Вам приходилось встречать людей, которые бы вслух признавались, что ничего не понимают в дизайне? Мне — нет. Можно не понимать суть эксперимента с котом Щрёдингера, или про то, что такое Дхарма, но про дизайн, чего тут не понимать? «Он либо нравится, либо не нравится» — народ рассуждает примерно так. Однако, с точки зрения психологии восприятия, всё обстоит гораздо сложнее. Своими соображениями по этому поводу я и хотел с вами поделиться.
Обычный человек, с улицы, в оценке любого явления культуры, в том числе и дизайна, оперирует понятиями. Понятия — это неизменяемые единицы знания, сформированные в результате пережитого опыта, либо привнесённые из вне. Понятия каталогизируются в памяти человека и по мере необходимости он извлекает из этого каталога образец и сравнивает его с чем-то новым, с чем только что столкнулся, на основе чего выносит оценку “хорошо это или плохо”. Если визуально-коммуникативная среда, в которой человек существует бедная, не окультуренная, если человек не видел ничего краше “бабушкиного коврика на стене”, то его оценка любого культурного объекта привнесённого из другой, более развитой культурной среды, будет скорее всего негативной.
Но это только в том случае, если мы этого “обычного человека ” ставим в положение эксперта, предлагая ему оценить произведение дизайна. Если “обычный человек” взаимодействует с дизайном непосредственно, один на один, он не успевает включить свой оценочный аппарат, не успевает обратиться к своему каталогу понятий, он оценивает дизайн спонтанно, вернее – он вообще его не оценивает, он его эмоционально постигает. Очевидно, что эмоциональная реакция может быть положительной, отрицательной и нейтральной. В случае положительной эмоциональной реакции, человек переходит к содержательной составляющей дизайна, к его месседжу и за тем принимает решение верю-не верю, куплю – не куплю. На этом коммуникация можно считать завершённой, дизайнер сделал своё дело. В случае, когда дизайн оставил равнодушным, не вызвал никакой эмоции, или вызвал отторжение, маркетинговая коммуникация обрывается ещё до того, как потребитель начал принимать какие-то решения, машинка не запустилась, расходимся.
Что “запускает машинку”, что вызывает у зрителя эмпатию к дизайну, я расскажу в следующем посте.
Кому интересно тема коммуникационного дизайна – залетайте на страничку моего онлайн курса “Айдентика”, регистрация на который идёт в данный момент. Тыц по ссылке: https://school.romashin-design.com/
Привет. Сегодняшний мой пост посвящен проблеме всех занимающихся и увлечённых дизайном, проблеме: как заставить свой мозг генерировать яркие, способные волновать идеи. Идеи, за которые клиент будет готов платить вам премиальную наценку и всячески вами восхищаться.
Креативность — это навык мыслить нестандартно. Опираясь на него, мы проектируем товарный знак и логотип, создаем слоганы для рекламных кампаний, придумываем имена для продуктов, короче — участвуем в создание дополнительной ценности товара для того, чтобы бизнес мог его дороже продать. Под креативностью я понимаю в первую очередь навык дизайнера работать в условиях неопределенности, выполняя сложные задачи, требующие творческой импровизации и драйва.
Существует множество креативных технологий. Я знаю восемь, в проектировании пользуюсь — тремя. Это brainstorming, или мозговой штурм, это интеллект-карта, она же технология Тони Бьюзена, и моя собственная методика — “принудительного связывания”. Всех, кому интересно погрузиться в эту тему поглубже, залетайте на мой образовательный канал на Youtube и подписывайтесь.
Дизайнер с минусовой креативностью, постепенно превращается во что-то на подобии «водителя мыши», в безынициативное существо, механически исполняющее команды заказчика. «От меня ничего не зависит», «инициатива наказуема», «где привязали — там и лай». Психологи для описания такой жизненной установки, используют термин «выученная беспомощность». Постепенно, процесс проектирования, который должен приносить радость, начинает дизайнера напрягать … «Как выйти из состояния полусна и начать креативить» — это вопрос часто задают мне ученики.
И опытные проектировщики и новички знают, что креативность в графическом дизайне — это синоним успеха, и финансового в том числе. Либо ты креативен и светишься всеми огоньками, как ночной Лас-Вегас. В этом случае бизнес тебя ценит, и готов платить премиальную наценку. Либо ты — тусклая лампочка в подъезде, еле-еле освещающая площадку перед мусоропроводом. Тебе ничего не остаётся, как медленно выгорать, делая унылую, однотипную работу, растягивая деньги от аванса до подсчёта.
Поверьте мне, что креативность в графическом дизайне, это не столько состояние души, или врождённый талант, сколько технология. Навык управления креативностью принадлежит к высокопрофессиональным навыкам и, как высокопрофессиональный навык, он тренируем.
Профессионально отлаженный креативный процесс выглядит следующим образом: на этапе постановки проблемы активно сознание, на этапе генерации творческой идеи — бессознательное, а отбором и проверкой правильности решения вновь занимается рациональное сознание. В процессе работы нам необходимо научиться задействовать по очереди то правое, то левое полушарие мозга, активизируя попеременно то логический, то творческий наш потенциал. Думаете сложно?
Ещё как сложно! И сложность состоит в том, что правое полушарие мозга, отвечающее за абстрактное мышление, за образы и впечатления, у нас спит, а просыпается, как это не забавно звучит, только во сне. Большую часть своей жизни мы проводим с работающим левым полушарием, которое отвечает за конкретное и рациональное. Креативность же требует попеременного использования то правой, то левой половинки мозга и это принципиально важно.
Дизайнеры постоянно ищут технологии, создают какие-то собственные ритуалы, которые помогают обеспечить этот самый бинарный режим работы мозга. Кто-то прикалывается на ходьбу, кому-то нравится горячий душ, кому-то даже удаётся задействовать творческий ресурсы мозга в моменты тонкого сна, во время пробуждения, кто-то экспериментирует с алкоголем, кто-то с фармакологией…
Сегодня я хочу предложить вам выполнить упражнение, которое поможет нащупать ту грань в вашем воображении, где заканчивается обыденное и банальное и где начинается по-настоящему креативное.
Ну что, готовы?
Разминочка: Выберите предмет, визуализируйте его в воображении, к примеру «кроссовки». Найдите 10 описательных прилагательных, органичных этому предмету: модные, дышащие, для бега, детские и т. д. Готово? Теперь придумайте еще 10 прилагательных, которые абсолютно не подходят для описания «кроссовок». Например: «обезжиренные», или «застенчивые» … Попробуйте. Обнаружите, что выполнить это задание не так уж и легко. Покопайтесь в своём восприятии и найдите нужные слова. Слова оформите в виде списка.
Теперь порисуем. Всем нам известен символ несчастной любви. Это очень узнаваемое изображения сердечка, пронзённого стрелой. Иногда, для усиления месседжа, ещё дорисовывают капли крови, стекающие с наконечника стрелы. Вспомнили?
А теперь задание: придумайте и изобразите символы любви: крепкой, корыстной, духовной, «до гроба» и какой-то своей, личной (к котикам, к дизайну, к алкоголю и т.д.) В результате должно получиться 6 значков. Рисуйте как можно проще, не пользуйтесь цветом, изображение должно быть чёрно-белым без объёма. В работе лучше использовать маркер или линер.
Покажите работы друзьям. Смогут они расшифровать ваши визуальные высказывания? Все 6, или только 4, или 2? Если друзья расшифровали все 6 — вы молодец, и я снимаю перед вами шляпу. Всех благ и делайте дизайн!
Алексей Ромашин. Эксперт блог-платформы Medium Руководитель онлайн школы Айдентика
Вам приходилось встречать людей, которые бы вслух признавались, что ничего не понимают в дизайне? Мне — нет. Можно не понимать суть эксперимента с котом Щрёдингера, или про то, что такое Карма, но про дизайн, чего тут не понимать? «Он либо нравится, либо не нравится» — народ рассуждает примерно так. Однако, с точки зрения психологии восприятия, всё обстоит гораздо сложнее. Своими соображениями по этому поводу я и хотел с вами поделиться.
Обычный человек, с улицы, в оценке любого явления культуры, в том числе и дизайна, оперирует понятиями. Понятия – это неизменяемые единицы знания, сформированные в результате пережитого опыта, либо привнесённые из вне. Понятия каталогизируются в памяти человека и по мере необходимости он извлекает из этого каталога образец и сравнивает его с чем то новым, с чем только что столкнулся, на основе чего выносит оценку “хорошо это или плохо”. Если визуально-коммуникативная среда, в которой человек существует бедная, не окультуренная, если человек не видел ничего краше “бабушкиного коврика на стене”, то его оценка любого культурного объекта привнесённого из другой, более развитой культурной среды, будет скорее всего негативной. Сегодняшний наш разговор о трудном диалоге, который приходится вести дизайнеру с людьми, являются потребителями дизайнерского продукта. Это и бизнес, который выступает в качестве заказчика, это и простые люди на улице или в маркете, для которых дизайн делается.
В этой статье я делюсь своими соображениями на тему:
Зачем бизнесу дизайн?
Какова роль дизайнер в системе маркетинговых коммуникаций?
Почему один дизайн продает, а другой нет?
Зачем вообще дизайн нужен бизнесу? Что заставляет этих бережливых, умеющих считать каждый рубль людей, делиться с дизайнером, откусывая от своей прибыли? Чего такого бизнесмен не может сам? Ответ для меня очевиден — бизнес не может самостоятельно, без помощи дизайнера, убедить покупателя добровольно расстаться с деньгами. И эта неспособность связана отнюдь не с нехваткой мозгов у комерсантов. Все дело в различных способах мышления человека бизнеса и человека творчества.
Способ мышления бизнесмена можно описать, как «продуктовый». Бизнесмен способен удерживать в памяти и свободно оперировать бесконечным списком характеристик собственного товара, знать о нем такие тонкости и нюансы, которых хватило бы на статью в Википедии. Однако, потребитель в массе — иррационален, он не желает принимать решение о покупке на основе длинного списка опций, он хочет, чтобы все ценности, продукта, были описаны в виде простого и убедительного месседжа. Этим убедительным мессаджем, по сути дизайн и является.
Ученые доказали, что 86% коммуникации мы воспринимаем глазами. Почему? Во-первых — изображения обрабатываются мозгом в 6000 раз быстрее, чем текст. Второе, и возможно более важное обстоятельство — это то, что визуальное сообщение, в отличие от вербального, тонко воздействует на психику, посредством цвета, формы, фактуры и т. д., что заряжает сообщение эмоцией, а эмоция, в свою очередь, формирует лояльность потребителя к продукту.
По большому счету, коммуникационный дизайн — это искусство переведения смыслов в зрительные образы, для установления коммуникации между производителем и потребителем, а дизайнер — носитель специфического способа мышления, называемого визуальным.
Почему один дизайн продает, а другой нет? Потому, одно визуальное высказывание понятно потребителю, а другое нет. Что является препятствием для нашего понимания? Да, масса всего, это и гендерные, и возрастные, и поведенческие различия. «Что русскому хорошо, то иностранцу — смерть» — гласит поговорка. Рассмотрим проблему чуть подробнее:
Эмоциональная реакция зрителя на дизайн может быть положительной, отрицательной и нейтральной. В случае положительной эмоциональной реакции, человек переходит к содержательной составляющей дизайна, к его месседжу и за тем принимает решение верю – не верю, куплю – не куплю. На этом коммуникация можно считать завершённой, дизайнер сделал своё дело. В случае, когда дизайн оставил потребителя равнодушным, не вызвал никакой эмоции, или вызвал отвращение, маркетинговая коммуникация обрывается ещё до принятия потребителем какого то решения, всё, машинка не запустилась, расходимся.
Сможем ли мы решить все проблемы коммуникации, создавая простые и понятные визуальные высказывания? И да, и нет…
Важно понимать, что простота является необходимым, но не достаточным условием установления продуктивной коммуникации. Есть еще одно важное обстоятельство — это заинтересованность зрителя. Визуальное высказывание может быть абсолютно понятным большей части аудитории, как 2×2, но при этом быть банальным, скучным, а потому безынтересным зрителю. Секрет в том, что все обыденное и банальное наш мозг причисляет к стереотипной реальности и проскальзывает мимо этого, не фокусируясь.
Подведём итог: сложный, запутанный дизайн аудитория проигнорирует вследствие его мутности, а понятный, но скучный, она проигнорирует, потому, что он «не цепляет».
В идеале, дизайнеру необходимо преодолеть два соблазна — не стать многословным в донесении идеи, не погрязнуть в украшательстве с одной стороны и не соблазниться на очевидные, банальные решения с другой.
Каким же должен быть качественный дизайн? Мой глубокоуважаемый и постоянно цитируемый Пол Ренд, в своей книге «Дизайн. Форма и хаос» пишет: «Качество в дизайне — это идея, а не техника, точность, а не беспорядок, простота, а не бессодержательность, изящество, а не крикливость, чувствительность, а не пошлость».
Спасибо, все ясно, но кто арбитр, определяющий качество дизайна? По моему убеждению — это покупатель. Покупатель, который верит или не верит вашему визуальному высказыванию и поэтому либо покупает, либо нет. А что заказчик дизайна, он ведь платит деньги? Заказчик, в идеале, должен предоставить дизайнеру маркетинговую информацию. Дизайнер, в свою очередь, должен её специфически интерпретировать, cделав понятной для потребителя.
Дизайнер не порождает смыслы, он просто переводит сообщение бизнеса на визуальный язык. Логично, что дизайнер с заказчиком делят ответственность, как за успех, так и за провал дизайн-проекта, и только понимание обеими сторонами того, что они являются стратегическими партнерами в рамках решаемой бизнес задачи, способно обеспечить победу в борьбе и за лояльность покупателя, и за его кошелёк.
А у меня на сегодня всё…
Кому интересно тема коммуникационного дизайна – залетайте на страничку моего онлайн курса “Айдентика”, регистрация на который идёт в данный момент. Тыц по ссылке: https://school.romashin-design.com/
Сегодняшний разговор посвящен общей проблеме всех людей, занятых творчеством, проблеме: как заставить свой мозг генерировать креативные, способные волновать идеи. Идеи, за которые клиент будет готов платить вам деньги а зрители вами восхищаться.
Что такое креативность? Под креативностью я понимаю в первую очередь умение графического дизайнера работать в условиях неопределенности, выполняя задачи, требующие творческой импровизации и драйва. Дизайнер с минусовой креативностью, постепенно превращается в безынициативное существо, механически исполняющее команды заказчика. «От меня ничего не зависит», «где привязали — там и лай» Психологи для описания такой жизненной установки, используют термин «выученная беспомощность». Ну и со временем, дизайн, который должен приносить радость, начинает дизайнера напрягать …
И опытные дизайнеры и новички знают, что креативность— это синоним успеха, в том числе и финансового. Либо ты креативен и светишься всеми огоньками, как ночной Лас-Вегас. В этом случае бизнес тебя ценит, и готов платить премиальную наценку. Либо ты — тусклая лампочка в подъезде, еле-еле освещающая площадку перед мусоропроводом. Тебе ничего не остаётся, как медленно выгорать, делая унылую, однотипную работу, растягивая деньги от аванса до подсчёта.
«Как перестать заниматься фигнёй и начать креативить» — это вопрос, довольно часто задают мне мои ученики.
Замечу, что креативность в дизайне, это не столько состояние души, сколько технология. Навык управления креативностью принадлежит к высокопрофессиональным навыкам и, как любой высокопрофессиональный навык, он тренируем.
Отлаженный креативный процесс выглядит следующим образом: на этапе постановки проблемы активно сознание, на этапе генерации творческой идеи — бессознательное, а отбором и проверкой правильности решения вновь занимается рациональное сознание. В процессе работы нам необходимо научиться задействовать по очереди то правое, то левое полушарие мозга, активизируя попеременно то логический, то творческий наш потенциал. Думаете сложно?
Ещё как сложно! И сложность состоит в том, что правое полушарие мозга, отвечающее за образное мышление у нас спит, а просыпается, как это не забавно звучит, только во сне. Большую часть своей жизни мы проводим с работающим левым полушарием, которое отвечает за конкретное и рациональное. Креативность же требует попеременного использования то правой, то левой половинки мозга и это принципиально важно.
Полагаю, что вы слышали, или читали про то, что наилучшим образом творческие задачи решаются при помощи коллективного мозгового штурма (Brainstorming). Этот метод был изобретён ещё в конце 30-х годов американским рекламистом Алексом Осборном. Каждый из участников штурма должен выдвинуть по одной идее, пусть даже абсурдной. Потом все идеи выносятся на всеобщее обсуждение и начинается процесс выпаривания. От чего то мы отказываемся, что то принимаем как рабочую версию и совместно додумываем. В результате рождаются вполне жизнеспособные, а временами даже гениальные идеи.
В своей школе, я время от времени организую с молодыми дизайнерами, мозговые штурмы. Обычно мы придумываем альтернативные обложки к детским книжкам и всякий раз результаты превосходят ожидания…
Но у этого мощного инструмента есть один минус — для того, чтобы организовать мозговой штурм вам нужен не один мозг, а минимум 10. А если вы фрилансер, или работая по найму — единственный дизайнер в конторе, то brainstorming — не ваш случай.
Так как быть, как заставить свой мозг работать в креативном режиме при невозможности использовать синергию коллектива?
Дизайнеры постоянно ищут технологии, создают какие то собственные ритуалы, которые помогают генерировать яркие идеи. Кто то прикалывается на ходьбу, кому то нравится горячий душ, кому то даже удаётся задействовать творческий ресурсы мозга в моменты тонкого сна, кто то экспериментирует с алкоголем …
Сегодня я хочу предложить вам выполнить несколько упражнений, которые помогут вам нащупать грань в вашем воображении, где заканчивается обыденное и банальное и где начинается по-настоящему креативное.
Ну что, готовы?
Разминочка: Выберите любой предмет, визуализируйте его в своем воображении, к примеру «кроссовки». Найдите 10 описательных прилагательных, органичных этому предмету, например: модные, дышащие, для бега, детские и т. д . Готово? Теперь придумайте еще 10 прилагательных, которые не подходят для описания «кроссовок» от слова совсем. Например: «обезжиренные», или «застенчивые»… Попробуйте. Обнаружите, что выполнить это задание не так уж и легко. Поразмышляйте и найдите подходящие слова. Все что пришло в голову оформите в виде списка.
Разминка закончилась.
Теперь немного порисуем. Всем нам известен символ любви. Это очень узнаваемое изображения сердечка, пронзённого стрелой. Иногда, для усиления месседжа, ещё дорисовывают капли крови, стекающие с наконечника стрелы.
А ТЕПЕРЬ ЗАДАНИЕ: придумайте и изобразите символы любви: крепкой, корыстной, духовной, вечной, извращённой и какой то своей, личной (к котикам, к дизайну, к музыке и т.д.) В результате должно получиться 6 значков.
Это креативное задание на понимание того, что дизайнер работает с визуальными символами, которые уже используются людьми. Например: череп – это смерть, корона – это власть, замок – это прочность. Выполняя задание, важно не впадать в субъективность и просто анализировать и вспоминать что чего обозначает в визуальных коммуникациях и попытаться «поженить» образ с изображением сердца.
Ваше сердце не должно стать героем мультфильма, у него не должны отрастать ручки и ножки оно не должно взаимодействовать с реальными предметами, как живой персонаж – есть, пить, заниматься сексом. Оно должно превратиться в нечто иное, сохранив узнаваемость сердца, и проявив какое то дополнительное свойство.
Рисуйте как можно проще, не пользуйтесь цветом, изображение должно быть чёрно-белым без объёма. В работе лучше использовать простой карандаш или маркер.
Покажите работы друзьям. Смогут они расшифровать ваши визуальные высказывания? Все 6, или только 4, или 2? Если друзья расшифровали все 6— вы большой молодец и я снимаю перед вами шляпу.
Если вы досмотрели этот урок до конца, то с высокой вероятностью предположу, что вы либо интересуетесь коммуникационным дизайном либо им уже занимаетесь. Вам по секрету скажу, что этот тренинг – первое задание в моей двухмесячной онлайн школе Айдентика, набор на которую идёт полным ходом. Этот курс специально создавалась мной для дизайнеров, которые остановились в своём развитии и которым нужен волшебный пинок. Узнать подробности и посмотреть работы выпускников можно либо щёлкнув на подсказку в правом верхнем углу, либо перейдя по ссылке под этим видео. Сходить на лендинг школы имеет смысл ещё и потому, что сейчас предлагаются максимально выгодные условия, так что успейте вскочить в поезд. А на сегодня у меня всё, всех благ и делайте дизайн. https://school.romashin-design.com/
Пару лет назад я затеял переписку с молодыми дизайнерами, с целью глубже познакомится с их проблемами, для того чтобы корректировать и уточнять свою учебную программу. Дизайнеры писали мне, я писал им, иногда на меня сходило вдохновение и ответы получались вполне публикабельными. Хочу поделиться фрагментом этой переписки с с моими подписчиками. Не исключаю, что и вы почерпнёте для себя что то полезное.
Вопрос: где учиться графическому дизайну, если тебе под 30, и поступать в вуз уже поздно?
Как получить профессию, которая будет кормить в будущем? Хочу обрадовать, для обучения дизайну, совсем не нужно жертвовать 4-5 годами, учась в институте.
Сразу оговорюсь, получить качественные знания из видео лекций на Ютубе – не получится. Почему? Дело в том, что в видео уроке отсутствует самое важное – обратная связь с учителем. Только во время обсуждения и устранения косяков педагогом происходит настоящая учёба. Ничего эффективнее личного кураторства не придумано.
Мало кто в мире знает, как нужно обучать дизайну, единого образовательного стандарта до сих пор нет. Поэтому учить, в идеале, должны мастера-практики, включенные в проектный процесс, а не просто левые люди, пересказывающие содержание книжек. Выбирая школу или курс, обязательно поинтересуйтесь, кто будет вас учить. У педагога должна быть профессиональная история и портфолио. Если педагогу нечем похвастаться – ищите другую школу.
Вопрос: должен ли графический дизайнер уметь рисовать?
Мой ответ – нет, не должен. Современная модель профессии не требует от вас знаний академического рисунка. Но это не означает, что дизайнеру вообще не придется рисовать. Решение любой проектной задачи в дизайне представляет следующую цепочку действий: это представление, фиксация и проектирование, где представления – это просто придумывание, фиксация – это быстрый скетч. Он может быть сделан карандашом на бумаге или пальцем на стекле, абсолютно не важно на чём и чем. Важно достать из головы образ и зафиксировать его на любой поверхности. Далее мы приступаем к проектированию, то есть превращаем эскиз в законченный продукт, будь то знак логотип или рекламный макет. Хочу процитировать американского дизайнера Пола Рэнда. “Дизайнер стратегический партнёр бизнеса, а не поставщик картинок. Задача бизнеса предоставить маркетинговую информацию, задача дизайнера её художественно интерпретировать”
Вопрос: зачем дизайнер нужен бизнесу? Что заставляет бизнесмена, делиться с дизайнером своей прибылью? Чего такого бизнесмен не может сам?
Ответ: бизнесмен не может без помощи дизайнера, убедить покупателя расстаться с деньгами. И эта неспособность связана отнюдь не с нехваткой мозгов у коммерсантов. Все дело в различных способах мышления бизнесмена и дизайнера.
Бизнесмен мыслит категорией продукта. Он может рассказать о своём товаре всё во всех нюансах и подробностях. Потребителю же это не нужно. Он хочет, чтобы ему рассказали о товаре коротко ёмко и главное эмоционально.
И тут появляется дизайнер. Он берёт у заказчика маркетинговую информацию и превращает её в картинку, по сути переводит вербальный контент в визуальный. Визуальное сообщение, в отличие от вербального, мощно воздействует на психику, через цвет, форму и т.п., что заряжает сообщение эмоцией, а эмоция, как раз и продаёт. Транзакция в обмен на эмоцию – тонко шутят маркетологи.
Вопрос: как продавать свой дизайн?
Продажа происходит в 3 этапа. В начале вы должны продать себя, убедив клиента, что вы именно тот, кто способен решить его проблемы. Затем вы должны обосновать стоимость работ, убедив его, что ваша цена оптимальная. Затем, и это самое сложное, вы должны продать ему свой дизайн.
На каждом этапе, продажа может сорваться. Ваше неправильное поведение, чрезмерная мягкость, уступчивость, или наоборот — излишнее упрямство, порой приводит к разрыву отношений, и как следствие — к потере денег вами и времени бизнесменом. В результате – в минусе все. Дизайнер, за которым не стоит агентство со штатными продажниками, должен научиться продавать. Продажа дизайна — это то же, что продажа пианино, мотоцикла или слона, только сложнее. Если сделка сорвалась – не расстраивайтесь. Каждые проведённые вами переговоры ложатся в копилку вашего опыта, делая вас более уверенными и зубастыми. Идите и смело продавайте! Коммерческих вам успехов и делайте дизайн.
Вопрос: как преодолеть внутренние препятствия и начать уверенно проектировать?
В процессе работы дизайнер сталкиваемся с тремя ментальными препятствиями. Первое – не могу придумать. Откуда брать качественные идеи, как заставить свой мозг их генерировать? Знакомо? Креативных технологий много, но не будем на этом сейчас останавливаться. Предположим, что мы преодолели это и идея у нас в кармане, вернее в голове. Но как перенести её из головы в компьютер?
Тут мы сталкиваемся со вторым препятствием – не могу нарисовать. Придуманная вами идея не конкретна, и когда вы начинаете её конкретизировать, то, то что вы видите на экране монитора всё меньше похоже на то, что крутилось в голове. Предположим, что вы справились и с этим. Что дальше?
А дальше вы упираемся в третье препятствие – не могу cкомпоновать. Визитка, буклет, плакат – всё это прямоугольники! Как впихнуть наш дизайн в прямоугольный формат, чтобы он занял своё единственно правильное положение?
Как преодолеть это? Ответ до банальности прост – надо постоянно учиться. Волшебное слово – насмотренность. Необходимо поглощать кучу информации и смотреть чужие качественные работы.
Вопрос: Как управлять своей креативностью, придумывая дизайн?
У вас есть проектная задача, вы смотрите на неё она смотрит на вас, ничего не происходит… Как столкнуть ситуацию с мёртвой точки, с чего начать? Придумать на холодную голову ничего не невозможно, голову необходимо для начала разогреть.
Но как? Хочу порекомендовать креативную ходьбу. На свежем воздухе наша кровь насыщается кислородом и все процессы в мозгу ускоряются. Главное, чтобы во время креативный прогулки, ваши мысли не сбежали от стоящей задачи в сторону воспоминаний или фантазий. Готовы?
Наметьте себе маршрут и поставьте задачу, что пройдя первый километр вы должны сгенерировать одно решение, пройдя второй – второе и т.д. Можно прихватить с собой какой-нибудь мелкий предмет сложной формы. Например игрушечного динозаврика. Во время прогулки мните его в руке, это так же стимулирует мозговые процессы. Да, и не забудьте захватить с собой скетч бук и карандаш. Идея может родиться неожиданно и её надо успеть зарисовать.
Вопрос: зачем графическому дизайнеру знания типографики.
Хочу начать с определения. Типографика – это длинный свод законов правил и запретов при работе с текстом. Этот свод увеличивается во много раз вследствие того, что не существует какой-то одной типографики. Типографик много. Есть типографика классическая со своими правилами, типографика модернистская, постмодернистская и типографика маргинальная (это то, что порой требует от нас особо упоротый заказчик).
Если дизайнер имеет навыки использования всей палитры средств стилевой выразительности, он серьёзно повышает свою конкурентоспособность на рынке дизайн услуг. Он как опытный тапёр, который может и Шопена сыграть и «Мурку сбацать». Мораль: изучайте типографику, копируйте лучшие её образцы, прокачивайте свою художественную интуицию и будет вам счастье.
Вопрос: почему один дизайн продает, а другой нет?
Потому, что одно визуальное высказывание понятно потребителю, а другое нет. Что препятствует пониманию? Масса всего, это и гендерные, и возрастные, и поведенческие различия. «Что русскому хорошо, то немцу — смерть» — гласит поговорка. Сможем ли мы решить эту проблему, создавая максимально понятный и простой дизайн? И да, и нет.
Простота дизайна является необходимым, но не достаточным условием успеха. Определяющим моментом является заинтересованность зрителя. Дизайн может быть абсолютно понятным большей части аудитории, как 2×2, но при этом быть банальным, скучным, а потому безынтересным.
Секрет в том, что все обыденное и банальное наш мозг причисляет к стереотипной части реальности и проскальзывает мимо.
Вывод: сложный, запутанный дизайн зритель проигнорирует вследствие его мутности, а на 100% понятный, но скучный – потому, что он «не цепляет». Такие дела. А на сегодня у меня всё, всех благ и делайте дизайн.
Вопрос: как работает дизайн коммуникация?
Постараюсь объяснить. Зритель, контактируя с произведением дизайна включает последовательно два способа восприятия. Первый — “я смотрю”. Это пассивная фиксация внешних, формальных характеристик, без погружения в суть. Второй способ — “я понимаю”.
Понимание — это активный способ обработки информации, требующий от него больше времени и усилий. Процесс может считаться завершённым, если зритель увидел, понял и позитивно отреагировал на дизайн. Проблема в том, что описанный процесс коммуникации, может быть прерван потребителем вследствие либо непривлекательности дизайна -”не красиво”, либо вследствие невнятности сообщения -”не понятно”. Понимание дизайнером этих двух планов восприятия визуального текста, очень важно для достижения успеха в профессии.
По большому счёту, можно сказать, что профессионализм в дизайне — это владение визуальным языком и готовность соблюдать правила “языкового поведения”
Вопрос: Как ускориться, как выйти в профессиональную лигу и начать нормально зарабатывать?
Мой совет: либо увеличивать стоимость вашего чека, либо скорость работы. В идеале — надо увеличить и то, и другое, но как? Профессионализм — это во многом автоматизм, когда вы не вспоминаете всякий раз, на какую кнопку нажать.
Для достижения уровня “профи” вам необходимо…
Начать читать профессиональную литературу, посещать профильные тусовки, лекции, каждодневно поглощать большое количество информации.
Найти учителя — опытного дизайнера. Будет ваше общение осуществляться онлайн или офлайн — значения не имеет. Ваша цель — овладеть навыками, и учитель должен вам в этом помочь.
Начать «впахивать», чтобы довести навыки до автоматизма. Если у вас нет реальных заказчиков, ступайте на Фриланс, беритесь за все, что вам кажется интересным. Делайте дизайн друзьям, родственникам и друзьям родственников. С гордостью наблюдайте за тем, как растет ваш профессионализм и доход.
Мой канал на Ютубеhttps://www.youtube.com/c/АлексейРомашин на нём много уникального контента по проблемам коммуникационного дизайна, типографики и брендинга. Подписывайтесь и делайте дизайн!
Решили пройти тест? Всячески приветствую! На ваш почтовый адрес я вышлю тестову таблицу, а потом прокомментирую ваш результат. Когда будете писать адрес в регистрационном окне, дважды проверьте все буквы, чтобы моё письмо не улетело в пустоту. Туда же, на ваш почтовый ящик, в последствие, будет приходить от меня автоматическая рассылка. От рассылки вы можете в любой момент отписаться, если контент покажется вам не интересным. А пока заполняйте форму, ловите тестовую таблицу и инструкции к ней. Действуйте!
ПОЛИТИКА В ОТНОШЕНИИ ОБРАБОТКИ ПЕРСОНАЛЬНЫХ ДАННЫХ ОЗНАКОМИТЬСЯ
Под креативностью я понимаю в первую очередь навык графического дизайнера работать в условиях неопределенности и выполнять сложные задачи, требующие творческой импровизации и драйва.
Не креативный дизайнер постепенно превращается в «водителя мыши», в безынициативное существо, механически исполняющее волю заказчика.
«От меня ничего не зависит», «инициатива наказуема», «где привязали – там и лай» – психологи для описания такой жизненной позиции, пользуются термином «выученная беспомощность». Постепенно, дизайн, который должен приносить радость, творчески возбуждать, начинает напрягать…
«Как выйти из состояния полусна и начать креативить» – это вопрос, который время от времени задают мне мои ученики, когда речь заходит о самореализации в профессии графического дизайнера.
И опытные проектировщики и новички знают, что креативность в графическом дизайне – это синоним успеха. Либо ты креативен и переливаешься всеми огоньками, как игровой автомат и бизнес тебя ценит, хочет и щедро делиться с тобой деньгами. Либо ты – тусклая лампочка в подъезде, еле-еле освещающая площадку перед лифтом. Тебе ничего не остаётся, как медленно выгорать, делая скучную, однотипную работы, растягивая деньги от аванса до подсчёта.
Хочу подчеркнуть, что креативность в графическом дизайне, это не только состояние души, это ещё и технология, которая развивается и усовершенствуется специалистами в области креативной педагогики последние лет 30.
Навык креативности принадлежит к высокопрофессиональным навыкам и, как любой высокопрофессиональный навык, он тренируем. На занятиях в моей школе “Айдентика”я учу управлять собственной креативностью. Вообще, акцент на креативность – это фишка школы.
Грамотно организованный креативный процесс выглядит следующим образом: на этапе постановки проблемы активно сознание, на этапе генерации творческой идеи — бессознательное, а отбором и проверкой правильности решения вновь занимается рациональное сознание. В процессе работы нам необходимо научиться задействовать по очереди то правое, то левое полушарие мозга, активизируя попеременно то логический, то творческий наш потенциал. Думаете сложно?
Ещё как сложно! И сложность состоит в том, что правое полушарие мозга, отвечающее за абстрактное мышление, за образы и впечатления, у нас спит, а просыпается, как это не забавно звучит, только во сне. Большую часть своей жизни мы проводим с подключённым левым полушарием, которое отвечает за всё конкретное и рациональное. Креативность же требует попеременного использования то правой, то левой половинки мозга и это принципиально важно.
Полагаю, что вы слышали, или читали про то, что наилучшим образом творческие задачи решаются посредствам коллективного мозгового штурма (Brainstorming). Этот метод был изобретён в конце 30-х годов американским рекламистом и копирайтеромАлексом Осборном.
Мне часто приходилось организовывать и модерировать мозговые штурмы, и всякий раз результаты были 100% превосходящими ожидания. Но у этого инструмента есть один серьёзный минус – для того, чтобы организовать мозговой штурм вам нужен не один мозг, а минимум 10. А если вы фрилансер, или работая по найму – единственный дизайнер в конторе, то коллективный мозговой штурм – не ваш случай.
Ниже – проекты, сделанные на моих тренингах, с применение технологии коллективного мозгового штурма:
Так как быть, как заставить свой мозг работать в режиме brainstorming при невозможности использовать синергию коллективного разума?
Дизайнеры-графики постоянно ищут технологии, создают какие то собственные ритуалы, которые помогают обеспечить этот самый бинарный режим работы мозга. Кто то прикалывается на ходьбу (я писал о креативной ходьбе чуть раньше) кому то нравится горячий душ, кому то даже удаётся задействовать творческий ресурсы мозга в моменты тонкого сна, во время пробуждения, кто то экспериментирует с медитацией, кто то с фармакологией…
Сегодня я хочу предложить вам выполнить несколько упражнений, которые помогут вам нащупать ту грань в вашем воображении, где заканчивается обыденное и банальное и где начинается по-настоящему креативное.
Ну что, готовы?
Разминочка: Возьмите любой предмет, визуализируйте его в своем воображении, к примеру «ЛЫЖИ». Найдите 10 описательных прилагательных, органичных этому предмету: модные, дорогие, горные, детские и т.д . Готово? Теперь придумайте еще 10 прилагательных, которые абсолютно не подходят для описания «ЛЫЖ». Например: «обезжиренные», или «застенчивые»… Попробуйте. Обнаружите, что выполнить это задание довольно сложно. Покопайтесь в своих восприятиях и найдите нужные слова. Слова оформите в виде списка.
Теперь немного порисуем. Всем нам известен символ несчастной любви. Это очень узнаваемое изображения сердечка, пронзённого стрелой. Иногда, для усиления месседжа, ещё дорисовывают капли крови, стекающие с наконечника стрелы. Вспомнили?
А теперь главноезадание: придумайте и изобразите символы любви: крепкой, вечной, сильной, духовной, извращённой и какой то своей,личной (к черешне, к рыбалке и т.д.) В результате должно получиться 6 иконок.
Рисуйте как можно проще, не пользуйтесь цветом, изображение должно быть чёрно-белым и линейным. В работе используйте маркер.
Покажите работы друзьям. Смогут они расшифровать ваши визуальные высказывания? Все 6, или только 4, или 2? Если друзья расшифровали все 6 – вы большой молодец и я снимаю перед вами шляпу.
Ну а на сегодня всё. Ясной вам головы и делайте дизайн!
Если вы присматриваетесь к профессии графического дизайнера, но пока не решили: «моё — не моё», «потяну — не потяну», рекомендую вам пройти тест на выявление ваших скрытых способностей. Точность прогноза моего теста составляет около 90%, то есть, после его прохождения я с 90% уверенностью могу вам сказать, стоит вам начинать учиться дизайну, или вы впустую потратите время . Тест бесплатный. Действуйте!
В конце января началась и в первых числах марта закончилась 40-ка дневная весенняя онлайн школа “Айдентика”. В этот раз учиться графическому дизайну выразило желание 34 человека. География участников была циклопическая: Нефтеюганск, Томск, Санкт-Петербург, Москва, все крупнейшие города Поволжья, Харьков, Тель-Авив… По моим наблюдениям, некоторые участники подключались к вебинарам в 2-3 часа ночи по своему местному времени и оставались у мониторов до 5 утра. Хвала их долготерпению!
Логистически организовать процесс учёбы так, чтобы все участники получили равное внимание учителя, чтобы все дошли до финала, не запаниковали и не отчаялись, сойдя с дистанции – было для организаторов тренинга новой сверх задачей. Я пригласил ассистировать педагогов, во первых – мою однокашницу по ХУДПРОМу, Ольгу Квитку (Пустоварову), доцента кафедры графического дизайна Харьковской Государственной Академия Дизайна и Искусств, кандидата наук, во вторых – Глеба Ромашина, моего наиболее последовательного ученика, уже несколько лет преподающего вместе со мной в Приволжской медиа школе , параллельно успешно работающего с клиентами из России, Англии, Эмиратов в направлении айдентики и имеющего свежий взгляд на эту проблему.
Лекционная часть Школы представляла собой 5 вебинаров, общей продолжительностью 14 часов. Вебинары были посвящены истории айдентики, типологии и семантике знака, потребительской психологии и многому другому, без знания и понимания чего не мыслима деятельность дизайнера-графика в современных условиях.
Так как целью было научить работать не только “ручками” но и головой, мы начали с пропедевтики – абстрактных заданий, способствующих развитию у студента навыков визуального представления информации, или по-умному – “навыков превращения вербального сообщения в знак-символ”.
Размявшись и достаточно “разогрев” воображение пропедевтикой, мы приступили к основному учебному заданию – созданию базовых элементов фирменного стиля – логотипу ресторана Fishka (не существующий бренд, придуманный под учебную задачу). Для реализации этой задачи, ученикам пришлось пошагово пройти все ступеньки проектной процедуры от предпроектного исследования – Data Mining, через Mind Map и Mood Board (интеллектуальная и ассоциативная карты) и в конечном итоге, выйти на концепцию знака. Всё остальное – было дело техники. Между тем, многим пришлось эту технику менять на ходу, отказавшись от привычного Corel и пересаживаясь на менее привычный Illustrator…
Так описывает свои впечатления от интенсива одна из его участниц Марина Долинина (Москва)
“Несколько дней назад закончилось ещё одно моё интеллектуальное приключение. Мне посчастливилось участвовать в “40-дневной школе айдентики. Всякое из области “identity” очень близко всему моему предшествующему учебному опыту, но сейчас это был дизайн, то есть немного другая история. Совсем немного, потому что дизайн – это про коммуникацию, типичные ожидания, штампы и нетипичное манипулирование шаблонными представлениями. Последние полгода я пробовала разные варианты виртуального обучения, пробовала разные по структуре и содержанию программы, втискивалась в них и так, и сяк, но такого подъема, вдохновения и тренировки пережить не доводилось. Я стала рисовать скетчи. За 5 дней я пересела с одного графического редактора на другой. 15 лет никуда не торопилась из CorelDraw, и вдруг вработалась в полностью игнорируемый мною Illustrator. Теперь, конечно, вопрос человеческого доступа к к продуктам Adobe становится острым-преострым. Всё, что не делается – делается в Adobe… Я поняла, что в дизайне есть своя “бухгалтерия” и свои нормировки производственного процесса. Меня до сих пор немного удивляет простой утилитарный подход к “работе подсознания”, но это шаманство работает: образы можно продуцировать поточно, вдохновение может стать частью производственной рутины. Я подозревала, но не ожидала, что мне с этим будет так легко согласиться”.
Много вопросов у учеников возникло в связи с проблемой колористики и типографики в айдентике. Как выбрать фирменный шрифт, какого цвета должен быть знак и должен ли у него быть вообще цвет? Пришлось организовать внеплановую лекцию… В конечном итоге справились и с этим, о чём можно судить по работам участников. Когда все базовые элементы фирменного стиля были готовы, мы перешли к созданию презентационного альбома – гадлайна. Созданная в векторе графика “натягивалась” на мокапы и тут открылось бесконечное пространство для импровизаций и экспериментов. Для тех кто не в курсе: мокап (mockup) — это макет продукта, на который автор «натягивает» созданную векторную графику. Одно дело, когда смотришь на знак и логотип живущий в белом, абстрактном пространстве листа, и совсем другое, когда тот же логотип преподносится непосредственно на носителе, для которого он предназначен. Посмотрите некоторые работы учеников. Не знаю, как вам, но я, как автор этой учебной программы, доволен результатами в полной мере. С учётом того, что большая часть группы никогда не занималась айдентикой, не проектировала знак, не верстала гайдлайн – результат вполне достойный.
Желаю творческих успехов на пути самореализации в дизайне и благодарю всех участников весенней онлайн школы Айдентика за ударный труд
Сегодняшний разговор о проблеме минимализма в коммерческой графике. Слово “проблема” тут вполне уместно, потому, что описывает, наверное, самый распространённый конфликт между дизайнером и его заказчик, в котором дизайнер пытается создать на листе “чистое” не замусоренное визуальное высказывание, а заказчик усматривает в этом некое шельмовство, что ему чего то не доложили, что он платил деньги за красоту, а ему предлагают “пустоту”. Знакомо?
Как и при каких обстоятельствах, вообще, возник запрос на минимализм в дизайне? Истоки минимализма лежат в конструктивизме и функционализме 20-хх, утверждает русскоязычная Википедия.
Frank Stella
Однако, в культурное понятийное пространство термин «минимализм» был введен только спустя лет 30, применительно к творчеству великого американского постживописного абстракциониста Френка Стеллы. Стелла стал знаменит и востребован арт рынком в начале 50-х., благодаря так называемым «черным картинам», которые представляли собой поверхности, заполненные черными полосами. Именно в этот период, мастер сосредоточился на проблемах чистой, абсолютно безличной визуальности. Френк Стелла подчеркивал, что его творческий эксперимент во многом опирался на советскую конструктивистскую традицию 20-хх годов, и в частности на литографские работы Эля Лисицкого.
Lazar El Lissitzky
Благодаря Лисицкому, которого мы заслуженно считаем одним из первых дизайнеров и учителей графического дизайна, «лаконизм» и «минимализм» стали во многом синонимами профессионализма. После 2 мировой войны, титул «международного стиля» был однозначно закреплён за Минимализмом, благодаря успеху и авторитету таких дизайнеров как Макс Бил, Ёзеф Мюллеа-Брокман, Армин Хофман, Эмиль Рудер и др. Это произошло в тех же 50-хх. годах в благословенной Щвейцарии.
Близкое понятию «Минимализм», понятие «Лаконизм». «Лаконизм» — это не столько аскетизм формы, сколько точно найденная пропорция «форма-содержание», или «необходимая достаточность», где формы в произведении дизайна ровно столько, чтобы донести ваш message (англ. послание) и не более.
Эмиль Рудер
К сожалению, современный российский графический дизайн больше стремится к многодельности, к многословности, к «восточному изобилию», когда всего много: цветов, шрифтов, смыслов… Уверенное использование приемов Минимализма дизайнером предполагает высочайший уровень его проектной культуры, который представляет собой квинтэссенцию визуального аскетизма и концептуального лаконизма, где главная идея визуального сообщения сформулирована точно, до такой степени, что «ее можно рассказать по телефону не прибегая к показу», как говорил мой друг и учитель профессор Сергей Иванович Серов.
И ещё один хороший совет от «мудрых стариков». Френк Стелла как то сказал: «Способность упрощать означает избавление от всего ненужного, чтобы освободить место для главного».
Выкладываю небольшую коллекцию дизайнерских произведений, выполненных в стилистике “Минимализм” из моих запасов:
ПЛАКАТЫ ПАРИЖСКОЙ ГРУППЫ С НЕПЕРЕВОДИМЫМ, НО ЯВНО НЕЭСТЕТИЧНЫМ НАЗВАНИЕМ «GRAPUS», ВДОХНОВЛЕНЫЕ МАЙСКИМИ СОБЫТИЯМИ 1968 ГОДА, СТАЛИ ОДНОЙ ИЗ ЯРКИХ СТРАНИЦ В ИСТОРИИ СОВРЕМЕННОГО ГРАФИЧЕСКОГО ДИЗАЙНА
Все смешалось в мае 68-го! «Вся власть воображению!». «Пролетарии всех стран, развлекайтесь!». Студенческий креатив лихо соединял между собой демократические, коммунистические, анархистские лозунги. Безбашенный французский бунт 68-го парализовал не только вертикаль государственной власти. Он стал началом конца монополии модернизма в визуальной культуре. Творчество группы молодых плакатистов, участников майских событий, оказалось своего рода французской версией постмодернистской «новой волны». Оно сочетало в себе альтернативную протестную энергию и социальные импульсы с композиционной экспрессией, живописностью, свободной типографикой и каллиграфией.
Группа «Грапю» просуществовала двадцать лет, с 1970-го по 1990-й год, но ее участники и последователи продолжают оставаться на видных ролях в мировом художественном процессе. Все следующее двадцатилетие они были неизменными участниками Московской международной биеннале графического дизайна «Золотая пчела». Один из основателей группы и ее творческий лидер Пьер Бернар получил премию в номинации «Логотипы» на биеннале «Золотая пчела 3» в 1996 году. Он был награжден за фирменный стиль Лувра – как раз за тот самый проект, который привел к распаду группы. Другой основатель «Грапю» – Жерар Пари-Клавель – трижды становился лауреатом «Золотой пчелы». В 2004 году на «Золотой пчеле 6» он был удостоен премии в номинации «Плакаты», а до этого, на «Золотой пчеле 2» в 1994 году, получил сразу две награды – Медаль Министерства культуры России и Гран-при!
В статье, написанной специально для «INTERNI», питерский искусствовед Оксана Ващук, постоянный автор журнала, рассказывает о творческом пути группы «Грапю»
Сергей Серов
Весной 2013 года французы отмечали 45-летие майских событий 1968 года. Те дни ознаменовались массовыми студенческими волнениями, баррикадами и многотысячными манифестациями в Париже. Озвученные на первомайских демонстрациях требования социальной справедливости, демократизации, равноправия полов, отмены цензуры и полицейского произвола стали реакцией на ужесточавшийся авторитарный режим Шарля де Голля. Студенческие выступления поддержала всеобщая забастовка, в которой приняли участие более десяти миллионов человек. Однако значимость мая 1968-го состоит не только в масштабе случившегося, но прежде всего в демократическом характере того общенационального порыва, который охватил страну и привел к серьезным переменам в общественном сознании.
Общий тон задавали анархические идеи всеобщего освобождения, вызвавшие к жизни яркую контркультуру «новых левых». Демонстранты провозглашали: «Запрещать запрещается!», «Будьте реалистами – требуйте невозможного!», «Забудь все, чему тебя учили – мечтай!», «Границы – это репрессии!», «Дважды два уже не четыре!», «Все – и немедленно!». Став апофеозом утопических грез о либеральном социальном повороте, лозунги 1968 года свидетельствовали о кардинальном переломе в культурной ситуации Запада. Творчество легендарной творческой группы «Grapus» (Грапю), основанной в Париже участниками тех самых майских событий, можно рассматривать как своего рода графическую квинтэссенцию эпохи, точкой отсчета которой стал 1968 год.
Турбулентное духовное состояние нации, резонировавшее со знаковыми событиями в других странах – подавлением «Пражской весны», убийством Мартина Лютера Кинга и Роберта Кеннеди, войной во Вьетнаме– отразилось и на художественной жизни страны.
Молодое поколение уверенно выбирало нонконформизм, индивидуализм и смелые эксперименты. Ответом на бессмыслицу, абсурд и жестокость войны стала субкультура хиппи, а реакцией на консерватизм властей – ниспровержение старых авторитетов и идеи еврокоммунизма. На волне всеобщего идеализма и оптимистических надежд графический дизайн «Грапю» стал экспрессивным средством выражения общественных настроений. Из-за приверженности участников группы марксизму буржуазная публика прозвала их «сталинскими негодяями (crapules staliniennes)», откуда и возникло вызывающее название «Grapus».
С момента основания в 1970 году в группу входили Пьер Бернар, Жерар Пари-Клавель и Франсуа Мийе. Пять лет спустя к ним присоединились Жан-Поль Башолле и Александр Йордан. Бернар и Пари-Клавель познакомились еще в 1966 году в Варшаве – они вместе учились у основоположника польской школы плаката Хенриха Томашевского. Именно ему они обязаны своей поэтикой образов «хэнд-мейд» и нарочито небрежной, жестуальной каллиграфией. Томашевский научил их и емким визуальным метафорам. Не случайно в работах «Грапю» встречается множество символов из лексикона графического эсперанто.
Лидер группы Пьер Бернар говорил: «У меня не хватает терпения восхищаться красотой… Мое творчество – это скорее сумасшедшая идея, нежели художественное совершенство. В моем дизайне нет ничего миловидного, способного польстить глазу». Действительно, в своих плакатах Бернар осуществлял своего рода визуальные диверсии, разбивая в пух и прах представления благовоспитанных снобов о границах приличия в публичных высказываниях. Его графические дерзости приковывали взгляд прохожих, вовлекая их в эксцентричное действо и заставляя эмоционально проживать художественное сообщение. Вместо спокойствия разборчивой, удобочитаемой типографики Бернар предлагал зрителям густую волнующую энергетику бунтарства.
Плакат для выставки «Грапю» в бреде (Нидерланды). 1985
В буклете 1979 года, вышедшем к первой выставке «Грапю» в Гренобле, опубликован своеобразный творческий манифест группы: «Мы – творческий коллектив, действующий в обществе индивидуалистов, где художники разобщены, враждуя друг с другом, где они стеснены жесткой социальной иерархией, являясь, в конечном счете, одинокими маргиналами. Мы должны бороться против угнетенности, отчаяния и затаенной в обществе злобы. Мы стремимся наладить социальную коммуникацию в стране, где все направлено на коммерческое потребление, а между надменно-элитарной культурой, стагнирующими профсоюзами и скверной политической жизнью зияет пропасть».
Дизайнеры считали неприемлемой ситуацию, когда учреждения культуры, социальные и политические институции облекают свои послания обществу в форму банальных слоганов и сентиментального китча. Они выступали за решительное обновление визуального языка и обращались к смелым, ненормативным образам, которые были под стать произошедшим в обществе переменам. Например, один из плакатов группы, анонсирующий фестиваль коммунистической молодежи, изображает Карла Маркса в образе автостопщика (1976).
К этому времени относится сотрудничество группы с Пабло Пикассо и Франсуа Леже, которые, как и участники «Грапю», состояли во Французской компартии. Частыми гостями в мастерской «Грапю» были именитые плакатисты Роман Чеслевич и Раймон Савиньяк. Среди современников, повлиявших на стилистику группы, следует назвать дизайнеров нью-йоркской студии «Pushpin».
Плакаты «Грапю» изобилуют отсылками к мировому политическому контексту. В них – и ликование в связи с окончанием Вьетнамской войны (1975), и критика ограничения прав человека и укрепления милитаризма в Турции (1982), и негодование по поводу осады Бейрута в ходе ливано-израильской войны (1982). Темами социально-политических плакатов «Грапю» становились демонстрации за мир и разоружение, конгрессы компартии, осуждение политики апартеида и расизма, борьба с бедностью, государственные программы в сфере культуры, урбанизма, экологии. Благодаря этим работам к «Грапю» пришел громкий успех, обеспечивший им видное место в авангарде французского графического дизайна.
С самого момента своего существования участники группы приняли решение не работать в сфере коммерческой рекламы, более всего их увлекала возможность сконцентрироваться на социокультурной миссии дизайна. Значительная часть произведений «Грапю» создана для театров, музеев, библиотек, газет, концертных и выставочных залов, спортивных мероприятий, музыкальных и кинофестивалей. Клиентами «Грапю» были Центр Жоржа Помпиду, Национальный театр Одеон, Лувр, парижский парк «Ла-Вилле́т», муниципалитеты городов Иври и Обервильё, министерство культуры Франции.
Особое место в творческом наследии «Грапю» занимают работы для авангардного «Театра саламандры» в Лилле. В них ничем не ограниченная творческая свобода художников обрела наиболее яркое воплощение. Как прежде дадаисты, для выражения протестного духа участники «Грапю» нередко прибегали к актам визуального вандализма. На основе всем известных «открыточных» или даже портретных образов они создавали драматичные коллажи из разнохарактерных элементов, используя технику граффити, живопись, фотографику, знаки массовой культуры, рукописные и наборные шрифты. В этом живом театре абсурда звучали отголоски французского сюрреализма и возрождался забытый, почти архаичный кураж карнавальных мистерий.
К 80-м годам состав группы значительно расширился и временами доходил до двадцати человек. По пятницам вся группа собиралась вместе для обсуждения планов и текущих проектов. Работая над плакатами, они объединялись как минимум по двое, поскольку превыше всего ценили возможность мыслить коллективно. Отрицая внутреннюю иерархию в группе, они считали своим важным преимуществом коллективный метод работы. Отстаивая свои решения перед заказчиком, группа выступала как единый сплоченный коллектив, сохраняя изначально декларированное равноправие всех участников. И хотя никем не ставилось под сомнение идейное лидерство Пьера Бернара, все выходившие из студии работы подписывались только словом «Grapus».
В своих плакатах «Грапю» совмещали беглый рисунок или наскоро сделанное, несложное изображение с остроумной задумкой, которая легко прочитывалась зрителем. В качестве примера можно вспомнить плакат 1978 года, выполненный по заказу муниципалитета Гавра и посвященный Дню взятия Бастилии. В нем дизайнеры использовали весьма удачный прием, обыграв порядок цифр в известной всем со школьной скамьи дате – 1789. Выделив красным цветом цифры 7 и 9, они стрелкой указали, что девятку нужно перенести вперед и поставить перед семеркой, как будто исправляя ошибку в ученической тетради. Так был создан один из наиболее известных плакатов «Грапю», ставший визитной карточкой группы.
Плакат для выставки «Грапю» в париже. 1982
Другим известнейшим произведением «Грапю» стал лист, анонсирующий собственную выставку группы в парижском музее плаката (1982). На нем изображена выскакивающая на пружине из коробочки игрушка-попрыгунчик, в «лице» которой слились образы массовой культуры ХХ века. В ней ироничным образом соединены черты Микки Мауса и Гитлера, к ним в виде глаза добавлена знаменитая «мишень» представителя американского поп-арта Джаспера Джонса, второй «глаз» представляет собой серп и молот в сиянии. В улыбающемся рту этот странный персонаж держит указатель с надписью «Еxpo» (выставка). Противоречивый и многоголосый, этот образ с плаката «Грапю» заключает в себе все или почти все общекультурные смыслы, рожденные историей прошлого столетия.
В 1989 году, в ходе работы над проектом по созданию нового фирменного стиля для Лувра между членами группы впервые возникли серьезные разногласия. Настояв на принятии этого крупного государственного заказа, Пьер Бернар пошел в разрез с принципами, по которым группа отказывалась от прямого содействия властям. Сотрудничество с Лувром как оплотом буржуазного консерватизма в культурной политике было для «Грапю» символом конформизма, отступления от собственного морального кодекса. Ощущение предательства своей оппозиционной миссии вызвало раскол в группе. Не смягчило ситуацию даже то обстоятельство, что Бернар стремился подчеркнуть значение Лувра как подлинно народного музея, а не учреждения для привилегированного класса и культурной элиты. В знак несогласия с позицией Бернара несколько художников вышли из состава группы.
1 января 1991 года группа официально объявила о своем распаде. После себя она оставила более 800 плакатов, множество подражателей и последователей. К их числу сегодня относятся группа «Laboratoires СССР», Эльза Мелло и Бруно Суэтр. Определенное влияние стилистики «Грапю» прослеживается и в творчестве мэтров современного французского дизайна Алана ле Кернека и Мишеля Буве.
В наше время многие бывшие участники «Грапю» продолжают активно работать – Александр Йордан и Аннет Ленц еще в 1986 году основали ныне крайне успешную группу «Nous Travaillons Ensemble» (Мы работаем вместе). Пьер Бернар и Жерар Пари-Клавель трудятся независимо. Прервавшись внезапно, двадцатилетняя эпоха «Грапю» не канула в Лету, она стала бесценным источником опыта и вдохновения для многих современных мастеров.
Ещё как сложно! И сложность состоит в том, что правое полушарие мозга, отвечающее за абстрактное мышление, за образы и впечатления, у нас спит, а просыпается, как это не забавно звучит, только во сне. Большую часть своей жизни мы проводим с подключённым левым полушарием, которое отвечает за всё конкретное и рациональное. Креативность же требует попеременного использования то правой, то левой половинки мозга и это принципиально важно.
