Можно ли нарушать классические законы типографики в айдентике? Конечно, можно, если вы это делаете осмысленно. По большому счёту, каждый из отцов-новаторов типографики XX века, и Ян Чихольд, и Мюллер Брокман, и Рудер, нарушали законы, существовавшие до них. Для того чтобы нарушать правила, нужно их досконально знать и ими владеть, в противном случае «бунт» будет неубедительным. Именно на незнании базовых законов типографики и прокалываются молодые дизайнеры. Смотришь на их айдентику – вроде всё замечательно и с точки зрения креативности, и с точки зрения владения графическими инструментами, а с точки зрения типографики – беда. Печаль в том, что эти ошибки видны не только мне, опытному дизайнеру с многолетним опытом, печаль в том, что их видит и заказчик. Он просто не может сказать, где собака зарыта, но интуитивно чувствуют, что что-то не то и отправляет дизайнера “поиграть шрифтами”. Я хочу рассказать вам о трёх базовых правилами типографики в айдентике. Следуя им вы подстрахуете ваши проекты от негативной оценки. Премьера видео – тыц по ссылке: https://youtu.be/oNQu0EF9huo
Архив метки: дизайн школа
Меньше значит больше. Минимализм в дизайне
Тема этой статьи – проблема минимализма а дизайне. Слово «проблема» вполне уместно, потому что описывает, наверное, самый распространённый конфликт между дизайнером и заказчик, в котором дизайнер пытается создать «чистое» не замусоренное визуальное высказывание, а заказчик усматривает в этом некий обман, что ему чего-то не доложили, что он платил деньги за красоту, а ему предлагают «пустоту». Но этот актуально не только в контексте взаимоотношений с клиентом, конфликт гораздо глубже, и порой случается в голове дизайнера, особенно новичка. Дизайнер смотрит на свою работу и думает – это недостаточно сложно, чтобы быть крутым. Меня скорее всего неправильно поймут. Надо добавить чего-то, каких ни будь 3-д эффектов, моушн-анимации, какого ни будь визуального шума, ведь это модно. Знакомо? Попробуем разобраться с вопросом.
Почти 20 лет назад, 9 января 2007 года, Стив Джобс вышел на сцену и презентовал миру свой первый Айфон чем во многом изменил ход истории, по крайней мере в области коммуникаций. Если бы не Айфон, то эволюция дизайна смартфона могла пойти совсем по другому пути, возможно по пути усложнения его формы, по пути многословности и украшательства. Но Джобс создал эталонный объект, который рынок таковым признал. И сегодня любой смартфон уже не может выглядеть как-то иначе чем Айфон, публика этого просто не поймёт и за это не заплатит. В чём секрет успеха Джобса? Моё личное убеждение, что секрет его успеха в лаконизме формы первого Айфона, точнее сказать, в точно найденной пропорции между функцией и формой. Новые функции смартфона были точно воплощены в его форме, а не наоборот и пользователи это интуитивно прочувствовали.
Возьму на себя смелость утверждать, что Айфона бы не было, если бы не было Баухауса – великой немецкой дизайн-школы. Именно в её стенах, ещё в 20 года прошлого века и возник запрос на минимализм в дизайне. Главный нарратив школы был «форма должна следовать за функцией». Вот любопытный артефакт 1924 года – шахматы, спроектированные Джозефом Хартвигом в мастерских Баухауса. Казалось бы, ну шахматы, ну прикольные, ну минималистичные, вполне в духе конструктивизма. Но главное не это, а то, что в форме каждой фигуры Хартвиг закодировал алгоритм её движения по доске. Вот посмотрите – конь – г-образной формы, офицер – это крест, фигура, ходящая по диагонали, ферзь – это шар, то есть фигура способная двигаться в любом направлении. Нужна или не нужна эта информационная нагрузка шахматисту – вопрос не существенный. Шахматы Хартвига – это концепт, декларация. В 20-е года дизайнеры начали менять правила игры, сложившиеся ещё в классическую эпоху, начав смещать фокус со сложности и замысловатости формы предмета в сторону её простоты и функциональности. И эта функциональность в новой реальности и стала критерием красоты.
Данный подход к проектированию касался не только предметного дизайна, но и графического. Графического возможно, в первую очередь. Типографика эпохи раннего модернизма избавилась от всего красивого, от изысканных шрифтов, предпочтя им рубленные, от орнаментов и других радующих глаз декоративных элементов, не несущих содержательной ценности. «Способность упрощать означает избавление от всего ненужного, чтобы освободить место для главного», писал Ян Чихолд в 1927 году в своей знаменитой «Новой типографике», книге, которая стала настоящим модернистским манифестом. Что для Чихолда в дизайне было главным? Я бы выразил это двумя словами «простота» и «порядок». Если дизайн это в первую очередь коммуникация, то простота и порядок – это способ очистить эту коммуникацию от шума, от всего того, что мешает и отвлекает потребителя от сути дизайнерского сообщения. Простота и порядок — это то, что делает дизайн объективным, а потому достоверным. Потребитель верит такому дизайну, как поверил 20 лет назад Стиву Джобсу и его Айфону.
К слову, о Джобсе, в своей биографической книге он подсветил, как мне кажется, очень важный момент, что простота может быть двух сортов. Первый – это простота наивная, поверхностная. Второй — это простота, как результат упрощения сложного. Простота наивная, её ещё иронично называют – «святой простотой», она просто от недостатка опыта. В самом начале пути мы делаем дизайн простой и увы плохой. Он получается у нас простым, потому что недостаток техники не позволяет делать его более сложным. Потом, спустя время, он становится у нас более сложным, но остаётся по-прежнему плохим. Затем приходит профессиональная зрелость, качество наших проектов улучшается и наш дизайн становится одновременно и хорошим, и сложным. И только спустя годы происходит эволюционный скачок, и мы приходим к простоте как осознанной необходимости и начинаем делать дизайн простой, но при этом – эмоционально и информационно заряженный, в нём появляется глубина. Но к такой простоте нужно прийти, пройдя через все стадии эволюции. То, о чём я рассказываю сегодня, возможно позволит вам правильно настроить фокус и посмотреть на то, что вы делаете под правильным углом. По крайней мере я на это надеюсь.
Мой друг и учитель профессор Серов Сергей Иванович много лет назад подарил мне слово – «минимакс». Оно расшифровывается как максимальная содержательность при минимализме художественных средств. Это слово означает высшее качество в дизайне, по сути является обозначением правильно выбранной позиции и правильной стратегии в проектировании.
Любопытно, что во времена Баухаус, термин «минимализм» ещё не был изобретён. В культурное пространство он был введен только в 50-е года, и применительно к творчеству американского абстракциониста Френка Стеллы. Стелла стал знаменит и востребован арт. рынком, благодаря так называемым «черным картинам», которые представляли собой поверхности, заполненные черными полосами. Стелла подчеркивал, что его творческий эксперимент во многом опирался на советскую конструктивистскую традицию 20-хх годов, и, в частности, на работы Эля Лисицкого, которые были им сделаны во время его преподавания в Баухаус. Удивительно, как всё переплелось в истории искусства и истории дизайна. Стелла, однако, забыл упомянуть ещё одного великом русского, напрямую причастного к формированию минималистских наративов в начале века, это Казимир Малевич.
Его чёрный квадрат за 100 лет стал, наверное, самым узнаваемым артефактом беспредметного искусства. Но помимо квадрата у Малевича ещё были и чёрный треугольник и чёрный круг. Круг, квадрат и треугольник, как декларировал Малевич в супрематической доктрине, служат прототипом всех форм, существующих в реальной жизни. Малевич настаивал на том, что внешняя оболочка предмета скрывает его суть, цель же художника — увидеть эту суть и донести её до зрителя. Будучи в начале 20-хх приглашённым преподавателем Баухаус, Малевичу удалось заразить своими идеями первые поколения дизайнеров. Стремление любой замысел реализовать через простую геометрию, свести всё к кругу, квадрату и треугольнику стало мейнстримом в дизайне на долгие годы. У меня в архивах имеется фотография, несколько лет назад присланная другом из Парижа. Это фуршет на парижском конгрессе международных организаций, занимающихся промышленным дизайном (Icsid). Большой респект устроителям мероприятия, сделавшим весьма остроумный экивок в адрес участников конгресса, типа, вот вам дизайнеры ваши пресловутые круг, квадрат и треугольник, извольте откушать.
До 90-хх годов основные тренды мирового дизайна оставались в фарватере минималистской концепции. Швейцарский интернациональный стиль, сформировавшийся к 50-м годам, во многом послужила распространению минимализма, как главной доктрины графического дизайна. Типографика, которая до швейцарцев была подчинённой профессией превратилась в самостоятельную дисциплину, обладающую самостоятельным художественным статусом и смыслом. Помимо культа геометрии и математической взвешенности композиции, что было открыто ещё в учебных мастерских Баухаус, швейцарцы открыли так называемый «воздух», открыли ценность и самодостаточность незапечатанного краской листа.
То, что до швейцарцев было просто пустотой, с их лёгкой руки стала «воздухом», т.е. живой материей, необходимой для того, чтобы дизайн «дышал». Швейцарские дизайнеры выступали против всякой спонтанности и импровизации, призывая к строгой методической дисциплине и объективности. Швейцарский послевоенный минимализм до сих пор остаётся одной из вершин в истории дизайна, а Интернациональный стиль – синонимом настоящего профессионализма.
К глубокому сожалению, современный российский дизайн больше стремится к многодельности, к многословности, к «восточному изобилию», когда всего много: цветов, шрифтов, смыслов… Держать себя за руки и самоограничивать довольно сложно, когда столько соблазнов. И мощный графический софт и производительность компьютера и возможности Нейронных сетей. С другой стороны, уверенное использование приемов Минимализма предполагает высочайший уровень проектной культуры дизайнера, который представляет собой микс визуального аскетизма и концептуального лаконизма, где главная идея сформулирована точно, до такой степени, что «ее можно рассказать по телефону, не прибегая к показу», как говорил мой друг и учитель вышеупомянутый Серов Сергей Иванович. Мой совет – будьте проще и люди к вам потянутся. Максимум это Минимум!
Если вы дочитали до конца, то вы на самом деле фанаты графического дизайна и у меня к вам есть 3 вопроса. Вы хотите прокачать свои навыки до уровня ПРОФИ. Хотите увеличить свой чек в 2–3 раза? Хотите начать работать и зарабатывать на фрилансе? Если вы ответили положительно на 2 из 3 вопросов, то кликайте на ссылку под этим видео и переходите на страничку моей онлайн школы Айдентика, переходите и оставляйте предварительную заявку. Это стоит сделать ещё и потому, что сейчас идёт акция и для участия предлагаются максимально выгодные условия. Действуйте! Кстати, посмотреть работы учеников, прошедших Школу и почитать их отзывы можно там же . За сим откланиваюсь. Всем удачи, делайте дизайн, делайте его максимально простым и объективным. Школа Айдентика: https://school.romashin-design.com
Весенняя скидка на обучение!
КАК СМЫСЛ ПРЕВРАЩАЕТСЯ В ДИЗАЙН
Всем мегапривет! Пару лет назад я затеял переписку с молодыми дизайнерами, с целью глубже познакомится с их проблемами, для того чтобы корректировать и уточнять свою учебную программу. Дизайнеры писали мне, я писал им. Один из самых часто встречающихся вопросов: «где учиться графическому дизайну, если тебе под 30, и поступать в вуз уже поздно? Как получить профессию, которая будет кормить в будущем?»
Мало кто в мире знает, как нужно обучать дизайну, единого образовательного стандарта до сих пор нет. Поэтому учить, в идеале, должны мастера-практики, включенные в проектный процесс, а не просто левые люди, пересказывающие содержание книжек. Выбирая школу или курс, обязательно поинтересуйтесь, кто будет вас учить. У педагога должна быть профессиональная история и портфолио. Если педагогу нечем похвастаться – ищите другую школу.
Я занимаюсь дизайн педагогикой около 30 лет. Последние 7 лет преподаю только онлайн. Когда 7 лет назад я только запускал школу, она представляла собой живые вебинары в реальном времени. То есть, каждый понедельник я приглашал учеников в вебинарную комнату, в которой читал лекцию, отвечал на вопросы. Через 1-2 школы я понял, что это дико неудобно🥱. Ученики могли находиться где угодно, не только в Петербурге и Москве, но и на Дальнем востоке, в Прибалтике, Германии, Израиле и даже в Китае. Разница во времени могла составлять 6-8 часов, и некоторым бедолагам приходилось просыпаться ночью и садится за компьютер. Подумав, я решил все лекции записать. Это оказалось правильным решением. Это сняло напряжение у учеников, ведь лекцию стало возможно прослушать в любое удобное время и даже вернуться к ней раз и два.
️У меня есть несколько обучающих программ разной направленности и глубины погружения. Видеокурс, который я в данный момент продвигаю, посвящён такому перспективному и востребованному рынком направлению в графическом дизайне как «бренд дизайн». Курс состоит из 10 лекций. В них содержится уникальная информация по истории айдентики, её типологии, брендингу, гештальтпсихологии в проектировании, основам колористики и типографики.
Этот курс предназначается как для молодых людей, ещё только присматривающихся к профессии, так и для тех, кто уже работает в области графического или продуктового дизайна и хочет расширить свои компетенции. Вы узнаете, как соединить основы дизайна с маркетингом, потребительской психологией и позиционированием бренда. Научитесь управлять креативностью и создавать точные визуальные образы, выстраивая для клиента эффективную коммуникацию с потребителями. В конце каждой лекции –задание для самостоятельной работы. Выполнение заданий – важное условие качественного усвоения учебного материала, поэтому – нужно обязательно найти время на их выполнение.
Получить доступ к курсу можно по ссылке school.romashin-design.com/brending Учитесь, меняйте свою жизнь и делайте дизайн!
О креативе и творчестве в дизайн
Недавно пригласили меня выступить с лекцией в Москве, взял я в поезд «Дженерейшен пи» Пелевина, которого не брал в руки лет 20. И вот сижу-читаю и натыкаюсь на смешную, забытую мной сценку, где университетский товарищ Вавилена Татарского приглашает его на работу в качестве криэйтора. Татарский его переспрашивает:
– Криэйтором — это творцом, если перевести?
– Творцы нам тут на х… не нужны, криэйтором, Вава, криэйтором.
Тогда, в конце 90-хх, когда роман сочинялся, слова креатив, криэйтор и креативность только входили в повседневный русский язык, но как мне видится сегодня с моей профессиональной кочки, слово то прижилось и стало общеупотребительным, но смысл его до сих пор не совсем ясен. Вернее так, большинство просто не улавливает разницу между творчеством и креативом. А разница существенная. Возможно, это связано с тем, что английское слово «creative» переводится на русский как «творческий», не знаю…
Вот, например, список креативных профессий, который я нашёл на портале для абитуриентов postupi, помогающем в выборе будущей профессии: дизайнер, художник, писатель, музыкант, композитор, режиссер, фотограф, архитектор, креативный директор. Большая часть профессий из списка не являются по факту креативными. Я бы решительно вычеркнул: писателя, музыканта, композитора и фотографа. Всё это – творческие профессии, к креативу не имеющие особого отношения и добавил – разработчика ПО, бизнес стратега и ещё ряд.
Попытаюсь объяснить свою позицию, никого не обидев. Творчество – процесс спонтанный, имеющий целью удовлетворение прошитой в человеческом психе потребности. Рабочий инструмент творчества – эмоциональный интеллект. Через творческий акт человек исследует себя, окружающий мир и выдаёт субъективный, личностно окрашенный результат. Симпатии зрителя настоящего творца мало волнуют. Он может не чувствовать дискомфорта и в положении «никем не понятого», испытывая мазохистское наслаждение от того, что он так тонок, так сложен для понимания большинства и бла-бла-бла…
Креатив – это алгоритм поиска оптимального решения трудно решаемой задачи. Рабочим инструментом тут является рациональный интеллект. Рациональный способ думания позволяет принимать глубокие, продуманные решения, отличающиеся высоким уровнем системности. В основе большинства креативных технологий лежит способность находить тончайшие причинно-следственные связи там, где их наличие поначалу не просматривается. Креативность — это не столько состояние души, или врождённый талант, сколько набор технологий. Навык управления креативностью принадлежит к высокопрофессиональным навыкам и требует постоянной тренировки мозга.
Алан Флетчер (1931 – 2006), один из самых влиятельных персонажей британского графического дизайна, создатель студии Pentagram пишет: «Дизайнерам графикам необходимость развивать способность к «мозговой акробатике», чтобы ум мог манипулировать реальностью, избегая банальностей. Эффективный дизайнер должен обладать доверчивостью ребенка, преданностью евангелиста и выносливостью военного моряка». Па-па-па-пам! Мощно сказано.
Я постоянно наблюдаю подмену одного другим, особенно в контексте дизайн образования. Дизайнерская молодёжь в массе хочет рефлексировать и эмоционировать берясь за проект, и сопротивляется тому, чтобы анализировать и синтезировать. Один мой очень неглупый товарищ, дизайнер и педагог, как-то пошутил на эту тему: «Хороший дизайнер от плохого отличается тем, сколько раз он в процессе проектирования включает мозг» и добавил: «Большинство вообще не знает где он включаются». Грубо, конечно, но убийственно точно. Креативный процесс – вообще энергозатратное занятие, заниматься чистым творчеством в дизайне и проще и приятнее.
Я хочу пригласить интересующихся темой, в свой уютный ламповый бложек в Телеграмм. Основная масса – выпускники моей онлайн школы Айдентика, но есть там и «старички. Говорим о дизайне, делимся опытом, книжками, и всем, чем Бог послал. Залетайте, ссылка: https://t.me/+eGC5bJnb27M0YzNi
История товарного знака от цехового клейма XIX века до современного логотипа
Всем привет, я продолжаю делиться секретами бренд дизайна и сегодняшний разговор о ДНК всякого корпоративного стиля, о товарном знаке или логотипе. Логотип — это, в первую очередь, носитель сообщения, месседжа, и только во вторую очередь — картинка приятная глазу. Но так было не всегда. За длинную историю развития корпоративной айдентики, менялись и функции логотипа, и критерии его оценки. Генезис товарного знака от цехового клейма XIX века до современного логотипа цифровой коммуникационной платформы – тема этой лекции. Как вы заметили, видео залито на платформу Дзен. Ютуб, к сожалению, всё… по крайней мере в России. Посему – прошу всячески поддержать мой новый блог лайками, перепостами и комментами. Спасибо!
dzen.ru/video/watch/66dedd056f233e4b1995ff72
О БРЕНДЕ И БРЕНДИНГЕ
Сегодня издаются десятки книг, в которых рассказывается о великих брендах настоящего и прошлого. Издаются десятки книги, в которых более-менее детально описываются технологии построения бренда. Несмотря на обилие литературы на эту тему, брендинг, остается эдаким островком агностицизма для большинства молодых дизайнеров, с которыми мне приходилось общаться. Зачем вообще брендинг дизайнеру? Зачем загружать голову трудноусвояемой квазинаучной информацией. Как и с какой стороны это может пригодиться коммуникационному дизайнеру? Попытаемся с этим разобраться.
По моему глубокому убеждению, брендинговое видение — это то, что позволяет дизайнеру, вне зависимости от того, в какой области он трудится, взглянуть на проектную проблему объёмно, как «из головы» покупателя, так и «из головы» продавца, тем самым серьёзно повысив вероятность успеха своих усилий. Брендинг — это способ коммуникации, а дизайн — это язык этой коммуникации. Без брендингового основания дизайн превращается просто в рисовайлинг, сказал в одной из своих лекций Андрей Кожанов руководитель высшей московской школы брендинга.
С того момента, как Абрахам Маслоу сформулировал концепцию пирамиды потребностей, известно, что потребитель покупает не вещь и не набор её функций, он покупает эмоцию. Вернее так — платит он в конечном итоге за вещь, но, если она не будет обернута в эмоцию, он её не купит и отправится дальше блуждать вдоль магазинных полок.
Полин Браун, автор книги «Эстетический интеллект» объясняет это так: «Современный потребитель, больше не стремящийся к накоплению материальных благ, ищет глубины и значимости переживаний. Именно поэтому наиболее устойчивы те бренды, продукты или услуги которых затрагивают чувства и будоражат воображение».
Что же такое бренд? Из множества классических определений, я бы остановился на этом (авторство восстановить уже невозможно, поэтому присвою его себе:
Бренд — это сумма вер и ожиданий потребителя, которые обеспечивают его лояльность к торговой марке на протяжении длительного времени.
Соответственно брендинг — это создание эффективных коммуникаций с потребителем, который в результате принимает полезные для бизнеса решения.
Важнейшим свойством бренда является его способность создавать добавленную стоимость, которая позволяет назначать за товар более высокую цену по сравнению с его небрэндированным аналогом. Такое свойство бренда, как возможность назначать премиальную наценку, по большому счету и является его самой важной функцией. Очевидно, что каждый бренд имеет свою стоимость, и эта стоимость либо растет, либо падает по мере роста или снижения потребительского интереса.
Каждый собственник бизнеса, осознанно, или подсознательно стремится к увеличению стоимости своего бренда, поэтому, говоря об управлении брендом, мы говорим прежде всего о том, насколько эффективно удается выстроить диалог с потребителем, донести до него ценности, которые несет в себе продукт, и самое главное — заставить потребителя во все это поверить.
Замечу, что торговый знак, или логотип сам по себе брендом не является. Бренд — это коммуникационная оболочка, надстройка над бизнесом, над созданием которой трудятся рука об руку маркетолог, копирайтер, стратег и дизайнер. Количество участников команды зависит от размеров бюджета. Порой можно обойтись и без стратега, или копирайтера, даже без маркетолога, но без дизайнера не обойтись никак. Разработку фирменного стиля стратегу точно не доверят.
Цель этой лекции – не дать исчерпывающие знания по теме брендинга, цель её возбудить у вас живой интерес к теме, ведь по большому счёту цель всякого образования – дать ученику импульс и задать направление для его самообразования.
И так. Разберёмся с основными понятиями.
Платформа бренда
Это основа основ. Как закладка фундамента здания, создание платформы бренда — это многоступенчатый, дорогостоящий и трудный процесс, заканчивающийся принятием ряда важных документов, отвечающих на такие вопросы, как «наша аудитория», «наш продукт», «наш стиль», «наша миссия и ценности», «наши мифы» и т. д. Платформа бренда — это смысловая основа, на котором строится все здание. Отталкиваясь от основных положений бренд-платформы коммуникационный дизайнер в первую очередь должен уловить его характер. Какой этот бренд – легкомысленный или серьёзный, богатый или так себе, интеллектуал или придурок, и кто он в плане гендерных характеристик? Мальчик, девочка или старик? Надо представить себе и описать бренд, как будто это человек.
Имя бренда
Обычно привлечённый дизайнер работает уже с существующим именем бренда. Но случаются ситуации, когда собственник чувствует, что его бизнес давно вырос из имени, сочинённом на скорую руку ещё в начале 2000-х, что оно ему не комфортно, не сообразно и ставит перед дизайнером задачу как-то его приукрасить. Важно понимать, что имя в идеале должно вырастать из платформы бренда. От того, какое у бренда имя — креативное, либо «колхозное», — зависит, из кого преимущественно будет формироваться целевая аудитория с ее специфическими потребительскими ожиданиями. Важно помнить, что бренд с неопределённой целевой аудиторией может в итоге вообще оказаться в пустоте и зачахнуть.
«Слабое имя проигрывает в марочной войне, даже не вступив в неё», писал теоретик брендинга, американец Филип Котлер. Британские ученые экспериментально установили, что активный житель мегаполиса в среднем за сутки через свои органы слуха и зрения подвергается нескольким тысячам рекламных атак. Между тем участвующие в эксперименте джентльмены из всего рекламного потока выхватывали и запоминали одно имя, от силы – два. Окружающая нас аудиовизуальная действительность не менее плотная чем в Британии. Не требует доказательств, что у слабого имени мало шансов «зацепиться» за сознание покупателя, не говоря уже о том, чтобы побудить его к каким-либо целевым действиям. Если имя бренда слабое и дизайнер это осознаёт, он должен что-то с этим сделать, разумеется, в рамках своих дизайнерских полномочий.
Фирменный стиль
Система идентификации бренда — фирменный стиль. Тут всё просто. Он разрабатывается на основе логотипа. Фирменный стиль — это созданные для компании стандарты и рекомендации по нанесению корпоративной символики на всевозможные носители. Носителем корпоративного стиля может быть все, что угодно: внутренняя документация, наружная реклама, сайт, здание офиса, собственный транспорт, униформа сотрудников и т.п. Работы по созданию фирменного стиля и руководство по его применению оформляются в многостраничный документ, называемый гайдбуком. Наличие профессионально сделанного гайда обеспечивает узнаваемость бренда вне зависимости от формата и характера маркетинговых мероприятий компании. Ещё одно важное замечание, касаемое гайда: дизайнер, разрабатывающий альбом фирменного стиля, в меньшей степени должен думать о заказчике и как «сделать ему красиво». Он должен думать о том дизайнере, которому этот документ попадёт в руки впоследствии, и каково ему будет с ним работать. Всё ли в гайде учтено, всё ли логично и понятно. Не придётся ли будущему дизайнеру чего-то додумывать за вами и допиливать? Помните об этом.
Вот в общих чертах основные особенности конструкции под названием Бренд.
Мои лекции на умирающем Ютуб: https://bit.ly/3Kt911z
Иконы графического дизайна: Пол Ренд. Дизайн: форма и хаос
Всем большой привет! Сегодня рассказываю о Поле Ренде. Для тех, кто имя Ренда слышит в первый раз, скажу, что он вписал себя в историю мировой айдентики Гельветикой самого жирного кегля, в первую очередь, благодаря дизайну логотипов таких компаний, как: IBM, Morningstar, Ford, NeXT Стива Джобса и многих других. Рэнд был профессором графического дизайна в Йельском университете, где преподавал с 1956 по 1985 год. В 1972 году он был включен в Зал славы Нью-Йоркского клуба арт-директоров.
Иконы графического дизайна: Герб Любалин
Приветствую читателей и писателей dsgners! Сегодня я расскажу о великом американском дизайнере докомпьютерной эпохи Герберте Фредерике Любалине. Любалин, входит в так называемый русский триумвират, в список из трёх значимых дизайнеров Америки, имевших русские корни. Это естественно: Алексей Бродович, Иван Чермаев и герой моего рассказа – Герберт Любалин. Любалин родился в 1918 году, родился левшой и дальтоником. Он учился, жил и работал в Нью-Йорке, и вряд ли был еще такой графический дизайнер в США в 70-х годах, который был бы так высоко оценен публикой. Его судьба плотно переплетена с Нью-Йорком. Но только частью своей сущности он принадлежал американской культуре. Имея по отцу русские корни, он считал себя русским.
Современник Любалина, известный дизайнер Дорфсман называл его человеком, который глубоко повлиял и изменил наше видение и восприятие форм письма, слов, да и самого языка. «Герб Любалин – это американская школа графического экспрессионизма».