Следуя им вы во многом обезопаситься ваши проекты от негативной оценки. Усвоив эти правила, вы сможете в последствии от них отказаться и попытаться поработать их игнорируя, но сначала научимся им следовать.
ПРАВИЛО СООБРАЗНОСТИ
Выбирая шрифт для своего проекта, мы исходим из того, что имеется два шрифтовых семейства – это антиквы и гротески. Антиквенные шрифты – это наследство доставшиеся нам от Римской империи. Может быть из-за длинной истории, может быть из-за рисунка, но эти шрифты обладают каким то авторитарным характером. Условно назовем Антикву “президент”. У шрифтов семейства Гротеск совсем другой характер, да история покороче. Они стали массово использоваться в типографике лишь в начале XX века, а до этого применялись только в уличных афишах и рекламе. Возможно это и обусловило их демократический характер. Если мы с вами договорились, что Антиква – это “президент”, то Гротеск – это скорее всего “бухгалтер”. Выбирая шрифт для проекта, задайте себе вопрос, какой характер у бренда, над которым вы работаете. Должен он быть в результате авторитарным, или наоборот – демократичным и примите решение в пользу либо одного, либо другого шрифтового семейства.
ПРИНЦИП СХОЖЕСТИ
С ситуацией, когда мы создаем чисто шрифтовой логотип, всё понятно. Но как быть с комбинированным логотипом, где есть знак – символическое изображение и шрифтовая составляющая – имя бренда? Как подобрать шрифтовую пару к знаку?
Очевидно, что знак и логотип должны быть единой личностью. Самой очевидный способ создать единую личность из знака и логотипа- использовать принцип схожести. Этот принцип предполагает поиск шрифта схожего с рисунком знака. У зрителя должно возникнуть ощущение, что знак и шрифт сделаны из одного конструктора из одного строительного материала.
Приведу пример: этоn логотип проектировался мной для крупной риэлтерской компании. Обратите внимание, что ширина штриха буквенных элементов равна ширине линий из которых сделан знак – стилизованное изображение дома. Это тот самый случай, когда логотип и знак сливаются в одну песню.
Однако, принцип схожести, довольно сложно реализовать в ситуации когда знак имеет сложную графику. В этом случае мы должны забыть о схожести и искать контраст. Сложному знаку подойдёт максимально простой, моноширинный шрифт. В таких ситуациях я особо не размышляю, выбираю либо классическую Гельветику, либо её более современный аналог – Roboto и всё становится на свои места.
ВЫРАВНИВАНИЕ
Предположим, мы придумали и отрисовали в векторе знак, подобрали к нему логичную шрифтовую пару, теперь нам нужно создать то, что называется логоблок. Логоблок – это одна из констант фирменного стиля это устойчивая неизменяемая композиция состоящая из знака, логотипа и дескриптора. Как сделать эту композицию устойчивой и безупречной? Я советую начинающим дизайнерам две наиболее экономичных и логически обоснованных схемы. Первая схема – с выравниванием по левому краю, так называемый “левый флаг”, вторая – с выравниванием по центральной оси. При флаговой композиции знак располагается слева логотип справа. Мы устанавливаем точку между ними и играя размерами знака и логотипа достигаем визуального равновесия всей композиции. Хочу обратить внимание что знак должен быть всегда слева.
Центрально-осевая компоновка логоблока. Тут всё ещё проще. Мы просто выравниваем знак и логотип по центру, главное не ошибиться с расстояниями между всеми элементами.
Как я говорил в начале, правила нужны для того, чтобы их время от времени нарушать, но это только после того, как вы научитесь работать согласно правилам. А научившись и закрепив навык, можно аккуратно начинать экспериментировать с типографикой, но не раньше.
Кому интересно тема коммуникационного дизайна – залетайте на страничку моего онлайн курса “Айдентика”, регистрация на который идёт в данный момент. Тыц по ссылке: https://school.romashin-design.com/
Мои видео лекции на Youtube>>> Перейти в YouTube